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Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020
Destacados de programación – junio 2020
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Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020
Destacados de programación
Junio 2020
CONCIERTO | Concierto para violín n.º 3, de Wolfgang Amadeus Mozart –
Arabella Steinbacher, Sinfónica de Gotemburgo & Marc Albrecht – Estreno 5 de
junio – Pág. 3
Ciclo Beethoven 250.º aniversario
CONCIERTO | Sinfonía n.º 3, «Eroica», de Ludwig van Beethoven – Orquesta del
Festival de Lucerna & Claudio Abbado – Estreno 6 de junio – Pág. 5
CONCIERTO | Mariano Manzanelli: Tres piezas para piano – Estreno 7 de junio –
Pág. 7
DOCUMENTAL | Serie Joyas de la música clásica: «Tierra de esperanza y
gloria», de Edward Elgar, un documental de Axel Brüggemann & Axel
Fuhrmann – Estreno 12 de junio – Pág. 9
CONCIERTO | Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de Gustav Mahler – Orquesta de la
Gewandhaus de Leipzig & Riccardo Chailly – Estreno 13 de junio – Pág. 11
CONCIERTO | Festival de Verbier: Nicholas Angelich & Cuarteto Ébène – Obras
de Franck & Beethoven – Estreno 14 de junio – Pág. 13
DOCUMENTAL | Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich –
Estreno 19 de junio – Pág. 15
CONCIERTO | Música de cámara con la Filarmónica de Israel – Obras de Mozart,
Schulhoff & Beethoven – Estreno 20 de junio – Pág. 17
WORLD MUSIC | Lou Doillon en La Fleche d'Or de París – Estreno 21 de junio –
Pág. 19
Ciclo Beethoven 250.º aniversario
DOCUMENTAL | Una sinfonía para el mundo – La Novena de Beethoven, un
documental de Christian Berg – Estreno 26 de junio – Pág. 21
CONCIERTO | Festival Dmitri Hvorostovsky – Juan Diego Flórez en concierto –
Estreno 27 de junio – Pág. 23
ÓPERA | Almas muertas, ópera en tres actos de Rodion Shchedrin [Teatro
Mariinsky] – Estreno 28 de junio – Pág. 25
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Concierto | Concierto para violín n.º 3, de
Wolfgang Amadeus Mozart
Arabella Steinbacher, Sinfónica de Gotemburgo & Marc
Albrecht
Estreno 5 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Concierto central del ciclo de concierto mozartianos para el instrumento cuerda, que llega
en esta versión con una de las figuras mundiales del violín.
Género: concierto, música clásica, violín, orquesta.
Intérpretes: Arabella Steinbacher [violín].
Director: Marc Albrecht.
Orquesta: Filarmónica de Berlín.
Año: 2014.
Lugar: Göteborgs Konserthus.
Duración: 30 minutos.
Los conciertos para violín del compositor austríaco Wolfgang Amadeuz Mozart (1756-
1791) están considerados una de las cimas en la Historia de la literatura concertística para
el instrumento. La intérprete alemana Arabella Steinbacher se une a la Orquesta
Sinfónica de Gotemburgo –una de las principales orquestas suecas– para interpretar, bajo
la batuta del germano Marc Albercht, uno de los conciertos centrales de su serie de cinco:
el Concierto para violín n.º 3 en sol mayor, un dechado de calidad musical y dominio del
instrumento. Sin duda, Mozart era considerado como uno de los mejores pianistas de su
tiempo. Aun así, sus condiciones como violinista provocaron el mayor asombro posible a
los que le escucharon tocando el instrumento. El mismo año de su nacimiento, su padre
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Leopold acababa de publicar uno de los primeros tratados de la Historia para la pedagogía
del violín, el cual está considerado como uno de los más trascendentes: Ensayo para un
método profundo de violín. Por tanto, no ha de extrañar que el niño Mozart, dadas sus dotes
musicales y el conocimiento profundo del instrumento por parte de su padre, fuese un
gran virtuoso y apasionado intérprete del mismo. Leopold llegó a escribir lo siguiente sobre
el talento violinístico de su hijo: «Tú mismo no eres consciente de lo bien que tocas el
violín» o «si hubiese querido, habría llegado a ser el mejor violinista de Europa».
Tanto los manuscritos originales de los cinco conciertos para violín y orquesta de Mozart
(n.º 1 en si bemol mayor, KV 207; n.º 2 en re mayor, KV 211; n.º 3 en sol mayor, KV 216, n.º
4 en re mayor, KV 218; y n.º 5 en la mayor KV 219), así como los fragmentos restantes han
sido conservados, para fortuna de todos. Además, se conocen otros tres conciertos más
que fueron publicados también como creaciones de Mozart, pero cuya firma autógrafa no
figura en ellos, por lo que su autenticidad es muy cuestionable. Estos cinco conciertos
autentificados fueron compuestos en 1775, cuando el genial autor salzburgués contaba tan
solo con 19 años de edad y se encontraba ocupando la plaza de primer violín en la orquesta
de la corte del Príncipe-Arzobispo Colloredo. Por tanto, no es descabellado pensar que
pudo componer los conciertos para ser interpretados por sí mismo junto a la orquesta.
Del mismo modo, es probable que tuviera interés en albergar un buen repertorio de
conciertos, ya que tenía en mente realizar un largo viaje que le llevaría por las diferentes
cortes de Alemania y Francia, ocupando los puestos de director de orquesta, maestro
solista de violín y compositor de corte, especialmente con la mente puesta en liberarse
de las limitaciones que encontraba en su ciudad natal y al servicio de una agrupación
orquestal a la que detestaba, a causa de las exigencias impuestas por el Príncipe-Arzobispo.
Los conciertos para violín de Mozart fueron compuestos en un tiempo récord.
Comparándolos con otras formas instrumentales de su catálogo, especialmente en el género
muy cercano de los conciertos para piano, parece obvio que logró de manera
tremendamente rápida conseguir un dominio total del género con relación a su desarrollo
como compositor de inmenso talento. La influencia posterior de sus conciertos en la música
de cámara compuesta en Viena es notable, pues en ellos el violín solista aparece siempre
asociado de manera indisoluble al conjunto orquestal, formando realmente parte
integradora de este. Esta característica integradora fundamental en sus obras de cámara
es más evidente aquí que en los conciertos para piano, que se prestan a un virtuosismo
fácilmente más destacable. El Concierto n.º 3 es quizá el más popular; no tiene el
entusiasmo bullicioso del n.° 4 ni el virtuosismo eléctrico del n.°5, pero es una obra mucho
más íntima; la dulzura y simplicidad de sus melodías no fue prácticamente superada por
nada de lo que Mozart escribiera para el instrumento.
Concierto | Concierto para violín n.º 3, de Wolfgang Amadeus Mozart
Arabella Steinbacher, Sinfónica de Gotemburgo & Marc Albrecht
Estreno 5 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Wolfgang Amadeus Mozart: Concierto para violín nº 3 en sol mayor. Arabella Steinbacher &
Orquesta Sinfónica de Gotemburgo | Marc Albrecht. Göteborgs Konserthus. 2014. El concierto
central «mozartiano» de su magna literatura violinística.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00749_Wolfgang_Amadeus_Mozart_Concierto_para_violín_3_en_sol_
mayor_Steinbacher_Albrecht_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00749_Wolfgang_Amadeus_Mozart_Concierto_para_violín_3_en_sol_
mayor_Steinbacher_Albrecht_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00749_Wolfgang_Amadeus_Mozart_Concierto_para_violín_3_en_sol_
mayor_Steinbacher_Albrecht_3.jpg
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Ciclo Beethoven 250.º aniversario
Concierto | Sinfonía n.º 3, «Eroica», de Ludwig
van Beethoven
Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio
Abbado
Estreno 6 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
El legendario director italiano, al frente una de las orquestas de su vida, se enfrenta a una
de las grandes sinfonías del genial compositor de Bonn.
Género: concierto, música clásica, música romántica, orquesta.
Director: Claudio Abbado.
Orquesta: Orquesta del Festival de Lucerna.
Año: 2013.
Lugar: KKL, Lucerna.
Duración: 60 minutos.
Dentro del sinfonismo del compositor alemán Ludwig van Beethoven (1770-1827), sin
duda su Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, Op. 55, conocida con el sobrenombre de
«Eroica», es una de las más destacadas e interpretadas, convirtiéndose en uno de los
símbolos del sinfonismo universal, de una forma diferente pero igual de imponente que
algunas de las otras sinfonías del compositor alemán, como la Quinta y la Novena. El
director italiano Claudio Abbado, que fue una de las batutas más valoradas y respetadas
de los siglos XX y XXI, hasta su partida en 2014, se pone aquí al frente del que fue uno de
los proyectos a los que más ilusión y esfuerzo le dedicó en sus últimos años: la Orquesta
del Festival de Lucerna, agrupación fundada en 1938 por Arturo Toscanini. En el año
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2000, Abbado y Michael Haefliger decidieron reflotar una orquesta que en los últimos
años del siglo XX había perdido su esencia. El resultado de su magisterio puede comprobarse
en obras como esta, en las que la conexión entre las distintas secciones de la orquesta y
la calidad de los músicos a nivel individual es tan marcada. De la batuta de Abbado no se
pueden decir más que bondades; no obstante se convirtió en uno de los directores más
queridos por el público, pero también por las orquestas, a las que inculcó un sentimiento
de respeto mutuo a través del trabajo muy detallado y de cariño humano.
La Sinfonía nº. 3 en mi bemol mayor de Beethoven fue compuesta en 1804. Su estreno
público fue el 7 de abril de 1805 en Viena. Para muchos esta Tercera Sinfonía, intitulada
como «Eroica», marca de manera clara el cambio entre el Clasicismo y el Romanticismo,
mostrando una nueva manera de concebir la composición. Beethoven admiraba
profundamente los ideales de la Revolución Francesa, que se encarnaban en la figura de
Napoleón, pero al recibir informaciones de que se había autoproclamado emperador en
mayo de 1804, Beethoven no pudo soportar lo que para él suponía una ofensa y se dice
que eliminó el nombre Bonaparte del título de la obra con tal fuerza que rompió su lápiz
y dejó un agujero rasgado en el papel. Cuando la sinfonía se publicó en 1806 Beethoven
le dio como título el de Sinfonía heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un
gran hombre, en cierta manera una referencia clara a lo que Napoleón supuso antes de
desviarse verdaderamente de aquellos ideales, pero también en referencia a un héroe no
existente, al espíritu del heroísmo en sí mismo.
La obra está compuesta en cuatro movimientos de notables dimensiones, presentando
una plantilla instrumental habitual para la época, pero que en el tratamiento sinfónico de
Beethoven alcanza cotas que pocas veces se habían escuchado –excepción de las últimas
sinfonías de Mozart y algunos de los mejores ejemplos firmados por Franz Joseph Haydn–.
La obra es un hito de la composición sinfónica con relación a la confrontación y al paso
de dos de los estilos más influyentes en los siglos XVIII y XIX: el Clasicismo y el
Romanticismo. Solo su primer movimiento es casi tan largo como una sinfonía de Haydn o
Mozart. Desde el punto de vista temático cubre un terreno más emocional que sus
sinfonías anteriores, lo que para algunos supuso el comienzo del Romanticismo. El
segundo movimiento en especial muestra una gran gama emocional, desde la miseria de
marcha fúnebre hasta el consuelo relativo que se concede en algunos pasajes. La crítica del
momento remarcó ese carácter innovador y el hecho de que algo estaba cambiando,
aunque no se muestra del todo conciliadora con ello, como se puede observar en parte de
la crítica aparecida en The Allgemeine Musikalische Zeitung: «el nuevo trabajo de
Beethoven tiene grandes y atrevidas ideas, y, como podemos esperar del genio del
compositor, está poderosamente llevado a cabo. Pero la sinfonía ganaría inmensamente
si hubiese decidido acortarla e introducir en ella más claridad y unidad».
Concierto | Sinfonía n.º 3, «Eroica», de Ludwig van Beethoven
Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado
Estreno 6 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Ludwig van Beethoven: Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, «Eroica», Op. 55. Orquesta del Festival
de Lucerna & Claudio Abbado. KKL, Lucerna. 2013. La última versión en vida del legendario director
italiano de una obra cumbre del sinfonismo.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00738_Ludwig_van_Beethoven_Sinfonía_3_Eroica_Abbado_Lucerna_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00738_Ludwig_van_Beethoven_Sinfonía_3_Eroica_Abbado_Lucerna_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00738_Ludwig_van_Beethoven_Sinfonía_3_Eroica_Abbado_Lucerna_3.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00738_Ludwig_van_Beethoven_Sinfonía_3_Eroica_Abbado_Lucerna_4.jpg
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Concierto | Mariano Manzanelli
Tres piezas para piano
Estreno 7 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Una de las figuras más prometedoras del pianismo argentino ofrece este recital con un
breve recorrido por tres magníficos compositores de los siglos XVIII y XIX.
Género: concierto, música clásica, música barroca, música romántica, piano.
Intérpretes: Mariano Manzanelli.
Año: 2020.
Lugar: Teatro de Cámara de City Bell, Buenos Aires.
Duración: 21 minutos.
Quedan invitados a una velada con uno de las figuras emergentes del pianismo en
argentina, el joven Mariano Manzanelli. Rodado en el Teatro de Cámara de City Bell,
Buenos Aires, ofrece tres magníficas composiciones que transitan desde el Barroco más
puro, de Johann Sebastian Bach, hasta el Romanticismo alemán más refinado, con una
de las obras para piano más conocidas de Felix Mendelssohn, además de un magnífico
arreglo de Franz Liszt sobre uno de los más hermosos lieder compuestos por Robert
Schumann. Un viaje por dos siglos de música en un mismo instrumento.
El programa comienza con «Widmung», de Robert Schumann (1810-1856), en una
transcripción para piano de Franz Liszt (1811-1886). En 1840, el año en que Schumann se
casó con Clara Wieck, escribió una enorme cantidad de canciones, casi la mitad de su
producción total de lieder. Una de las colecciones de ese año, Myrthen Op.25, incluye
probablemente la mejor canción que compuso, «Widmung» [Dedicación]. El texto es de
Friederich Rückert, cuyas palabras el compositor claramente sintió como propias. Liszt
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hizo un arreglo para piano solo de la obra poco después, y uno más elaborado en 1848. La
obra central es la Toccata en fa sostenido menor, BWV 910, de Johann Sebastian Bach
(1685-1750), que forma parte de un grupo de seis tocatas para clave compuestas en
diversos años. La primera de la serie, la BWV 910, podría ser la última de todas ellas. Se
conforma de cinco secciones, una primera en el estilo de una fantasía, a la que sigue un
pasaje lento, para concluir con dos fugas –la primera más sencilla– separadas por una
breve sección, finalizando con otra fuga, de corte cromático y probablemente el momento
más impresionante de la obra. En esta, como en otras obras, Bach utilizó los modelos de
toccata compuestos por autores del norte de Alemania. Finaliza la velada con el Rondo
capriccioso en mi mayor, Op. 14, de Felix Mendelssohn (1809-1847), compuesto entre 1827
y 1830. La investigación más reciente muestra que se terminó en 1828, pero carecía de
la sección introductoria Andante. Dos años después, Mendelssohn revisó la pieza,
posiblemente como un regalo para Delphine von Schauroth, una pianista de Munich. El
autógrafo de esta versión, fechado el 13 de junio de 1830, incluye tanto el Andante como
el Presto. La pieza sigue siendo popular entre los pianistas, en parte porque parece más
difícil de tocar de lo que realmente es.
El pianista argentino Mariano Manzanelli nació en Ituzaingó, provincia de Buenos Aires,
en 1987. Comenzó sus estudios de piano a los nueve años. Posteriormente ingresó en la
Universidad Nacional de las Artes, donde fue alumno del maestro Manuel Massone y
obtuvo el título de Licenciado en Artes Musicales con orientación en piano. Se perfeccionó
como músico de cámara con Pierre Blanchard, en el Instituto Superior de Arte del Teatro
Colón y como pianista de orquesta en la Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín,
dirigida por Mario Benzecry. Asistió a clases magistrales con Roberto Urbay, Frederic Chiu,
Daniel Blumenthal, Luca Chiantore, Cinzia Bartoli, Adrián Kreda, Carmen Piazzini,
Daniel Rivera, Henri Sigfridsson y Sebastián Colombo, entre otros. En 2012 obtuvo la beca
Martha Argerich Presents Project para realizar estudios de perfeccionamiento en piano
y música de cámara con reconocidos maestros del ámbito musical europeo. Como cierre
de dichas actividades se presentó en el festival Progetto Martha Argerich que se realizó
en la ciudad de Lugano (Suiza). Durante el mismo año, el programa Teachers del Norte-
Pianists del sur le otorgó una beca de estudios en New York. En el año 2016 obtuvo el
primer premio en el III Concurso «Lumen Artis» de Interpretación de Música de Cámara
para Canto y Piano y en el 2.º Concurso de Intérpretes de Música Clásica «Dr. Tilo Rajneri».
Se ha presentado regularmente como solista, músico de cámara y concertista en
importantes salas de Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Paraguay, Estados Unidos, Suiza,
Noruega e Italia. Actualmente es director del Coro del Ministerio de Educación de la Nación,
trabaja junto a Guillermo Opitz para la Fundación Música de Cámara y en el Instituto
Superior de Arte del Teatro Colón.
Concierto | Mariano Manzanelli
Tres piezas para piano
Estreno 7 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
R. Schumann/F. Liszt: «Widmung», de Myrthen, Op. 25; Johann Sebastian Bach: Toccata en fa
sostenido menor, BWV 910; F. Mendelssohn: Rondo capriccioso en mi mayor, Op. 14. Teatro de
Cámara de City Bell, Buenos Aires. 2020.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00776_Mariano_Manzanelli_Tres_piezas_para_piano_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00776_Mariano_Manzanelli_Tres_piezas_para_piano_2.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00776_Mariano_Manzanelli_Tres_piezas_para_piano_3.jpg
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Documental | Serie Joyas de la música clásica:
«Tierra de esperanza y gloria», de Edward
Elgar
Un documental de Axel Brüggemann & Axel Fuhrmann
Estreno 12 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Una oportunidad única de conocer la historia que se esconde tras una de las obras más
célebres del Reino Unido y la pieza que ha consagrado a su autor.
Género: documental, música clásica, música postromántica, música nacionalista,
orquesta.
Director: Axel Brüggemann & Axel Fuhrmann.
Año: 2017.
Duración: 54 minutos.
Bajo el título de «Tierra de esperanza y gloria» [Land of Hope and Glory] se esconde el
himno más famoso del Reino Unido y la obra más más conocida del compositor británico
Edward Elgar (1857-1934). Sea en una sala de conciertos o en un estadio de fútbol, todo el
mundo reconoce la melodía en los primeros compases. Con él, la nación se festeja a sí
misma; pero también fue un himno de guerra. Cuando su compositor vio hasta qué punto
el sufrimiento y la muerte acompañaban a su obra más popular, se dice eligió un retiro
contemplativo en la Naturaleza y dejó de componer. Sin embargo, esa obra ha dejado en
segundo plano el resto de la producción de Elgar. Esta es la historia narrada en este
documental de Axel Brüggemann y Axel Fuhrmann, con el que conocer los entresijos de
una obra tan conocida como escuchada, pero de la cual pocos conocen su intrahistoria.
¿Cinco marchas de Pompa y circunstancia o seis? Cuando Edward Elgar vendió sus dos
primeras marchas a la editorial Boosey, le encargaron que escribiera un conjunto de seis
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marchas, no cinco, una tarea quedó inacabada a su muerte, con la publicación de cinco
de ellas como su Op. 39. Sin embargo, se sabía que existían bocetos, los cuales John Norris
y Chris Bennett rastrearon en busca de la sexta marcha. Las primeras cinco marchas de
Pompas y circunstancia de Elgar forman un conjunto maravillosamente diverso de piezas,
pero el nombre y la estructura compartida de secciones alternadas de scherzo y trío
identifican estas cinco marchas como una sola obra. Su publicación data de diferentes
épocas en la carrera del compositor, que van desde 1901 hasta 1930. Elgar no produjo
ningún trabajo completamente original después de la muerte de Alice en 1920, y la quinta
marcha se basa en ideas que Elgar había anotado muchos años antes, haciendo que las
cinco marchas fueran mucho más contemporáneas en su concepción. A Elgar le
preocupaba tratar la marcha rápida en un estilo sinfónico, de la misma manera que el
minueto, el vals o la polca habían sido utilizados por compositores anteriores en otros países.
John Hawkins, en su Historia de la música redactada en el siglo XVIII, escribía: «Parece que
la antigua marcha inglesa fue anteriormente muy estimada, tanto en el extranjero como en
nuestra tierra; sus características son la dignidad y la gravedad». Ciertamente, nadie supo
mejor que Elgar cómo retener la dignidad esencial de la marcha: el suyo es un magnífico
conjunto lleno de orquestaciones magistrales del que estaba justamente orgulloso.
Estas amplias melodías eran tan populares como elegantes, y la marcha fue una forma
ideal para la opulenta arrogancia de la Inglaterra de principios del siglo XX. Elgar captó
la esencia de ese militarismo confiado. Además, no tenía necesidad de disculparse por
reflejar tan exactamente el estado de ánimo de la primera década del siglo.
Anteriormente, refiriéndose a su Marcha Imperial declaró: «Me gusta mirar la vocación del
compositor como lo hacían los viejos trovadores o bardos. En aquellos días no era una
vergüenza que un hombre se excitara para ponerse delante de un ejército e inspirara a
la gente con una canción. Por mi parte, sé que hay muchas personas a las que les gusta
celebrar eventos con música. A estas personas les he dado melodías. ¿Es eso inadecuado?»
La Marcha n.º 1 en re mayor es sin duda la que se ha llevado toda la fama, hasta el punto
de que toda la colección es conocida por esta marcha. Fue bosquejada el 3 de junio de
1901 y se completó en julio. Su melodía central proviene de antes de estas fechas, ya
que Dora Penny relató cómo visitó Craeg Lea, la casa de Elgar en Gran Malvern, en mayo
de 1901, y Elgar le contó sobre su «maldita melodía popular»: «Tengo una melodía que los
golpeará, los golpeará». Envió los números 1 y 2 a Boosey's en agosto y el primero fue
estrenado el 19 de octubre de 1901 en Liverpool, por la Sociedad de Orquesta de
Liverpool y su director A.E. Rodewald, a quienes estaba dedicada. Su éxito desde
entonces ha sido arrollador, siendo considerado como un himno británico no oficial.
Documental | Serie Joyas de la música clásica: «Tierra de esperanza y
gloria», de Edward Elgar
Un documental de Axel Brüggemann & Axel Fuhrmann
Estreno 12 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Serie Joyas de la música clásica: «Tierra de esperanza y gloria», de Edward Elgar. Axel Brüggemann
& Axel Fuhrmann [dirección]. ¿Qué secretos esconde el considerado como himno no oficial de Gran
Bretaña? Aquí serán desvelados. 2017.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00733_Serie_Joyas_de_la_música_clásica_Tierra_de_esperanza_y_gl
oria_de_Edward_Elgar_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00733_Serie_Joyas_de_la_música_clásica_Tierra_de_esperanza_y_gl
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www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00733_Serie_Joyas_de_la_música_clásica_Tierra_de_esperanza_y_gl
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Concierto | Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de
Gustav Mahler
Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig & Riccardo
Chailly
Estreno 13 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Excepcional versión de una de las sinfonías más monumentales del austríaco, que llega en
manos de uno de sus máximos especialistas junto a un brillante elenco.
Género: concierto, música clásica, música postromántica, sinfónico-coral, voz.
Intérpretes: Christiane Oelze [soprano], Sarah Connolly [mezzosoprano], Coro de la
Radio MDR, Coro de la Radio de Berlín & Coro de la Gewandhaus de Leipzig.
Director: Riccardo Chailly.
Orquesta: Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig.
Año: 2011.
Lugar: Gewandhaus, Leipzig.
Duración: 94 minutos.
Una Sinfonía n.° 2, de Gustav Mahler (1860-1911), llega exaltante con Riccardo Chailly
al frente de la Gewandhausorchester Leipzig, de la que entonces era su director titular.
Grabado en mayo de 2011 en la suntuosa sala de la Gewandhaus de Leipzig, durante el
Festival Internacional de Mahler de la ciudad que conmemoraba el centenario de la muerte
del compositor, este concierto hace gala de una potencia orquestal fuera de lo común, así
como un dominio perfecto del enorme conjunto coral. El amor de Chailly por Mahler,
cuyas sinfonías ha dirigido en múltiples ocasiones, le infunden sin cesar una energía
desbordante y un poder de comunicación casi transcendental con los músicos, en
perfecta consonancia con el tema de esta sinfonía «Resurrección». De hecho, esta sinfonía
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era una de las obras más apreciadas por el añorado Claudio Abbado, del que Chailly fue
asistente en la Scala. Se une a dos solistas vocales de primer nivel, la soprano alemana
Christiane Oelze y la mezzosoprano británica Sarah Connolly, además de a tres conjuntos
vocales de excepción: Coros de las Radio MDR y Berlín y Coro de la Gewandhaus de Leipzig.
Para Gustav Mahler la composición de una sinfonía podía asemejarse a un acto de
creación del universo. En estas sinfonías se muestra todo su mundo interior y psicológico.
Hay en ellas influencias evidentes de los grandes sinfonistas del XIX, empezando por
Beethoven y pasando Brahms o Bruckner, con elementos hasta del propio Wagner. De esta
manera, al igual que algunos de estos autores, Mahler utilizó elementos y recursos
orquestales que anticipaban ya el siglo XX, en una permanente búsqueda de la tímbrica
particular de cada instrumento y sección, incluso introduciendo el uso de instrumentos
poco convencionales. El elemento coral no es ajeno en su producción. Una de sus
características más acusadas es la orquestación concebida como un recurso para conseguir
la mayor inteligibilidad de las líneas. La lucha titánica entre su optimismo y zozobra vital
está expresada de la forma más compleja y expresiva de cuantas se recuerdan durante el
siglo XIX. Su monumentalidad convierte, no solo a cada obra por separado sino a su corpus
sinfónico al completo, en la más brillante grandiosidad y elocuencia introspectiva de la
que el ser humano es capaz.
Su Sinfonía n.º 2 en do menor, conocida como Auferstehung [Resurrección], por utilizar
una musicalización de la oda homónima de Friedrich Gottlieb Klopstock, se puede
etiquetar dentro de la estética del postromanticismo, que destaca por su poderosa y
grandilocuente orquestación, así como por desarrollos inmensos, a veces casi
inabarcables. El punto de mayor importancia es que esta sinfonía sirve para elaborar aún
más aspectos que aparecían casi de forma embrionaria en su Sinfonía «Titán», por lo que
algunos la consideran como la primera sinfonía real e íntegramente «mahleriana».
Comenzada a componer en 1888, la sinfonía nació como Totenfeier [Ritos fúnebres], un
poema sinfónico en un movimiento basado en el drama poético Dziady, del poeta polaco
Adam Mickiewicz, que Mahler terminó en 1888. Cuando ya comenzaba a adquirir prestigio
como director de orquesta, presentó su obra al Hans von Bülow, que tuvo una reacción
sumamente desfavorable y la consideró antimusical. Profundamente desanimado, no
obstante no abandonó su obra y posteriormente regresó al movimiento, agregando tres
más a fin de 1893 para concluir la sinfonía hoy conocida como segunda. Dejó la obra por
un tiempo, sintiendo que necesitaba un final. Este llegó en 1894, Hans von Bülow murió,
y en el funeral Mahler oyó una musicalización de la oda Aufersteh'n, lo que supuso una
revelación, y decidió terminarla con su propia versión de dicho poema.
Concierto | Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de Gustav Mahler
Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig & Riccardo
Chailly
Estreno 13 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Gustav Mahler: Sinfonía n.º 2 en do menor, «Resurrección». Christiane Oelze, Sarah Connolly; Coros
de Radio MDR, Radio de Berlín & Gewandhaus de Leipzig; Orquesta Gewandhaus de Leipzig |
Riccardo Chailly. Gewandhaus, Leipzig. 2011.
Enlaces de imágenes:
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Concierto | Festival de Verbier: Nicholas
Angelich & Cuarteto Ébène
Obras de Franck & Beethoven
Estreno 14 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
La unión de un extraordinario cuarteto y un pianista de primer orden, para interpretar un
programa doble con dos brillantes ejemplos de la música de cámara.
Género: concierto, música clásica, música romántica, música de cámara, piano.
Intérpretes: Nicholas Angelich [piano], Cuarteto Ébène [Pierre Colombet, Gabriel Le
Megadure, violines; Marie Chilemme, viola; Raphaël Merlin, violonchelo].
Año: 2010.
Lugar: Festival de Verbier.
Duración: 87 minutos.
El pianista estadounidense Nicholas Angelich tiene la talla de un maestro: su
conocimiento del repertorio, su sentido del fraseo y la poesía de su interpretación son
ejemplos para todos los músicos que tocan junto a él y los que han aprendido de su
magisterio a lo largo de los años. En este magnífico recital desde el célebre Festival de
Verbier, en su edición de 2010, se unió al joven, pero ya muy valorado, Cuarteto Ébène
para interpretar un magnífico programa en el que el significado del concepto música de
cámara cobra todo su sentido. El cuarteto francés y el pianista suman fuerzas en la primera
obra del programa, firmada por el compositor francés César Franck, en la que Angelich
parece imponer su pensamiento formal en una obra cíclica construida como una vasta
catedral gótica. Entre la claridad francesa y la atmósfera «wagneriana», este quinteto
alcanza cotas de increíble vigorosidad en las cuerdas del Ébène. Si bien es cierto que este
www.allegrohd.com 13Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020
joven cuarteto de cuerda francés ha destacado por su inclinación hacia el eclecticismo y
la mezcla de géneros, nunca ha abandonado el gran repertorio para cuarteto de cuerda,
prestando especial atención a los magníficos ejemplos creados por Beethoven. El cuarteto
de Beethoven interpretado en la segunda parte del concierto sirve para consolidar de
manera poderosa la reputación de estos músicos como unos de los más prometedores de
su generación.
Se inicia el concierto con el Quinteto para cuerda y piano en fa menor, de César Franck
(1822-1890), una de las obras maestras del compositor francés, que marcó su regreso a la
música de cámara tras 35 años alejado de ella. La obra estaba dedicada a Camille Saint-
Saëns, quien, aunque interpretó el piano en el estreno, desaprobó el lenguaje del
compositor con tanta fuerza que rechazó la dedicatoria. La fundación de la Société
Nationale de Musique en 1871, bajo el lema Ars Gallica, proporcionó una plataforma para
promocionar las obras de los compositores franceses más jóvenes; y no solo los más
jóvenes: fue quizá la posibilidad de actuar en un ambiente respetable lo que, entre otras
cosas, alentó a Franck en 1879 a romper sus casi cuarenta años de silencio en el frente de
la música de cámara. Sin embargo, no solo fue su colega Saint–Saëns quien rechazó la
obra, también la mujer de Franck lo hizo. Hubo rumores que sugerían que se había inspirado
en un romance con la compositora Augusta Holmès, su alumna, y que el quinteto era un
reflejo de ello. Su estructura cíclica fuertemente marcada y su intensidad realmente
apasionada hacen de ella una obra muy interesante.
Sin duda, el género del cuarteto de cuerda encontró en Ludwig van Beethoven (1770-
1827) un fiel seguidor y a uno de los compositores que ejemplos más brillantes ha legado
a la Historia. Los cuartetos de cuerda de Beethoven constituyen uno de los núcleos
esenciales para el conocimiento de la obra de su creador, pero son también uno de los
más sólidos eslabones de la forma más prestigiosa de la música de cámara. Claude
Rostand describió con acierto su acercamiento al género: «Beethoven ha abordado los
cuartetos en tres momentos diferentes, podríamos decir que a lo largo de tres crisis,
mientras que las olas de otras aguas de su producción –sonatas o sinfonías– se mecían con
regularidad según un ritmo continuo. Parecería que en cada etapa de esta evolución
Beethoven experimenta la necesidad de recogerse, de enfrentarse a sí mismo para hacer
balance, y para ello escogió el cuarteto». Beethoven compuso tres cuartetos en 1806
dedicados al noble ruso conde Razumovsky. El primero de ellos es considerado como el
más importante, así como una de las mejores obras de cámara del compositor. Fue,
probablemente, una de las composiciones que anunció su segundo período; la Sinfonía
Eroica, que viene un poco antes, generalmente se ve como el punto de partida. Que los tres
cuartetos fueran compuestos en un período de seis meses a partir de abril de 1806
muestra la velocidad y el dominio que Beethoven poseía en la composición y este género…
Concierto | Festival de Verbier: Nicholas Angelich & Cuarteto Ébène
Obras de Franck & Beethoven
Estreno 14 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
César Franck: Quinteto para cuerda y piano en fa menor; Ludwig van Beethoven: Cuarteto de
cuerda n.º 7 en fa mayor, Op. 59, n.º 1, «Razumovsky». Nicholas Angelich & Cuarteto Ébène.
Festival de Verbier. 2010.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00784_Verbier_Festival_Nicholas_Angelich_Quatuor_Ébène_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00784_Verbier_Festival_Nicholas_Angelich_Quatuor_Ébène_2.jpg
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www.allegrohd.com 14Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020
Documental | Aproximaciones a la música
clásica con Martin Wullich
Estreno 19 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Entrevistas a personalidades del mundo de la música clásica en Argentina, buscando
conocer qué hay detrás de los profesionales, desde el magnífico Teatro Colón.
Género: documental, música clásica, piano, violín, voz.
Intérpretes: Martin Wullich [conducción]; Fernanda Morello, César Bustamante, Pablo
Saraví, Daniela Tabernig [entrevistados]; Pablo José Rey, Magdalena Siedlecki
[realización].
Año: 2020.
Lugar: Salón Dorado, Teatro Colón, Buenos Aires.
Duración: 60 minutos.
¿Cómo nace una vocación? ¿Cuáles son los caminos posibles? En una charla amena, Martin
Wullich nos acerca a las historias y a los recorridos vitales y profesionales de la música
clásica argentina, con el imponente Salón Dorado del Teatro Colón de Buenos Aires como
escenario. Así es Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich, una serie de
entrevistas que se desarrollan en un tono cercano e intimista para conocer qué hay detrás
de aquellos intérpretes invitados a participar. Un proyecto producido por Asociación Civil
Rumbo Sur, con el apoyo de Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.
Este espacio está conducido por Martin Wullich, locutor y periodista profesional. Ha
escrito en los diarios La Nación y El Cronista, y dirige su portal martinwullich.com. Se
dedica al periodismo de cultura y espectáculos, donde la crítica teatral y la música
clásica ocupan un lugar preponderante. Fue la voz de FM Horizonte, después de Radio
www.allegrohd.com 15Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020
Amadeus y FM Arpeggio. Entre otras presentaciones, realizó la conducción de lanzamiento
de la 125ª. Sesión del Comité Olímpico Internacional, en inglés y francés, en el Teatro
Colón, con transmisión directa a todo el mundo. Realizó la más multitudinaria
presentación de su carrera profesional ante 200.000 personas, en el concierto A cielo
abierto, para Amadeus 103.7. Ha presentado a celebridades como el director y pianista
Daniel Barenboim o al compositor y director Lalo Schifrin, en su concierto de regreso a
Argentina en el Luna Park, para el ciclo Grandes Maestros. Condujo la transmisión de
reapertura del Teatro Colón en 2010 a través de C5N y la gala del Concurso Internacional
de Canto Lírico en el Teatro Colón en 2012. Es el conductor oficial de Iguazú en concierto,
el festival de orquestas infantiles y juveniles más grande del mundo. Actualmente es la voz
oficial de Radio Nacional Clásica, en Argentina.
Los invitados a estas sesiones son cuatro, comenzando por la pianista Fernanda Morello,
cuyo perfil muy personal, así como su bello sonido, marcan su estilo y un repertorio
especial. Egresada del Conservatorio Municipal Manuel de Falla, se ha presentado en las
más prestigiosas salas de concierto de Argentina y es invitada habitual de ciclos y
conciertos del Teatro Colón de Buenos Aires, el CCK, la Usina del Arte y el Mozarteum de
Buenos Aires, entre otros. Asimismo, ha actuado en Montevideo, Nueva York, Madrid,
Melbourne, Uruguay, Chile y Brasil. César Bustamante es pianista, director y arreglista
de diversos géneros musicales, además de licenciado en dirección coral y profesor
superior en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Desde
2010 hasta la actualidad dirige el Coro de Niños del Teatro Colón. Recientemente dirigió
las producciones líricas para el ciclo Vamos al Colón, presentando estrenos argentinos de
óperas de Montsalvatge, Henze y Rossini. Es Coordinador General de Estudios Musicales
del Teatro Colón. Por su parte, Pablo Saraví, discípulo de Miguel Puebla, Szymsia Bajour,
Alberto Lysy y Yehudi Menuhin, ha ganado el primer premio en todos los concursos
argentinos de su especialidad, incluyendo el Concurso Argentino de Música y el Premio
OEA-CIDEM. En su estancia en Suiza, Menuhin lo nombró profesor asistente en su Academia
Internacional. Junto a Lysy y Menuhin tocó en numerosos conciertos como solista en
Europa. Es primer violín y miembro fundador de la World Orchestra for Peace y
concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y de la Academia Bach. La
cantante Daniela Tabernig inició sus estudios musicales en el Instituto Constancio
Carminio y obtuvo el título de profesora de música. Después ingresó en el Instituto Superior
de Arte del Teatro Colón, donde completó sus estudios en la carrera de canto. Ganó los
primeros premios en los certámenes de Mozarteum y María Callas. Ha interpretado roles
de grandes óperas [Bizet, Mozart, Leoncavallo, Puccini, Gounod…] en los escenarios más
importantes de Argentina.
Documental | Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich
Estreno 19 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich. Entrevistas a Fernanda Morello, César
Bustamante, Pablo Saraví & Daniela Tabernig. Realización de Pablo José Rey & Magdalena
Siedlecki. Salón Dorado, Teatro Colón, Buenos Aires. 2020.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00777_Aproximaciones_a_la_música_clásica_con_Martin_Wullich_1.j
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www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00777_Aproximaciones_a_la_música_clásica_con_Martin_Wullich_2.j
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www.allegrohd.com 16Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020
Concierto | Música de cámara con la
Filarmónica de Israel
Obras de Mozart, Schulhoff & Beethoven
Estreno 20 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Magnífico concierto para descubrir algunas de las obras para formación de viento poco
conocidas de dos de los grandes de la Historia.
Género: concierto, música clásica, música romántica, música de cámara.
Intérpretes: Solistas de la Filarmónica de Israel: Dudu Carmel [oboe], Ron Selka
[clarinete], Daniel Mazaki [fagot], Michael Mossek [trompa], Bishara Haroni [piano].
Año: 2019.
Lugar: Auditorio Charles Bronfman, Tel-Aviv.
Duración: 72 minutos.
La Historia de la música está plagada de grandes obras que, a pesar de la calidad de
quienes la crearon y de su belleza, han quedado fuera del repertorio habitual sobre los
escenarios, a veces de forma incomprensible. Este concierto ofrecido por solistas de la
Orquesta Filarmónica de Israel es un alegato a esas obras «menores» e incluso a esos
autores hoy día considerados casi residuales. Dudu Carmel [oboe], Ron Selka [clarinete],
Daniel Mazaki [fagot], Michael Mossek [trompa] y Bishara Haroni [piano] se suben al
escenario del Charles Bronfman Auditorium de Tel-Aviv para interpretar un programa de
concierto tan peculiar como sorprendente, que maravillará a aquellos que lo escuchan y
sepan extraer las esencias de los tarros más pequeños. Una oportunidad única de conocer
a un Mozart menos habitual, a un Beethoven sorprendente, pero igualmente genial, o
quizá de escuchar por primera la obra de Erwin Schulhoff, un compositor checo de gran
talento pero hoy día muy poco conocido, que incluso llegó a formarse con compositores
de la talla de Claude Debussy y Max Reger.
www.allegrohd.com 17Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020
Se inicia la velada con el Quinteto para piano y cuarteto de viento en mi bemol mayor,
KV 452, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), cuya formación de viento está
conformada por oboe, clarinete, trompa y fagot. Para el propio compositor este quinteto
era «lo mejor que he hecho en mi vida», como comentó de forma inmediata a la
terminación de la obra. Expresa con él una gran seguridad del compositor en cuanto al
rigor de la composición. La intervención de los cinco instrumentos, los intercambios
dialogantes del piano con los vientos o los de estos últimos entre ellos están tratados
como partes de un todo coherente. El año de su creación [1784] es uno de los pocos que
puede calificarse de serenos en la vida de Mozart, y esa tranquilidad de espíritu –social,
familiar y económica– se refleja en una música de cámara de enorme pureza, en la que
cabe distinguir el peso expresivo, a veces patético, del Mozart de siempre en los tiempos
lentos, así como el optimismo en el brillante Allegretto que cierra la obra. La sigue una
obra del poco conocido Erwin Schulhoff (1894-1942), su Divertissement para oboe,
clarinete y fagot. Este compositor checo y judío fue internado por los nazis en Wülzburg.
No solo por su trágico final, la vida del compositor de Praga parece un espejo de la Historia
contemporánea. Modernista convencido, vivió todas las tendencias de la época: el
dadaísmo y la Escuela de Viena, el jazz y el folklorismo moderno, y finalmente la música
del movimiento obrero y el comunismo ideológico. Creó su música de cámara más
importante en la década de 1920. El Divertissement para oboe, clarinete y fagot,
completado a finales de marzo de 1927 y estrenado en París en abril, es una obra típica
de los «felices años veinte», pues entre sus siete movimientos hay un charleston y muchos
momentos que dan testimonio del espíritu y los anhelos de la época.
El Quinteto en para piano y cuarteto de viento en mi bemol mayor, Op. 16, para oboe,
clarinete, trompa y fagot, de Ludwig van Beethoven (1170-1827), coincide en forma y
tonalidad con el de Mozart. Iniciado en 1794, fue probablemente completado durante su
triunfante visita a Berlín en el verano de 1796 y se estrenó en un concierto en el
restaurante de Ignaz Jahn en Viena, el 6 de abril de 1797. Para maximizar las ventas,
Beethoven lo arregló rápidamente, con un mínimo de reelaboración, como un cuarteto de
cuerda con piano, cuya parte del teclado no fue alterada, aunque las cuerdas a veces
aparecen en partes donde el viento estaba en silencio. Ambas versiones se publicaron
juntas como Op. 16 en 1801. Si bien esta música genial y urbana tiene una deuda con
Mozart en general, su Quinteto para piano y viento en particular presenta una voz y
recursos muy propios del alemán, los cuales se irán viendo poco a poco de forma más
madura en las obras concertísticas, hasta desembocar en su esencia sinfónica, que revela
al admirable orquestador y compositor que fue.
Concierto | Música de cámara con la Filarmónica de Israel
Obras de Mozart, Schulhoff & Beethoven
Estreno 20 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
W.A. Mozart: Quinteto para piano y cuarteto de viento, KV 452; E. Schulhoff: Divertissement; L.V.
Beethoven: Quinteto para piano y cuarteto de viento, Op. 16. Solistas de Filarmónica de Israel.
Auditorio Charles Bronfman, Tel-Aviv. 2019.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00782_Chamber_Music_with_the_Israel_Philharmonic_Orchestra_Mo
zart_Schulhoff_Beethoven_1.jpg
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World Music | Lou Doillon en La Fleche d'Or de
París
Estreno 21 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Concierto con lo mejor del pop-rock francés, en la voz de una de las figuras más
importantes de la escena actual francesa, acompañada de grandes artistas.
Género: concierto, música popular, músicas del mundo, pop-rock, folk.
Intérpretes: Lou Doillon [voz], François Poggio [guitarra], Franck M’Bouéké [batería],
Pierre Levandon [bajo eléctrico], Nicolas Subréchicot [teclados], Charles Barberian
[diseñador y dibujante], Keren Ann [voz], Camille Borsarello [violín], Thibault Mortegonte
[trombón].
Año: 2016.
Lugar: La Fleche d’Or.
Duración: 60 minutos.
En este concierto desde una de las salas más importantes de la capital parisina, La
Fleche d’Or, la cantante francesa Lou Doillon se sube al escenario para interpretar
algunos de sus temas más conocidos, acompañada de su banda y de una de invitados de
excepción. La acompañan: François Poggio [guitarra], Franck M’Bouéké [batería], Pierre
Levandon [bajo eléctrico], Nicolas Subréchicot [teclados], Charles Barberian [diseñador y
dibujante], Keren Ann [voz], Camille Borsarello [violín] y Thibault Mortegonte [trombón].
Los temas que interpretan son los siguientes, todos ellos compuestos por la propia Doillon,
salvo un par de excepciones: «Above my Head», «Let me go», «Good Man», «Same old
Game», «Worth Saying», «Lay Low», «Should I stay or should I go» [The Clash], «So still»,
«Hushaby», «Famous blue raincoat» [Leonard Cohen], «Questions and answers», Ticket
line», Left behind» y «Real Smart».
www.allegrohd.com 19Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020
Lou Doillon (1982) es una de esas mujeres multidisciplinares, a la que gusta tocar
diversos palos: música, cine, moda, arte… Esta cantante y compositora, además de actriz,
modelo y dibujante francesa es una de las mujeres que con mayor fuerza ha irrumpido en
el escenario musical galo en los últimos años, tras dedicarse varios años a su cerrara sobre
las pasarelas y en las pantallas. Hija de la célebre cantante Jane Birkin y del director de
cine Jacques Doillon, su amor por la música fue engendrado por su padre: «Cuando mis
padres se separaron, descubrí con Jacques su gusto por la ecléctica y una extraña forma de
radicalidad en la música. Él decía: 'siéntate, cállate y escucha la música' mientras reproducía
discos de Chet Baker, Billie Holiday, Siouxsie and the Banshees, Patti Smith y Nick Drake».
A menudo cita a Bob Dylan, Leonard Cohen, Lhasa, Belly Lead, Fiona Apple, Cat Power,
Nina Simone, Tim Buckley y Bobby Gentry como algunas de sus principales influencias.
Doillon realizó diversas grabaciones con músicos en Nueva York y París durante la década
del 2000, antes de decidir que quería iniciar una carrera en solitario en el año 2010. Su
voz ha sido descrita como «un poco, y partes iguales, de Marianne Faithfull, Nina Simone,
Antony Hegarty y Joanna Newsom», centrándose principalmente en un género que se ha
descrito como «folk embrujado». Ella misma compone y escribe sus canciones, tanto a
la guitarra como al piano. A pesar de llevar una década en la música en solitario, su
actividad discográfica ha sido relativamente pausada, pues tan solo han sido tres los
registros grabados hasta la fecha. En 2012 firmó su primer contrato de grabación para tres
álbumes con Barclay (Universal Music France). Su primer álbum, Places, fue grabado en
Francia durante un período de 15 días en el Studio La Seine, con los músicos franceses
François Poggio, Marcello Guliani, Alexis Anérilles y Philippe Entressangle. La fotografía
para la portada fue realizada por el dúo de fotógrafos Inez & Vinoodh. Gracias a esta
primera grabación, Doillon apareció en la portada de las influyentes revistas Magic,
Télérama y Les Inrockuptibles.
En enero de 2015 comenzó a grabar y coproducir, junto con el líder de Timber Timbre,
Taylor Kirk, su segundo álbum: Lay Low. Grabado en el mítico estudio de Montreal
Hotel2Tango, durante un período de un mes, con otros miembros de la banda de Timber
Timbre. Completó la grabación entre Studio la Seine en París y RAK Studios en Londres.
El álbum salió el 9 de octubre, precedido por el primer sencillo «Where to Start», que
apareció en la banda sonora de la película Demolition, de Jean-Marc Vallée. Doillon fue
nominado al mejor álbum de rock del año en Les Victoires de la musique. Su más reciente
grabación, Soliloqyy [2019], cuenta con la colaboración y coproducción de Dan Levy, Cat
Power, Benjamin Leabeau y de Nicolas Subréchicot. Un total de doce temas, envueltos en
una atmósfera atemporal, en los que Lou no abandona su melancolía, pero, sin embargo,
en su conjunto resulta una grabación más luminosa y brillante que sus dos trabajos
anteriores.
World Music | Lou Doillon en La Fleche d'Or de París
Estreno 21 de junio
21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis:
Temas de Lou Doillon, The Clash & Leonard Cohen. F. Poggio, F. M’Bouéké, P. Levandon, N.
Subrechicot, C. Berberian, K. Ann, C. Borsarello, T. Mortegonte. La Fleche d’Or. 2016.
Enlaces de imágenes:
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