La luz, siempre de moda! - iluminación y pasarelas de Stefan Beckman Paloma Correa Zamora - Archivo Digital UPM
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La luz, ¡siempre de moda!
iluminación y pasarelas de Stefan Beckman
Paloma Correa Zamora
La Luz ¡Siempre de Moda! Iluminación y Pasarelas de Stefan Beckman Paloma Correa Zamora Expediente 16084 Tutor Guillermo García-Badell Departamento de Composición Aula TFG 4 Jorge Sainz, coordinador Angel Martinez Díaz, adjunto Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid Universidad Politécnica de Madrid Madrid, Enero 2022
Índice
Resumen
Introducción
1. Pasarelas como escenografías
De los primeros desfiles al establecimiento de una industria
Las pasarelas como espectáculos, verdaderas síntesis creativas
2. La luz en el centro de la escena
La luz como protovariable, aspectos generales
James Turrell, hacia el control de la luz
Robert Wilson, como construción escenografica
Es Develin, la narrativa del espectáculo
3. Stefan Beckman, el iluminador de pasarelas
Visión del artista
Pasarelas de Beckman
4. Casos de estudio
Marc Jacobs O/I 2013
Alexander Wang P/V 2016
Marc Jacobs P/V 2017
Conclusiones
Bibliografía
Libros
Artículos
Recursos Digitales
Procedencia de las ilustraciones
Resumen
Con el objetivo principal de vender ropa y promover la industria de la moda,
los desfiles se van sintonizando más con el espectáculo y la creación de es-
cenarios extraordinarios. Son espectáculos que buscan formas seductoras
de presentar la moda y sorprender al público.
Ya sea en el teatro, la ópera, los conciertos o en las instalaciones artísti-
cas, la luz cobra un gran protagonismo en la puesta en escena. Y en las pasa-
relas de moda, como en todo espectáculo, la iluminación puede llegar a ser
el elemento principal entorno al cual se articula todo. El estudio de la obra
de algunos artistas que trabajan con este recurso, nos hará entender la im-
portancia que puede llegar a adquirir antes de centrarnos en el estudio de
Stefan Beckman, un escenógrafo especializado en moda.
Stefan Beckman es uno de los profesionales que todo buen desfile nece-
sita. Estos incluyen desde diseñadores de moda, modelos y equipo técnico
a diseñadores de producción y, en los últimos tiempos, arquitectos. Beck-
man lleva años organizando algunos de los desfiles más icónicos de la se-
mana de la moda de Nueva York. A través su trabajo, crea entornos dise-
ñados para provocar una reacción en el espectador y esto lo consigue con
la ayuda de algunos elementos organizadores pero, principalmente, con la
iluminación.
Para analizar su extenso trabajo nos vamos a centrar en el análisis de
tres escenografías de pasarelas con características lumínicas y organizacio-
nes espaciales diferentes, como son: Marc Jacobs Otoño/Invierno (o/i) 2013,
Alexander Wang Primavera/Verano (p/v) 2016 y Marc Jacobs Primavera/Ve-
rano (p/v) 2017. El análisis se llevará a cabo desde varios aspectos: organi-
zación espacial; público, recorrido y luces y la organización temporal de la
iluminación en relación con el resto de los elementos.
Palabras clave
Stefan Beckman · Moda · Escenografía · Iluminación · Desfile · Espectáculo
Introducción
Las pasarelas han pasado de ser una exposición en un pequeño atelier,
a un auténtico espectáculo convirtiéndose estas verdaderas síntesis
creativas.
Contextualizando así los desfiles como espectáculos, estudiaremos la luz
como elemento principal de algunas puestas en escena. Dando algunas no-
ciones básicas de la teoría de la luz, analizando como la luz afecta a la per-
cepción de las variables visuales.
En el contexto del trabajo con la luz tenemos importantes ejemplos de
artistas y escenógrafos. James Turrell, el denominado “arquitecto de la luz”
y experto en juegos visuales con el uso de la luz artificial; Robert Wilson,
conocido escenógrafo teatral y operístico y eminencia en el uso de la luz;
Es Devlin, escenógrafa de teatro, eventos musicales y de moda que trata de
buscar nuevas formas de trabajar con la luz.
Stefan Beckman, objeto de estudio de este TFG, productor y director
creativo del mundo de la moda que ha trabajado con grandes firmas. Ha di-
señado decorados para sesiones fotográficas y cinematográficas, presenta-
ciones de moda, exposiciones e interiores de tiendas. Además diseña des-
files para los nombres más importantes de la Semana de la Moda de Nueva
York temporada tras temporada.
Para poder obtener unas conclusiones firmes, analizaré tres casos de es-
tudio. He tratado de escoger aquellos con características lumínicas dife-
rentes. El primero pertenece a lacolección de otoño/invierno (o/i) 2013, de
Marc Jacobs, hay una luz cálida en el que un solo elemento ilumina todo
el ambiente. El segundo, Alexander Wang primavera/verano (p/v) 2016, se
compone de una pantalla que proyecta imágenes junto a una pasarela defi-
nida por luz tramando un recorrido lineal. Por último, Marc Jacobs prima-
vera/verano (p/v) 2017, en este hay muchos elementos puntuales que cuel-
gan del techo simulando estrellas.
Todos ellos serán estudiados por la organización del espacio y los siste-
mas de iluminación utilizados. Centrándome en estos últimos, los analiza-
ré temporalmente en el transcurso del desfile.
Concluirá el trabajo con la exposición de las conclusiones obtenidas acer-
ca de las pasarelas de moda y uso de la iluminación en ellas.
8 la luz ¡siempre de moda!
1 Pasarelas como escenografías
De los primeros desfiles al establecimiento de una industria
Los desfiles de moda nacieron con la finalidad de mostrar un producto al
comprador. Aunque el fin no ha variado, la forma de hacerlo ha ido evolu-
cionando a lo largo de la historia adaptándose a la consolidación de la in-
dustria, las revistas, la cultura pop, el ‘fast-fashion’, y últimamente, a la re-
transmisión en directo a grandes audiencias a través de internet.
Ya a mediados el siglo XIX, muchas modistas utilizaban a sus asistentes
o vendedoras para mostrar sus creaciones a los clientes. Algunos modistos,
como Charles Frederick Worth, vestían a sus esposas para lucir sus creacio-
nes en los grandes eventos sociales del momento.
Creador del primer Haûte Couture, el inglés C.F. Worth llegó a París para
revolucionar la moda. Hasta ese momento, las mujeres asistían a la modis-
ta para diseñar sus propios vestidos pero Worth introduce sus propias ideas.
La moda ahora responde a la intención del autor, un artista modisto.
A finales de siglo, en Francia e Inglaterra, el teatro y las casas de costura
tuvieron una estrecha relación tanto fuera como dentro del escenario. Se
popularizó que los diseñadores mostrasen sus vestidos a través de este me-
dio. El teatro, la ópera, las carreras y las zonas turísticas se convirtieron en
lugares donde ver los estilos más vanguardistas.
Poco después, se suman a la exhibición social los espectáculos progra-
mados en las casas de alta costura. Durante esta época, los movimientos de
los maniquís (así se llamaban en el momento) se coreografiaban para mos-
1.1 «House of Worth» el atelier
de Charles Frederick Worth.
Fue el primer diseñador
de la historia y pionero
en firmar sus diseños.
10 la luz siempre de moda
trar la calidad de los tejidos y la caída en el cuerpo. Los desfiles estaban muy 1.2. Desfile Chanel 1947.
Durante esta época, los
influenciados por la estética y la escenografía del teatro. La iluminación y desfiles se llevaban a cabo
los espejos estaban estratégicamente colocados y resaltaban los aspectos en las casas de costura.
importantes de la colección. Se realizaban en espacios interiores, de ámbi-
1.3. Paul Poiret ayuda a
to doméstico y privado. vestirse a una modelo en su
Paul Poiret había trabajado para Worth pero decidió empezar su pro- gira por EEUU entorno a 1930.
pia Haûte Couture. Sus diseños se basaban en la antigua Grecia, le intere-
saba el cuerpo de la mujer, sus curvas, su movimiento. Por ello usaba telas
muy ligeras que caían delicadamente en el cuerpo de las modelos. Comen-
zó a realizar desfiles en su salón y en el jardín trasero que grababa y luego
los usaba en sus viajes promocionales a Estados unidos. En 1910, el diseña-
dor Paul Poiret presenta su colección en primicia a la prensa.
En el mismo año, en Nueva York, se celebra un desfile de Wanamakers,
una de las grandes superficies del momento. El desfile se lleva a cabo en
uno de sus locales y como novedad introducen la pasarela elevada que co-
nocemos hoy en día. En 1943, se crea en Nueva York la Press Week, un even-
to al que asistía la prensa del mundo de la moda y cuyo único fin era la pro-
moción. Estos eventos dicen mucho del modelo de pasarela que se acoge
en Estados Unidos.
Sin embargo en Francia, continúa una corriente más teatral. Un espec-
táculo en el que lo relevante es el evento y en el que los movimientos de las
modelos son mucho más forzados y premeditados.pasarelas como escenografias
1.4. Desfile de Wanamakers
1910. En el centro de la
imagen observamos a las
maniquís participando el
primer desfile realizado
en una pasarela elevada.
A finales de los 50, el auge del prêt-à-porter que se vio reforzado por la
nueva generación; jóvenes hartas de la alta costura que no querían seguir
vistiendo como dictaba la moda París, indujo a cambios en los desfiles. Los
diseñadores se adaptaron a este nuevo mercado agregando una energía ju-
venil a estos eventos. Este nuevo concepto de moda cambió también la au-
diencia que se centró más en la prensa y los compradores que en las clien-
tas particulares.
En 1973, se llevó a cabo un evento, la llamada «Batalla de Versalles». Este
evento benéfico para la recaudación de fondos del Palacio de Versalles, sig-
nificó un cambio radical en la concepción de la moda del momento. Un
desfile que enfrentaría el modelo francés con el estadounidense, el Haûte
Couture con el Prêt-à-porter. Cinco diseñadores franceses y cinco estadou-
nidenses desfilarían por los salones del Palacio en una batalla no oficial.
1.6. Actuación francesa en
la Batalla de Versalles, una
actuación muy influida
por le mundo del teatro.12 la luz siempre de moda
La actuación de los franceses calificada de sobria y de más de dos horas
de duración incluía escenarios elaborados de aire decadente «todo un des-
pliegue de artesanía propia de la Alta Costura»1. Mientras tanto, los ame-
ricanos, en tan solo media hora de actuación, aportaron innovaciones que
permanecen hoy en día: la introducción de música, el uso de tejidos cómo-
dos que se adaptan al cuerpo de la mujer y ropa llena de colores vivos y es-
tampados. Así es como el prêt-à-porter se hizo con la victoria y la moda se
acercó más que nunca a la gente.
1.7. Fragmento del documental
«Versailles ‘73: American
Runway Revolution, 2012».
Los estadounidenses son
pioneros en el uso de modelos
de color para sus desfiles.
Las pasarelas como espectáculos, verdaderas síntesis creativas
A mediados de los 80, la transmisión en la televisión del prêt-à-porter am-
plió aún más el público espectador. En la década de 1990, la popularización
de los desfiles llevó a la creación de las «supermodelos». Durante las se-
manas de la moda del mundo, los desfiles comienzan a tener temas especí-
ficos, iluminación y música especial.
Debido a la recesión las grandes marcas están en peligro y los directo-
res creativos a su cargo deben buscar la forma de reconstruirlas. Aquí sur-
gen dos vertientes: una en la que los diseñadores pretenden conquistar el
mundo mediático y otro que tratan de crear una imagen de marca clara.
La primera incluye a diseñadores como John Galliano al frente de la casa
Dior y Alexander McQueen director creativo de Givenchy, además ambos
con una firma propia. Estos se salían de la norma convirtiendo sus desfiles
en grandes y extravagantes espectáculos. Esto los llevó más allá de la pren-
da, hacia algo más conceptual. Vendían una estética más que un atuendo.
1.Luis, Nuria. «Batalla de Versa-
En el lado contrario se encontraban Marc Jacobs al frente de Louis Vuit- lles, la noche legendaria que enfren-
ton y Tom Ford en Gucci, con un pensamiento más estratégico. Estaban tó a la moda francesa con la nortea-
mericana». Artículo web en la re-
creando una estrategia de negocio con un gran equipo detrás que incluía a vista Vogue, 30 de junio de 2020.
artistas, fotógrafos, sociólogos… https://www.vogue.es/moda/arti-
culos/batalla-de-versalles-historia-
moda-1973pasarelas como escenografias
1.8. Desfile Alexander
McQueen, la coleccón de
otoño/invierno 1997 estaba
inspirada en Juana de Arco.
Al final del desfile, una de
las modelos se encuentra
en un círculo de fuego
cubierta de «sangre»
1.9. Desfile Alexander
McQueen primavera/
verano 1999. Los robots
pintan el vestido de la
modelo en directo.
1.10. Desfile Dior Couture
primavera/verano 1998.
Palacio Garnier, París. En
esta época John Galliano
estaba al frente de la firma.14 la luz siempre de moda
Con los 2000 llega la era digital y en 2006 Alexander McQueen revolucio-
na las pasarelas con un holograma de Kate Moss. Posteriormente, en 2009,
se lleva a cabo el primer desfile retransmitido online de la mano de Viktor y
Rolf, ambos arquitectos. Los desfiles tienden cada vez más a la interacción
con el público, buscan generar una reacción. Un diálogo con la audiencia
que se ha visto consolidado con las redes sociales.
En los últimos años, las colaboraciones de diferentes artistas con dise-
ñadores se han visto aumentadas. Aunque estas ya eran usuales, se limita-
ban a ciertos aspectos de la marca, ahora se han ampliado hasta contextos
espaciales como los desfiles. La importancia de las instalaciones artísticas
dentro de la moda ha sido la tendencia a seguir en cuanto a pasarelas. El
desfile de moda sigue siendo un lugar de experimentación donde las pren-
das, los cuerpos y los efectos crean atmósferas diseñadas.
1.10. Holograma de Kate Moss
en el desfile de Alexander
McQueen 2006. Fue todo una
revolución, no solo por la
tecnología. Kate Moss acababa
de protagonizar un escándalo
relacionado con las dorgas.2 La luz en el centro de la escena
La luz como protovariable, aspectos generales
«Cuando está presente inunda todo lo que nos rodea de infinidad
de colores con inagotables tonalidades e inacabables matices. Toda
esta variedad, alimento de poetas, realmente no está en la luz
sino más bien en nuestra mente. Porque los colores no están «ahí
fuera», las cosas no «tienen color», los colores solamente están en
nuestro cerebro, son meras sensaciones.»2
Si hablamos de la luz como protovariable, debemos definir primero este
término. El prefijo Proto-, del griego «primero», según la RAE indica prio-
ridad, preeminencia o superioridad. La luz afecta entonces a las variables
visuales de figura, textura y color; está sobre ellas. Para entender un poco
más esta superioridad de la luz vamos a estudiar más a fondo como funcio-
na y como puede alterar las variables.
En la zona dorsal del ojo conocida como retina hay millones de células,
entre otras, bastones y conos. Los bastones nos dan información sobre la
intensidad de la luz, y los conos sobre el color. Los conos pueden ser de tres
tipos: sensibles a la luz roja, sensibles a la luz verde y sensibles a la luz azul.
El espectro visible está representado por todas las longitudes de onda que
contienen estos conos.
Cuando la luz llega a la retina esta es captada por los conos y transmi-
tida al sistema nervioso central. Este interpreta y construye el color de la
luz que acabamos de ver; dependerá de la proporción de cada tipo de cono
que se active.
En el campo de óptica podemos hablar de la mezcla aditiva y la mezcla
sustractiva. La mezcla aditiva consiste en la suma de luces y el resultado es
2. Socorro Leránoz, A. B. Y Oroz
Bretón, N. Destellos de luz. Pam-
plona: Universi-dad Pública de Na-
varra, 2017. https://elibro.net/es/lc/
elibrocom/titulos/60809
2.1. Mezcla aditiva (inq.) y
Mezcla sustractiva (dcha.)16 la luz ¡siempre de moda!
la luz blanca. Los pixeles de las pantallas funcionan con este mecanismo y
la intensidad de los colores rojo, verde y azul varía para fabricar nuevos.
Cuando la luz blanca se descompone se obtienen los colores del arcoí-
ris, que son aquellos que tiene su propia longitud de onda en el espectro
visible. El blanco y el magenta no aparecen y solo pueden conseguirse me-
diante mezcla aditiva de luces.
Para una mezcla sustractiva se mezclan pigmentos o filtros coloreados
para obtener nuevos colores. Los pigmentos no emiten luz, sustraen parte de
las radiaciones de la luz. Al mezclar todos los pigmentos aparece el negro.
2.2. Desfile Burberry,
Febrero 2018. Los modelos
desfilan a través de un arco
de lásers con los colores
del arcoíris diseñado por
United Visual Artists.
Luminosidad
La luminosidad de un objeto puede comprenderse desde un punto de vis-
ta físico o perceptivo. Tal y como nosotros la entendemos está relacionada
con la luz que incide en un objeto (iluminación) pero también con la lumi-
nosidad en el campo visual en el que se encuentra tal objeto. Por otra parte
el color del objeto percibido puede influir en la iluminación del objeto (los
colores más claros son percibidos como más iluminados).
Luz natural y artificial
La luz con la que se trabaja en arquitectura puede ser de dos tipos: natu-
ral o artificial. El haz de luz natural puede ser reconducido por una abertu-
ra, esta luz proveniente del sol es cambiante. A lo largo del día se modifica
constantemente, cambia los objetos de color, de intensidad lumínica, has-
ta nos ayuda a orientarnos y tener una percepción del tiempo.
La luz artificial, al contrario de la natural, procede de varios focos al mis-
mo tiempo lo que otorga gran libertad para jugar con este cruce de focos.
También puede cambiar los tonos y colores de los objetos.
«La luz artificial, tanto si procede de un foco puntual como si
éste es lineal o superficial, produce siempre un haz cónico que sela luz en el centro de la escena 17
expande en todas direcciones, algo que la diferencia de los haces
de luces paralelos producidos por el sol. Igual que lo señalado
anteriormente, también en este caso, con la complejidad añadida
de la posibilidad de utilizar varios haces de luz cruzándose,
produciendo una especie de perspectivas lumínicas cónicas que se
maclan con la perspectiva visual (es decir la formada por el cono
visual del ojo que mira) y con la propia del objeto o el espacio si
las líneas de fuga confluyen en un foco y este no se emplaza en el
punto de mira. Un triple maclaje, por lo tanto: la perspectiva del
objeto, la perspectiva visual y las perspectivas lumínicas que se
superponen en la imagen percibida. Cuando estas tres perspectivas
se refuerzan entre sí, es decir, cuando el punto de vista coincide
en la línea del horizonte con el punto de fuga del objeto, y además
en ese mismo lugar se sitúa el foco de luz, el resultado del efecto
arquitectónico y espacial es máximo. Es el caso, por ejemplo, de
las iglesias manieristas o barrocas, como el Redentor de Venecia
de Palladio, donde un foco de luz surge tras el altar hacia donde a
su vez confluyen las líneas de fuga de la arquitectura y el punto de
vista central cuando se entra en la iglesia desde la puerta de los pies
de la nave.»3
2.3. Interior de la Iglesia
del Redentor, Venecia. Fue
proyectada por Andrea Palladio
y construido entre 1577 y 1592.
Por lo general la luz artificial es estática y suple la ausencia de luz natu-
ral. Pero cuando esta se hace dinámica, proyectando imágenes en una pan-
talla o un panel, adquiere un papel protagonista. Todo el espacio se subordi-
na a este efecto hasta el punto de anular la arquitectura que lo envuelve.
A continuación, vamos a desarrollar el trabajo de algunos de los artistas 3. Calduch, Juan. Temas de com-
posición arquitectónica: 8. Luz,
contemporáneos que mejor entienden el uso de la luz y las técnicas que uti- sombra, color, contorno. San Vi-
cente, Alicante: Editorial Club
lizan para unos resultados que no dejan indiferentes al público. Universitario, 2014. Página 18.
https://elibro.net/es/ereader/
upm/43978?page=2518 la luz ¡siempre de moda!
la luz en el centro de la escena 19
20 la luz ¡siempre de moda!
2.4. y 2.5. Ronden Crater, obra
de James Turrell. Cambios
naturales en la obra por
efecto de la luz solar.
2.6. Cambios de iluminación
en la instalación «Aten Reign»
de James Turrell en el Museo
Guggenheim de Nueva Yorkla luz en el centro de la escena 21
James Turrel, hacia el control de la luz
James Turrel (1943) es un artista americano relacionado con el movimiento
de la luz y el espacio que comenzó en Miami en los 60. Algunos de los per-
tenecientes a este movimiento creaban esculturas y objetos que contenían
luz pero él estaba interesado en la materialidad de esta.
««No existe eso llamado luz artificial. Todas provienen del hecho
de quemar algo y utilizar la luz que emana de ahí. Lo que cambia
el tipo de iluminación depende de las características de lo que
quemas y de la temperatura. No hay nada antinatural en ello.» 2.7. James Turrel
Alguien que siente así la luz, solo puede crear arte con ella.»4
Su trabajo ha sido clasificado muchas veces de teatral porque no pro-
duce ningún objeto tangible. No tiene imagen, ni objeto y ni foco especí-
fico. Su objetivo es que la relación tan primaria que tenemos con la luz sea
la más fuerte posible.
2.8.»Breathing Light»
(2013), James Turrell.
A este tipo de obras Turrel
las llama «Ganzfelds»,
una palabra alemana que
significa la total pérdida
de la perecpción espacial.
Con su obra crea una atmósfera contemplativa y meditativa en la que se
produce un ambiente de concentración. Consigue crear algo a lo que la gen-
te debe entregarse pero por lo que recibirá algo a cambio, una experiencia.
Por eso es importante sumergirse, porque es un arte que solo se puede ex-
perimentar personalmente.
«Su trabajo no es sobre la luz, o una alabanza de la luz, es la luz; la pre-
sencia física de la luz manifestada de una forma sensorial»5. Clavin Tomp- 4. Carrero, Marisa. “James Tu-
kins, del New Yorker. rrell: Biografía, obras y exposicio-
nes”. Artículo Web en ABC Blogs,
Crea espacios físicos extraordinarios y Roden Crater es un claro ejemplo, 19 de noviembre de 2014. https://
www.alejandradeargos.com/index.
una obra de arte a gran escala construida en el interior de un volcán extinto php/es/completas/32-artistas/365-
en el desierto de Arizona. Se trata de un proyecto que comenzó en 1977 y que james-turrell-biografia-obras-y-
exposiciones
aún está en marcha. Va modelando el volcán abriendo túneles y huecos con 5. Calvin Tompinks del New Yor-
el plan de contener veinticuatro espacios de visualización y seis túneles. ker. citado por Marisa Carrero. “Ja-
mes Turrell: Biografía, obras y expo-
siciones”,22 la luz ¡siempre de moda!
Aten Reign (2013) es una de sus obras más conocidas, creada para una ex-
posición en el museo Guggenheim de Nueva York. Es la obra de museo más
grande del artista que con una estructura de aluminio y tela transforma la
rotonda de Frank Lloyd Wright. Al entrar al museo y mirar hacia arriba, una
serie de elipses concéntricas rodean la luz solar. Con diferentes gradientes
de luz coloreada, que van cambiando a lo largo del día, y saturación variante
consiguen el efecto que Turrell persigue: darle a la luz una materialidad.
Robert Wilson , la luz como construcción escenográfica
Robert Wilson (1941) nacido en Waco (Texas) estudió derecho en la Univer-
sidad de Texas y arquitectura en el Brooklyn´s Pratt Institute. A mediados
de los 60, crea su propia escuela de teatro The Byrd Hoffman School of Byrds
donde realizará sus primeras obras y escribe junto al compositor Philip Glass
la obra Einstein on the Beach (1976) una de sus obras más aclamadas.
Es un artista muy completo y considera todas las disciplinas igual de im-
portantes. Su obra es diversa y engloba diferentes disciplinas: la pintura, la
arquitectura, el teatro, la música, la danza y hasta el performance. Sus di-
bujos pinturas y esculturas and formado parte de exposiciones, conjuntas
2.9. Robert Wilson
2.10.The Tempest , Acto I,
Escena 2. Obra de William
Shakespere escenografiada
por Robert Wilson
y en solitario, por todo el mundo.
Marta Toro lo define en su artículo «Robert Wilson y el
postmodernismo» como «la máxima figura del Theater of images,
corriente escénica experimental que supuso la fertilización
entre la danza, el teatro, las artes visuales, la música y la cultura
pop del entretenimiento, con su correspondiente uso de la
imaginería visual, tecnológica, voces tratadas, performances yla luz en el centro de la escena 23
2.11. Turandot, Acto III,
Teatro Real de Madrid.
Obra de Jacques Reynaud
escenografiada por
Robert Wilson
2.12. The Sandman, obra de
Robert Wilson y Anna Calvi.
Iluminación centrada en
la cara de la interprete.
representaciones multidisciplinares, las técnicas no accidentales y
la intertextualidad.»6
Aunque la puesta en escena de Wilson se considera minimalista, utiliza
sistemas bastante complejos para la iluminación. Cada objeto, parte de un
personaje o elemento de fondo del escenario tiene su propia iluminación.
La luz se convierte en un actor de la obra.
Su proceso creativo comienza con un «libreto visual» en el que apunta
todo lo relativo a la iluminación a la ambientación de la obra. Estructura
la acción con la luz que representa con bocetos, dibujos y notas. Primero
imagina el ambiente que quiere plasmar para poco a poco añadir un efecto
más tridimensional con diferentes planos de luz.
6.Pedro Valiente, 2005. Citado
Un elemento muy característico de su obra es el ciclorama: por Toro, Marta. “Robert Wilson y el
postmodernismo”. Artículo en Dan-
«Tan característico de Wilson, que hace que el espacio a veces zaratte: Revista del Conservatorio
Superior de Danza de Málaga, Nº.
parezca infinito y otras que aporte un color a menudo saturado y 5, 2009, págs. 71-80. Pagina 74.24 la luz ¡siempre de moda!
2.13.The Sandman, obra de
Robert Wilson y Anna Calvi.
Uso de pintura blanca y
rasgos muy exágerado en el
maquillaje de los actores.
plano, aunque en otras ocasiones este se presente en degradado.
El ciclorama ofrece la posibilidad de sacar las siluetas de los
personajes o de la propia escenografía; al mismo tiempo, una
luz puntual puede bañar el rostro de uno de los intérpretes o
determinado elemento de atrezzo, llenándose así el espacio de
volumen, matices y sugerencias».7
El maquillaje de los actores sigue la estética del teatro Kakubi, en el que
las caras son muy blancas. Pudiendo así jugar fácilmente con diferentes lu-
ces incipientes sobre los rostros.
Es Devlin, la narrativa del espectáculo
Es Devlin (1971), es una escenógrafa y artista británica. Actualmente trabaja
principalmente en el mundo de la música pero ha hecho tanto teatro como 2.14. Es Devlin
moda. Ha creado escenarios para U2, Beyonce, Adele o Kanye West. En su
trabajo, está constantemente buscando nuevas formas de tratar con la luz,
es una pionera. Como dice Matthew Sweet va del twerk a Gesamtkunstwerk,
y todo lo aborda con el mismo rigor agudo.8 7. Montemayor, Alejandra. “La
luz, elemento dramatúrgico en la
obra de Robert Wilson”. Artículo
«Se la considera la diseñadora de escenarios más importante del web en Iluminet: revista de ilumi-
mundo. Ella es una arquitecta del espacio temporal, haciendo nación, 2018. https://www.ilumi-
net.com/luz-dramaturgia-robert-
imágenes que solo pueden sobrevivir en la mente de las personas wilson/
8. Sweet, Matthew. «Es Dev-
que ven sus programas. «Hago todo este trabajo y no queda nada lin Magic Circles». The Economist,
físico», me dijo. «Entonces, lo que realmente estoy diseñando 1843 Magazine.21 de Diciembre
de 2014. https://www.economist.
son estructuras mentales, en contraposición a estructuras físicas. com/1843/2014/12/21/es-devl-
Los recuerdos son sólidos y eso es lo que estoy tratando de ins-magic-circles
9. O´Hagan, Andrew. «Imaginary
construir».»9 Spaces: Es Devlin and the psychol-
ogy of the stage.» The Newyorker.
Con sus obras demuestra que el lenguaje de la ópera y de un concierto número del 28 de Marzo de 2016.
https://www.newyorker.com/maga-
de rock no tiene por qué ser diferente. Para el concierto de despedida de la zine/2016/03/28/es-devlins-stages-
for-shakespeare-and-kanyela luz en el centro de la escena 25
2.15. Conciero Kanye West,
Atlantic City 2012. Un
escenario todo en tonos
blancos y de fondo, una
gran nube. Kanye queda
iluminado con una luz roja.
2.16. Concierto de despedida
del grupo Wire, Londres 2003.
Los integrantes del grupo se
encuentrancada uno en una
caja. De ellos solo se puede
ver una pequeña porción de su
rostro que se refleja en la caja.
2.17.Concierto de despedida
del grupo Wire, Londres
2003. La iluminacón cambia
y podemos observar el
contorno de los artistas con
imágenes que se reflejan en
la cara frontal de los cubos.26 la luz ¡siempre de moda!
2.18. Representación de Macbeth, Viena 2003. Vemos el espejo
que divide, diagonalmente, el escenario en dos.
2.19. Desfile Louis Vuitton SS 2015. Los espejos de doble cara
crean el efecto de caras flotamtes en la sala.la luz en el centro de la escena 27 banda de rock Wire encierra a cada uno de los integrantes en una caja y en cada una de ellas coloca una red en la cara frontal, espejos en las caras in- teriores y una pantalla de proyección en la de detrás. Con el fin de de cons- truir la anatomía de la banda, muestra en el cubo la boca del vocalista, la nariz del batería, el ojo del guitarrista y la oreja del bajista. Para ella la escenografía toma un rumbo muy diferente a partir de 2003. En este momento, con la popularización de los teléfonos móviles y las cá- maras de vídeo, esta pasa de ser fotografiada por un fotógrafo profesional en primera fila, a ser grabada desde todas partes y por lo tanto vista desde cualquier ángulo. De joven a Es, le encantaban los espejos, los caleidoscopios y los trucos de magia. Hizo cajas de perspectiva y realizaba proyecciones con proyecto- res en el armario debajo de las escaleras. Estudió piano, violín y clarinete, de ahí su fuerte vínculo con el mundo musical. En Mcbeth fue la primera vez que utilizó espejos. Dividía el escenario por la mitad para poder ver la mitad de la mesa con y sin el fantasma mien- tras giraba. Además funcionaba como su espacio psicológico. También ha trabajado para grandes diseñadores, pero en el mundo de la moda se la conoce principalmente por sus trabajos para Louis Vuitton. En el desfile de Louis Vuitton primavera/verano 2015 utiliza un nuevo des- cubrimiento, un espejo transparente de dos sentidos. Es espejo si no tiene luz detrás, pero si pones una pantalla LED detrás y haces aparecer una cara sobre negro, entonces el espejo reflejará toda la habitación excepto el lugar en el que está la cara. Así se crea el efecto de una cara suspendida en medio de una habitación gigantesca.
28 la luz ¡siempre de moda!
3 Stefan Beckman
Visión del artista
Stefan Beckman es un escenógrafo y director creativo con estudio en Nue-
va York. Es una gran personalidad del mundo de la moda y su trabajo edito-
rial se considera de los más importantes del último siglo. Ha diseñado en-
tornos para sets de fotografía y cinematográficos, campañas de publicidad
y editoriales, exposiciones en museos y eventos de marcas durante más de
veinte años.
3.1 Stefan Beckman Estudió en la Universidad de Austin, Texas donde se especializó en teatro
y cine. Allí descubrió su pasión por diseñar y construir los decorados para
las producciones. Se mudó de Los Ángeles y trabajó para varias cadenas de
televisión lo que le permitió enfocarse en el diseño de decorados y acceso-
rias relacionándolo a su vez con la iluminación y los ángulos de la cámara.
3.2. «Indigo Gala 2018», Park Avenue Armory. Gala anual que en su 3.3. Imagen del restaurante Gaggenau, Nueva
cita de 2018 galardonaba a Marina Kellen French y Marc Jacobs. York. Set diseñado por Stefan Beckman.30 ¡siempre de moda!
Se mudó a Nueva York a principios de los noventa y además de servir me-
sas, trabajaba en TV Guide como ayudante en el departamento de proyec-
tos televisivos. Su primera portada fue Whitney Houston para la que diseñó
un set de esferas de colores a su alrededor. Después conoció a gente influ-
yente en el mundo de las revistas, como al fotógrafo Steven Meisel a quien
concediera «increíblemente inspirador, especialmente porque empuja los
límites y te obliga a traer lo mejor que puedes a la mesa»10.
3.4. Artículo editorial en la
revista Vogue en Septiembre
de 2006. Fotografia por
Steven Maisel con quien
Beckman comenzó a
trabajar durante los 90.
10. Dembinska, Natalie. «Ste-
fan Beckman: Set Piece». Artícu-
lo web en 10magazine, 12 de Junio
de 2010. https://www.10magazine.
com/news/stefan-beckman-set-pie-
ce/
3.5. Desfile de Marc Jacobs
SS2015. Stefan diseñó una
escultura enorme de una casa
en color rosa que contrastaba
con los tonos militares y
neutros de la colección.
«Siento que el final de la década de 1990 fue un buen momento
porque todo se estaba acelerando en la moda. Siempre fue un gran 11.Wang, Lisa. «Stefan Beckman,
Set Designer» Artículo web en Bu-
negocio, pero la idea de hacer un set o hacer algo visual se volvió siness of Fashion, 18 de febrero de
2015 https://www.businessoffas-
más importante. Había más presupuestos y más necesidad de hion.com/articles/fashion-week/
aquello. Había muchas revistas»11. creative-class-stefan-beckman-set-
designer/stefan beckman 31
Conocer a Marc Jacobs fue lo que le llevó a la fama. Realizaron juntos la
primera campara de Marc para Louis Vuitton y unos años más tarde, Stefan
recibió una llamada para que diseñara el desfile de primavera en 2009. Aho-
ra, más de una década después, Beckman sigue diseñando sus escenarios.
«Con las redes sociales y todos los que buscan el próximo momento
de Instagram, sus propias instalaciones, los espectáculos se han
vuelto más importantes de lo que solían ser. Siempre han sido
importantes, pero siento que la moda ahora tiene un escenario
mundial. Hay muchos más espectadores. Solía ser un grupo selecto
y ahora mi madre, mi hermana, todos lo saben»12.
En 2014, realizó un evento para Hermès sobre las mujeres, y que signifi-
ca ser una mujer. Se celebró en el edificio J.P. Morgan en Wall Street y con-
virtieron el lugar en veinte o veinticinco habitaciones diferentes. Podías ir
de una a otra, algunas tenían comida, otras bebida… era una representa-
3.6 Fiesta «All About
Women» de Hermes. Sala
dedicada a los brazaletes.
12. Wang, Lisa. «Stefan Beck-
man, Set Designer».
3.7.Fiesta «All About
Women» de Hermes. Sala
dedicada a los pañuelos.32 ¡siempre de moda!
ción de todas las diferentes facetas de Hermès. Por ejemplo, los brazaletes
de Hermès son un icono de la marca. Para la sala que les dedicó se instaló
una barra de bar que solo permitía ver los brazos de las camareras las cua-
les llevaban estos brazaletes puestos.
Para Cartier, en la celebración de «100 años en Estados Unidos», Ste-
fan diseñó una exposición en las tiendas de Nueva York y Beverly Hills que
mostraba joyas únicas, piezas de tiempo e imágenes icónicas de Cartier.
Entre las exposiciones que ha diseñado destacan la que realizó Vogue
contribuyendo a la exposición del museo Reina Sofía titulada «Joaquín So-
rolla y la gloria de la vestimenta española» y con LVMH para la exposición
Louis Vuitton Murakami en el Museo de Arte de Brooklyn.
Stefan también concibió el diseño de la exhibición de Gucci «No Lon-
ger /Not Jet» que tuvo lugar en Shanghái durante el año 2015. La exhibi-
ción fue ideada por Alessandro Michele, director creativo de la marca y Ka-
tie Grand, editora jefe de la revista Love y pretendía responder a la pregunta:
¿Qué es contemporáneo?. Reunía el trabajo de siete artistas cuyas fotogra-
fías, pinturas o esculturas, fueron mostradas en salas diferentes con origi-
nales bandas sonoras.
3.8 Exposición «No Longer/
Not Jet» Shangai, 2015. Sala
Junto con Adidas ha diseñado tiendas y eventos. Es una marca con la que cubierta por completo de un
se siente muy cómodo trabajando ya que siempre puedes ir más allá y ha- papel estampado basado en
tapices y biombos chinos del
cer cosas muy creativas. En 2018 se encargó de diseñar un espacio para alber- siglo XVIII . El suelo de espejo
gar la exhibición de Adidas en el Hypefes. Un evento de compras y festival provocaba la desorientación.
que se llevó a cabo durante dos días y que acogió a unas cincuenta marcas.
El stand basaba su atmosfera en una tintorería y los visitantes comprabanstefan beckman 33
3.9. Exterior del pabellón
de Adidas en el festival
Hypefest, 2018. La estética
imita la de una tintorería.
3.10 Interior del pabellón
de Adidas en el festival
Hypefest, 2018. Máquinas de
personalización de camisetas.
3.11 Interior del pabellón
de Adidas en el festival
Hypefest, 2018.34 ¡siempre de moda!
la ropa en las bolsas características de estos comercios. Incluía talleres para
aprender a diseñar calzado con el equipo de diseño y otros para personali-
zar zapatillas, camisetas, bolsas… que elaboraban allí mismo.
Para él lo más interesante de su oficio es el hecho de que ningún trabajo
es igual. Puede hacer encargos cada uno con un estilo diferente y ser crea-
tivo de distintos modos. Al trabajar con diseñadores y artistas tan dispares
admite que lo mejor es saber un poco de todo ya que cada uno es apasiona-
do con respecto a algo. Por ejemplo, a Karl Lagerfel le interesaba mucho la
literatura y de ahí salía gran parte de su inspiración. Por eso considera tan
importante la investigación previa a cada proyecto ya que le permite apren-
der cosas nuevas en cada uno de ellos.
«Me baso mucho en el arte, la arquitectura y el diseño en general.
Además, tengo un personal y una tripulación increíbles que me
mantienen inspirado y siempre alerta. Es difícil encontrar siempre
algo inspirador y creativo para diferentes clientes. Intento viajar
cuando puedo a lugares exóticos.
Al contrario de lo que dice la gente, Nueva York sigue siendo
inspiradora todos los días. Ves cosas todo el tiempo, incluso
caminando por la calle. Creo que mantiene fluyendo los jugos
creativos.»13
3.12 Set para el desfile
de Alexander Wang SS
2019 en una azotea de
South Street Seaport
Entre 1999 y 2006, Beckman abrió y regentó una tienda de diseño y de-
coración de interiores llamada Property. Inspirada en su pasión por la ar- 13. Dembinska, Natalie. «Stefan
Beckman: Set Piece».
quitectura de los años 70. 14.Mahtani, Michou «Stefan
En 2019, lanza Lateral Object, una línea de diseño de Stefan Beckman Beckman’s Lateral Objects Serve A
Longitude Of Summer Style» Ar-
Studio. Como el mismo explica para una entrevista14 Lateral se refiere a que tículo web en Thomas Fuch, 10 de
puede tener otros proyectos en marcha pero que este se realizará parale- agosto de 2020 https://thomasfu-
chscreative.com/blogs/news/stefan-
lamente y Object hace referencia a mantenerse abierto y no tener que res- beckmans-lateral-objectsstefan beckman 35
tringirse diseñando algo concreto. Se centra en elementos decorativos para
casas y su primera colección usa los colores vibrantes de la cultura pop de
California en los años 60 y el movimiento supergráfico de los 70. En 2020
abrió su primera tienda en Bellport, LongIsland.
3.13. Vasos de su proyecto
«Lateral Objects». Hechos
de vídrio soplado a mano y
tintados con un degradado
inspirado en las playas
de todo el mundo.
Pasarelas de Beckman
«Quiero que el decorado realce el tema de la colección. Los mejores
espectáculos crean un mundo y una narrativa personal para esa
casa o diseñador. A menudo, la gente busca un significado más
amplio de una colección y cómo encaja en nuestro mundo. Un
decorado puede ayudar a establecer esto»15 .Stefan Beckman
Bajo esta premisa trabaja el escenógrafo cuando se trata de un desfile de
moda. Su proceso creativo consiste en sentarse con el diseñador y crear un
dialogo visual. Suele preguntarles cómo se sienten (no tiene por qué ser con
respecto a la colección) y a partir de ahí comienza la idea del desfile. Pue-
de basarse en un sentimiento, un color, una película, un libro, una obra de
arte…
Cuando H&M y Alexander Wang hicieron una colaboración en 2014 ba-
sada en los deportes extremos, Beckman se encargó de la escenografía del
desfile. Hizo caminos abstractos, que imitaban los de las pistas de atletismo,
por donde pasaban los modelos. La escala de todo era enorme, en el centro
había una instalación gigante en la que, para abrir el show, había un espec-
táculo de parkour. Al final del desfile, el espacio se convirtió en una fiesta.
15. Vitali, Cristiano. «Stefan
Beckman». Artículo web en la revis- En 2020 trabajó con Nicolas Ghesquière, director creativo de Louis Vuit-
ta Domus, 2 de noviembre de 2018
https://www.domusweb.it/en/de-
ton Mujer, y diseñó la pasarela de la colección crucero. Prepararon el TWA
sign/2018/11/02/stefan-beckman- Flight Center (en el Aeropuerto JF Kennedy), inactivo desde hcae casi 20
set-design-applied-to-fashion-is-of-
ten-a-last-minute-affair.html años y recién rehabilitado. «Nicolas quería llenar el espacio con plantas y ha-
16. Mahtani, Michou «Stefan cer que pareciera que se apoderaron de todo el espacio»16, dijo Beckman.
Beckman’s Lateral Objects Serve A
Longitude Of Summer Style»36 ¡siempre de moda!
3.14 Desfile de Alexander
Wang para H&M en 2014.
La instalación central
serviía de escenario para
una actuación de parkour.
3.15 Desfile de Louis
Vuitton Resort 2020. Se
llevó a cabo en la antigua
terminal TWA, restaurada
y convertida en un hotel.
3.16 Desfile de Louis Vuitton
Resort 2020. Beckman dijo
en una entrevista «Había
enredaderas y plantas por
todas partes, y creamos un
muro de plantas en el exterior
para que se sintiera como
si fuera un solo mundo»stefan beckman 37
Pero sus más famosas colaboraciones y que han marcado su carrera como
escenógrafo de pasarelas han sido de la mano de Marc Jacobs.
«El primer desfile de Marc se realizó en menos de una semana, y
se diseñó literalmente a medida que lo estábamos construyendo.
Verdaderamente emocionante en términos de algo a gran escala,
3.17 Set del desfile de Marc que involucra iluminación y todo lo demás que entra en un desfile.
Jacobs Otoño 2014. Un Cuando las modelos salieron, temí que algunas de las piezas
espacio sencillo que centra la
atención en el techo decorado cayeran sobre la pasarela o sobre las modelos. Gracias a Dios que
con nubes de elastano. no lo hicieron. Ninguno de los modelos cayó tampoco»17.
Para la colección de Otoño/Invierno 2014 decidió hacer algo que nunca
17. Dembinska, Natalie. «Stefan
Beckman: Set Piece». había hecho, un techo. Tras una búsqueda de referencias de nubes, encon-
traron unas suaves y divertidas, como del pop art de los 70. Encargaron mu-
cho elastano e hicieron unas quinientas nubes. Probablemente era la pa-
sarela con el recorrido más largo que habían hecho hasta entonces porque
todo el mundo tenía asientos en primera fila y las modelos pasaban entre
ellos. El suelo se iluminaba como si la luz traspasase las nubes, dejando cer-
cos de luz como pasaría en un día nuboso.
Cuando para el desfile de Otoño/Invierno de 2015, Stefan mostró a Marc
un libro de Jeremay Goodmans con ilustraciones de interiores, se sintió muy
inspirado. Decidieron entonces hacer una versión exagerada del salón de Di-
3.18. Código QR con enlace nah Vreeland. Pintaron unas telas que usaron de telón de fondo de la habi-
a un vídeo sobre el montaje
de la pásarela de Marc
tación donde se llevaría a cabo el desfile. La habitación estaba bañada con
Jacobs de Otoño 2014. luz roja y el resto era todo blanco y negro.38 ¡siempre de moda!
En la primavera de 2016 y estaban buscando un lugar para el próximo
desfile. Cunado Marc oyó que se celebraría en Ziegfeld Theater, un lugar que
siempre le había encantado, se sintió muy inspirado y básicamente diseñó
la colección entorno a él. El show era como una premier de cine, el público
se sentaría en el interior del teatro. Sin embargo, las modelos comenzarían
fuera, en la calle, haciendo una gran alfombra roja y allí estarían los fotó-
grafos (lo q es raro, normalmente los fotógrafos se sitúan al final del show y
aquí estaban al inicio). En el interior, el público disfrutaba de la reproduc-
ción en directo de lo que ocurría en la alfombra roja, junto al concierto de
una orquesta y del imprescindible cubo de palomitas.
Una vez fotografiadas a la entrada, las modelos entraban en el interior
de teatro, desfilando entre los asientos. Quitaron la mitad de los asientos
y construyeron pasarelas con el mismo estampado del suel0 que eran casi
imperceptibles. Lo más complejo fue cuadrar los tiempos de un recorrido
3.19 Desfile de Marc Jacobs
Primavera 2016. Las
modelos entran al teatro
por la alfombra roja.
3.20 Interior del set del desfile
de Marc Jacobs Primavera
2016. Al fondo el escenrio
preparado para la orquesta.stefan beckman 39
tan largo (4 minutos) para que no hubiese huecos y que no dejase de pare-
cer un desfile.
El primer desfile que realizaron en el Park Avenue Armony de Nueva
York, fue el de la colección Otoño/Invierno 2017. Este es el lugar favorito de
Beckamn en Nueva York para este tipo de eventos porque permite gran li-
bertad; es un espacio abierto, sin columnas y con techos altos. El público se
sentó en una sala vacía, solamente dos filas enfrentadas de sillas llenaban el
espacio. Entre ellas las modelos desfilaron, en silencio. Fue extraño, nadie
sabía lo que estaba pasando. Al salir de edificio, las modelos estaban en el
exterior con grandes altavoces que resoban música hip hop, sentadas en si-
llas y fotografiando al público como suelen hacer ellos durante el show. En
ese momento el desfile pasó a ser una obra de teatro.
Esto es lo interesante los desfiles que Stefan Beckman diseña para Marc
Jacobs, que aunque todo parece muy simple, siempre te sorprende. Es tea-
tral, interesante y desde luego, toda una experiencia. Dos otoños después,
3.21 Espacio del desfile de
Marc Jacobs Otoño 2017.
La disposición del público
consiste en dos únicas filas
de asientos en un espacio
completamente vacío.
3.22 Exterior del desfile de
Marc Jacobs Otoño 2017.
Las modelos salen del Park
Avenue Armony y se colocan
en el exterior a la espera de
la salida de la público.40 ¡siempre de moda!
en 2019, usaron el concepto del vacío para el desfile. Todo era de espejos ne-
gros, un reducido público parecía suspendido en la nada y las modelos ca-
minaban por su propio reflejo. La aparente simpleza, al menos para el ojo,
es en realidad de una gran belleza y dramatismo.
3.23 Desfile deMarc Jacobs
2019. Las modelos que desfilan
Un año después, de nuevo en el Armony, ocurrieron dos espectáculos en por la pasarela parecen estar
uno. Levaban años queriendo hacer una coreografía pero nunca había cua- suspendidas en la nada.
drado. Si bien, la colección Otoño/Invierno 2020 era para Marc un recuer-
do del Nueva York de los años 80, y lo que le gustaba de él, su energía. Con-
trataron a la coreógrafa Karole Armitage conocida como la bailarina punk.
Realizaba bailes fuertes, angulares y agresivos y era justo lo que querían.
Decidieron hacer un cabaré, el público se sentaba en mesas con velas
como si fuesen a ver un espectáculo, los altavoces estaban alrededor. Y las
bailarinas bailaban alrededor de las modelos. Estabas viendo un desfile de
moda pero estabas presenciando un gran espectáculo de baile. Jacobs no
solo diseñó la colección sino también la ropa de los bailarines, la moda es-
taba por toda la habitación. No sabías donde mirar porque allá donde mi-
rases había alguien con un conjunto que reflejaba la historia y los senti-
mientos de Marc, que incluso lloró durante el ensayo. Era muy potente.
Stefan Beckamn es defensor de trabajar con una sola idea porque, a ve-
ces, el detalle aunque puedes ser muy útil también puede llegar a perderse.
Por ejem-plo, admite que ocurrió en la pasarela de Primavera/Verano 2014
de Marc Jacobs, en la que se recreaba una playa abandonada. Había mucho
atrezo y carteles por todos lados por lo que resultaba complejo para el pú-
blico centrarse y asimilar todo.stefan beckman 41
2.24 Desfile de Marc
Jacobs Otoño 2020. La
compañía de baile realiza su
espectáculo y una modelo
atraviesa el escenario.
2.25 Set del desfile de Marc
Jacobs Otoño 2020. Los
asientos del público son
pequeñas mesas como en el
interior de un antiguo cabare.
2.26. Decorado del desfile de
Marc JAcobs Primavera 2014.
Imita una playa abandonada.42 ¡siempre de moda!
«Tratar de crear una experiencia y hacer algo que nunca has hecho,
eso es lo que hace este trabajo genial.» Dice Stefan. «Hay una
expectativa por parte del púbico en los show y lo interesante es que
tratamos de «asustarles» pensando de forma diferente. Hacerles
sentir un poco incomodos para empujarles en cierta dirección. Sus
sentidos son completamente bombardeados.»18
Con respecto a las redes sociales, Beckman advirtió ya en 2017:
«No pienso que las pasarelas vayan a morir, pero si van a
evolucionar. Los films, vídeos y esas cosas van a ser más
importantes. Pienso que la gente va a seguir empujando en esa
dirección y que continuará evolucionando muy rápidamente.
Puede dar miedo y puedes sentir nostalgia pero hay que ser
optimista. Me está empujando a hacer cosas. Es importante, y
sobre todo si eres mayor, presionarte en ese sentido y la moda es
muy buena haciendo eso»19
Él mismo ha comentado que actualmente, con la pandemia, estamos
en un momento, que puede dar miedo por no saber qué ocurrirá, pero que
creativamente es muy importante e interesante. Mientras que la situación
sanitaria se soluciona, se han buscado modos de mostrar las colecciones
con vídeos o estrategias digitales pero estas jamás sustituirá lo que se sien-
te en un desfile.
18. Entrevista virtual «‘Guests
and Gusto’ with Stefan Beckman
and Julie Mannion» 4 de Septiem-
bre de 2020. https://www.scad.edu/
scadtv/video/guests-and-gusto-ste-
fan-beckman-and-julie-mannion
19. Anyanwu, Obi. «The impres-
sion/CFDA: Stefan Beckman». Artí-
culo web en CFDA, 17 de Febrero de
2017. https://cfda.com/news/the-
impressioncfda-stefan-beckman3 Casos de Estudio
Criterios de elección
Como hemos visto a lo largo de este trabajo, hay muchas formas de traba-
jar con la luz y todas ellas generan efectos visuales muy diferentes. Stefan
Beckman utiliza muy a menudo este recurso en sus desfiles para conformar
originales ambientes. Los desfiles que a continuación analizaremos deben
tener en cuenta las siguientes características:
En primer lugar, todos ellos deben estar escenográficamente diseñados
por Stefan Beckman, hilo conductor de este trabajo. Por otra parte, la luz
ha de tener una fuerte importancia, creando esta la mayor parte de la pues-
ta en escena. Pero deben ser ejemplos claros de diferentes formas de traba-
jar con ella. Por eso, estos son los desfiles que he escogido:
-Marc Jacobs Otoño/Invierno (o/i) 2013, en que el que la luz se muestra
como «el punto».
-Alexander Wang Primavera/Verano (p/v) 2016, la luz se observa como
una línea claramente definida.
-Marc Jacobs Primavera/Verano (p/v) 2017, en el que un conjunto de pun-
tos son los que iluminan el escenario.
Criterios de análisis
Para analizar cada caso, nos centramos primero en la identificación de ele-
mentos organizativos de la pasarela. Hemos diferenciado entre recorrido,
público y luces. El recorrido es el itinerario realizado por las modelos duran-
te la duración del espectáculo y sobre la escena. En el público analizamos la
posición que ocupa este con respecto al desfile. Por último, en el apartado
de luces clasificamos y enumeramos los sistemas de iluminación que pos-
teriormente desarrollaremos más a fondo.
A continuación, pasaremos al análisis concreto de las luces que diferen-
ciamos en iluminación y distracción. El empleo de estos términos para la
diferenciación surge de la observación de una gran cantidad de escenogra-
fías del mundo de las pasarelas de moda. Se llega a la conclusión de que en
muchas ocasiones se pretende despistar con un elemento (lo que hemos de-
nominado distracción) que parece ser el elemento que ilumina el espacio
y principal protagonista de la escenografía. En realidad, esto sirve más de
telón de fondo que otra cosa. La verdadera iluminación suele conformarse
con focos situados, normalmente, en el techo.
Analizaremos estos elementos, no solo como formas de iluminación sino
también como organizadores del tiempo. Para ello los representaremos en
líneas temporales, demostrando que la luz es el elemento director de este
tipo de escenografías.También puede leer
