BAILA ESPAÑA FESTIVAL - 10.ª EDICIÓN - Instituto Cervantes
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30.º Aniversario del Instituto Cervantes
10.ª EDICIÓN
FESTIVAL
BAILA ESPAÑA
Del 25 de octubre al 14 de noviembre de 2021BAILA ESPAÑA | 9-13 nov.
Espectáculos presenciales en el Teatro Schwankhalle, Bremen (Alemania)
Oscillation, Dance Teatro Heidelberg (dir. Iván Pérez) | 9 nov.
Signos, Antonio Ruz e Isabel Villanueva | 10 nov.
Igra, Kor’sia | 12 nov.
Novensanos, Irene Cortina | 13 nov.
Cometa, Roser López Espinosa. Presentación en el Instituto Cervantes de Bremen | 13 nov.
+BAILA ESPAÑA
SECUENCIAS | 3-5 nov.
Jornadas para profesionales de la danza en la plataforma en línea del Instituto Cervantes.
3 de noviembre
Inauguración y bienvenida.
Luis García Montero, director del Instituto Cervantes
10:00 horas
En escena: la danza. «Internacionalización desde la mirada de los creadores»
Jon Maya, Daniel Abreu y Dácil González
Modera: Lorenzo Pappagallo
10:20 - 11:20 horas
«Retos y oportunidades del apoyo institucional a la danza española fuera de nuestras fronteras»
Juan Manuel Vilaplana (consejero de Cultura de la Embajada de España en Alemania), Elena Díaz (AC/E)
y Claudia Morgana (Dance from Spain)
Presenta: Ferrán Ferrando, director del Instituto Cervantes de Fráncfort
11:30-12:15 horas
Conferencia inaugural: «Diversidad en la danza española actual»
Omar Khan, director de la revista SusyQ
Presenta: Helge Letonja, director artístico de Steptext.
12:15-13:00 horas
Danza en tránsito. Diálogos con coreógrafos españoles en Alemania. «Bailar más allá»
Marco Blázquez, coreógrafo, bailarín y gestor cultural.
Presenta: Eduardo Navarro, gestor cultural del Instituto Cervantes de París
13:10-13:40 horas
4 de noviembre
Bienvenida
Raquel Caleya, directora de Cultura del Instituto Cervantes.
10:15 horasEn escena: la música. «La tecnología, la música electrónica y la interacción en vivo para dar cuerpo al sonido» José Pablo Polo, Mercedes Peón y Ed is Dead. Modera: Lorenzo Pappagallo 10:20-11:20 horas «Alemania: tierra de danza. Tres miradas distintas de difundir la creación coreográfica» Isa Köhler (TanzMesse Düsseldorf), Jana Grünwald (Dachverband Tanz Deutschland) y Helge Letonja (Steptext). Presenta: Romy Brühwiler, gestora cultural del Instituto Cervantes de Berlín 11:30-12:15 horas «La danza se mueve. Circuitos de danza en España e iniciativas europeas» Laura Kumin (Aerowaves), Xosé Paulo Rodríguez (Danza a escena) y Natividad Buil (Red Acieloabierto). Presenta: Juan Blas, jefe de Actividades Culturales del Instituto Cervantes de Londres 12:15-13:00 horas Danza en tránsito. Diálogos con coreógrafos españoles en Alemania. «Corporeizar el pensamiento» Marina Mascarell, coreógrafa. Presenta: Tatiana Pigarova, gestora cultural del Instituto Cervantes de Moscú 13:10-13:40 horas 5 de noviembre Bienvenida Mila Crespo, directora del Instituto Cervantes de Bremen. 10:00 horas En escena: la luz. «La iluminación como huella, arquitectura y nuevo impulso creativo de una pieza coreo- gráfica». Olga García, Pablo Rodríguez Seoane y Sergio García Modera: Lorenzo Pappagallo 10:20-11:20 horas «Perspectiva de tres directoras artísticas de centros de referencia en España». Angels Margarit (Mercat de les Flors), Natalia Álvarez Simó (C.C.C. Conde Duque) y Blanca Li (Teatros del Canal) Presenta: Yolanda Hernández Pin, jefa del departamento. de Actividades Culturales del Instituto Cervantes 11:30-12:15 horas Danza en tránsito. Diálogos con coreógrafos españoles en Alemania. «La danza y la ciencia - almas gemelas». Iván Pérez, coreógrafo Presenta: Jose Luis Perales, jefe de Actividades Culturales del Instituto Cervantes de Varsovia 12:15-13:00 horas Danza en tránsito. Diálogos con coreógrafos españoles en Alemania. «Berlín - Madrid». Antonio Ruz, coreógrafo Presenta: Jesús Clavero, gestor cultural del Instituto Cervantes de Praga 13:10-13:40 horas Cierre y despedida Mila Crespo, directora del Instituto Cervantes de Bremen y Ernesto Pérez Zúñiga, subdirector de Cultura del Instituto Cervantes 13:40 horas
FIVER CERVANTES | 25-31 oct. «La mirada de ellas. 10 años de cinedanza en España» Canal Vimeo: http://vimeo.com/institutocervantes Kinxi, de Sara Fontán y Clara Tena, en codirección con Anna Rubirola (2012) Caballo negro, de Tuixén Benet (2013) Europe Endless, de Ana Cembrero, en codirección con Jorge Piquer (2014) Fuego lento, de Elena Castilla (2015) Atma, de Carla Subirana (2016) Da mopa (sevillanas electrónicas), de María Teresa García (2017) Inside, inhabited landscapes, de Carmen Porras (2018) Sinfonía del cuerpo, de Mónica Ruiz van Hattem (2019) Inside/Outside, de Carolina Romillo (2020) Vals y rumba, de Laura Delgado (2021) Para poder participar en las jornadas digitales que tendrán lugar a través de la plataforma en línea del Instituto Cervantes, será necesario inscribirse previamente a través del correo cultbre@cervantes.es.
BAILA ESPAÑA
«Diversidad bailonga»
Decir que la diversidad de la danza contemporánea española va del cielo a la tierra no es, exactamente, una
metáfora. La nueva edición de Baila España, evento que nació modestamente en 2012 y que ha ido creciendo
y haciéndose cada vez más ambicioso hasta llegar a la actual edición de 2021, reúne en Bremen, un año más, a
un abanico de creadores que vienen a dar fe de que la que se hace en España no es una, sino muchas danzas.
Entre las propuestas de este año encontramos la de la creadora catalana Roser López Espinosa, quien si-
túa a su astronauta en el espacio sideral, donde desafía la gravedad para asombro de los/as niños/as a los/
as que va dirigida su nueva creación, Cometa, un paso al frente que ahora aborda la ciencia ficción en una
carrera literalmente espacial que ya ha hecho guiños al circo desde una danza siempre rigurosa e ingeniosa.
Pero, bajando a la tierra, están los problemas cotidianos –y no tanto como una pandemia– que, de repente,
ocurren en la sociedad. Iván Pérez, coreógrafo español que dirige en Alemania el Dance Theatre Heidelberg
ha estado atento a ellos, y de sus reflexiones nace una trilogía que arrancó con Impression –donde nos ofrece
su mirada sobre los millennials–, continuó con Dimension y que ahora acaba con Oscillation, la creación que
presenta en Bremen, donde aborda la desesperanza de una generación enfrentada al coronavirus, en la que
los bailarines funcionan como células colocadas fuera de su hábitat.
Más íntima todavía se presenta la propuesta Novensanos, de la compañía establecida en Alemania de la
española Irene Cortina que, tras su estreno en el Circuito Bucles –festival valenciano de nuevas tendencias–
irrumpe ahora en Baila España 2021 para mirar con lupa las relaciones de pareja, el matrimonio y la afinidad,
lo que se traduce en un casamiento de danza y música en directo.
Aunque también forman una pareja de música y coreógrafo en escena, la de la violista Isabel Villanueva y
Antonio Ruz –uno de los más sólidos creadores del panorama actual de la danza española– elude y evade
toda narrativa para centrarse en las posibilidades estéticas y emocionales de las sinergias surgidas entre dos
apasionados de su arte. Ello ha dado lugar a Signos, donde la música, sea clásica o contemporánea, extien-
de un manto sonoro para esa danza, siempre elegante, del creador cordobés.
En cambio, Kor’sia, uno de los colectivos más originales y sorprendentes de Madrid, sigue en su línea de
investigación, centrada en desentrañar el presente mirando al pasado. Primero fue Giselle, y ahora, en su
nueva creación Igra, Mattia Russo y Antonio de Rosa, directores artísticos, vuelven los ojos hacia Nijinsky, su
hermana Nijinska, los ballets rusos y la sociedad parisina de hace más de cien años, con sus modos restric-
tivos e intolerantes frente a dos artistas que, sin saberlo, estaban más allá de su tiempo.
Hay pocas conexiones formales y temáticas entre todos los artistas que este año conforman Baila España, y
es fantástico que así sea, pues reafirma una de las metas de este evento que, cada año, trae a Alemania un
fragmento de la enorme diversidad de la danza contemporánea que hoy se practica en toda España.
Omar KhanPROGRAMACIÓN PRESENCIAL En esta sección del festival podremos ver el trabajo de varias compañías de danza de referencia a nivel nacional. Estas son: Dance Theatre Heidelberg, dirigida por Iván Pérez; Antonio Ruz e Isabel Villanueva; Kor’sia; Irene Corina y Roser López Espinosa. Las cuatro primeras podrán verse en el Teatro Schwankha- lle de la ciudad de Bremen, mientras que Roser López Espinosa presentará en el Instituto Cervantes de Bremen el resultado de unos talleres pedagógicos realizados del 8 al 12 de noviembre en diversos colegios de esta misma ciudad. Oscillation, de Dance Theatre Heidelberg (director, Iván Pérez) Oscillation es la última parte de la trilogía de Iván Pérez sobre la generación millennial. La serie se centra en los nacidos entre 1980 y 2000 a través de la danza, la música y las artes visuales. Tras Im- pression y Dimension, el círculo se cierra con la nueva música orquestal de Ferran Cruixent. Combinando el principio humano de la curiosidad y la investigación, la danza y la ciencia se en- cuentran en un diálogo creativo en Oscillation. Durante los últimos meses, las cuestiones sobre el comportamiento de las células han alcanzado nuevas profundidades, gracias a una colaboración interdisciplinar entre el Laboratorio Europeo de Biología Molecular (EMBL) y los artistas que participan en la producción. Oscillation es, en muchos sentidos, un reflejo y el resultado de los cambios actuales respecto a nuestras condiciones de vida. Por ello, los bailarines se cuestionan la necesaria distancia interpersonal a través de medios coreográficos inspirados en diversos procesos de oscilación celular. Las fascinantes interacciones son visibles en la forma en que se mueven y se comunican entre sí en el escenario. La tensión entre cercanía y separación explora cómo podemos relacionarnos a pesar del distanciamiento social y crea nuevas formas de unión. Dance Theater Heidelberg (DTH) es la compañía de danza residente del Theater und Orchester Hei- delberg, dirigido por Iván Pérez. Desde su fundación en septiembre de 2018, esta se ha ganado la confianza del público y la crítica con sus producciones de alta calidad y su estética de danza con- temporánea. El repertorio incluye diversas creaciones de Iván Pérez –a menudo en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Heidelberg– y obras de encargo de coreógrafos invitados, como Astrid Boons. El DTH tiene un conjunto internacional con bailarines provenientes de Australia, Brasil, Dina- marca, Francia, Irlanda, España y Taiwán. Está comprometida con un entorno inclusivo y promueve el diálogo y el intercambio entre artistas. Iván Pérez es director artístico y coreógrafo de la compañía DTH, además de comisario de la Tanz- biennale Heidelberg y del Choreographic Center Heidelberg. Antiguo miembro de la reconocida com- pañía Netherlands Dance Theater, ha creado piezas para compañías como la Ópera Ballet de París, el Balletboyz, el Ballet de Moscú, la Compañía Nacional de Danza y la compañía Dance Forum Taipei, entre otras. Signos, de Antonio Ruz e Isabel Villanueva El origen de este proyecto nace del deseo de la violista Isabel Villanueva y el coreógrafo Antonio Ruz de colaborar en una obra escénica multidisciplinar que abra una nueva ventana a la música clásica y la danza contemporánea. Este encuentro de lenguajes propone, sin prejuicios, un diálogo entre el sonido, el movimiento, la voz, los objetos y la luz –o la ausencia de ella–. ¿Concierto dramatizado o recital de viola coreografiado? Con un concepto estético y un diseño de iluminación depurados, la bella y compleja arquitectura sonora de las piezas/miniaturas musicales de los compositores György Kurtág y Johann Sebastian
Bach interpretadas magistralmente por Isabel, se fundirá con la partitura corporal propuesta por An- tonio; una dramaturgia que navega entre lo onírico, lo poético y lo inquietante. En esta atmósfera de soledad acompañada, Isabel y su viola, custodiadas por Antonio –su alter ego, sombra, consciencia–, emprenderán un viaje físico y emocional que no dejará a nadie indiferente. «Ella toca sentada, camina, sube a la mesa, baila, se tumba, duerme, flota, corre, grita, se mira al espejo, se desnuda, enciende la luz, cierra los ojos, sonríe…». Isabel Villanueva ha desarrollado una intensa carrera que la ha llevado a tocar con importantes or- questas de Latinoamérica, Rusia, Oriente Medio, China y Europa. En 2013 se convirtió en la primera intérprete de viola internacional en ofrecer recitales en Irán. Intensa, vital e imaginativa, realiza una des- bordante actividad como concertista, pedagoga e investigadora, estrenando obras contemporáneas, realizando proyectos de música de cámara con prestigiosos colegas y poniendo en marcha su propio festival, Pamplona Reclassics. Los importantes premios que ha recibido avalan su fulgurante trayec- toria, así como su desbordante energía y talento. Premio El Ojo Crítico de RNE de Música Clásica 2015 y Premio de Cultura de Música Clásica 2019 que otorga la Comunidad de Madrid, entre otros, Villanueva es una de las violistas más valoradas y completas de la actualidad. Coreógrafo y bailarín independiente, Antonio Ruz es, en la actualidad y desde hace años, uno de los creadores más destacados de la danza en nuestro país. Su discurso, desarrollado al frente de su propia compañía fundada en 2010, o con interesantes colaboraciones para reputadas agrupaciones nacionales e internacionales, se sustenta en un acentuado interés por el carácter más abierto de la danza. Inició su carrera profesional en el Ballet Víctor Ullate y en 2001 ingresó en el Ballet del Gran Tea- tro de Ginebra. Un año más tarde, lo hizo en el Ballet de l’Opéra de Lyon y en 2006 regresó a España para formar parte de la Compañía Nacional de Danza, dirigida por Nacho Duato. Entre las menciones y galardones que dibujan su trayectoria, figuran el Premio Nacional de Danza 2018 en la categoría de Creación y el Premio Ojo Crítico de Danza 2013 de RTVE. Ruz es miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España. Igra, de Kor’sia En su nueva obra, Kor’sia se acerca a los dos hermanos rusos Nijinsky/Nijinska desde sus verdaderas motivaciones, desplegadas en escena a partir de la sensibilidad de nuestro tiempo y no desde las restrictivas maneras que a ellos les tocó vivir. Como es usual en Kor’sia, la potencia visual juega un papel determinante en Igra que, sin ser un docudrama bailado sobre aquel tiempo y aquellas obras, está llena de referentes que aparecen de manera sutil e intermitente. Toda la representación la vemos a través de un velo negro traslúcido que crea una sensación de dis- tancia entre ellos y nosotros. Pero no se trata de una distancia física, sino temporal, un efecto que nos remite a esas viejas fotografías con mucho grano de principios del siglo pasado. La propuesta recurre a constantes blackouts para preguntarse acerca de lo humano y lo animal, lo masculino y lo femenino, construyendo así una estructura de flash que transporta al espectador a cuadros de gran potencia visual y poder de seducción con su cascada de imágenes, sugerentes y surrealistas, que juegan entre lo pasado y el presente. Con esta estructura de blackouts también se consigue, tal vez simulando que se trata de los trozos encontrados de una coreografía perdida, una que ya no se puede reconstruir por completo, en la que De Rosa y Russo citan figuras de Les Noces y dan ampliada geometría a la acción lúdica. La música electrónica se acerca a los ritmos de las danzas rusas, la inclusión de Chopin, compositor polaco, parece querer recordar que, aunque Nijinsky nació en Kiev y su hermana Nijinska en Minsk, su familia era polaca y el mismo coreógrafo no se consideraba ruso. También están presentes las metáforas.
Jeux reproducía un partido de tenis, pero del juego del que quiere hablar es el de la seducción. Igra, en definitiva, no reproduce ni recrea, pero en ella moran los espíritus de los célebres hermanos. El trabajo de la compañía Kor’sia se va definiendo como una agrupación a la que le gusta hurgar, mirar, revisar y analizar el pasado de la danza para revestirlo de presente. Se sienten guiados por dos pensamientos ajenos y complementarios. Por un lado, el de Paul Valéry cuando aseguraba que «no hay poemas terminados, solamente hay poemas abandonados» y por otro, la noción de «archivo» del teórico André Lepecki, que da valor a retomar una obra del pasado como presente. No se trata de reinventar la obra del coreógrafo ni tampoco de contar su vida; su investigación se afinca en el artista y su contexto, en la moral de doble rasero de una época, de un momento clave y muy relevante del siglo pasado, en el que, casi disimuladamente, una élite intelectual librepensadora europea allanaba el camino de una revolución artística, social y sexual, entonces reprimida por una sociedad conserva- dora, machista, patriarcal y heteronormativa. Novensanos, de Irene Cortina Novensanos es un estudio sobre la asociación basada en la afinidad. Una relación íntima donde estas dos personas –y, por tanto, la danza y la música en escena– están libres de subordinación mutua y son capaces de producir algo independiente, pero cargado de sintonías y similitudes que revelan el destino entre las dos partes, sin la utilización de lazos y limitaciones recíprocas. Una abstracción del matrimonio en una creación visual y sonora. La compañía Irene Cortina, que tiene su base entre Berlín y Valencia, se define por su danza contem- poránea de autor, su lenguaje de investigación y sus propuestas estimulantes y físicas. El vocabula- rio de la compañía está fuertemente definido por su multidisciplinariedad, que combina movimiento, música original en directo y diseño de vestuario y escenográfico, creando experiencias escénicas únicas que invitan al espectador a entregarse a la sensibilidad del cuerpo. Desde que la coreógrafa valenciana Irene Cortina formara la compañía junto a los artistas alemanes Paul Dill y Christin Noel en 2015, han girado con su trabajo por Holanda, Alemania, Polonia, España, Israel, Bolivia y Nueva York, contando para ello con el apoyo del Circuito de la Red de Teatros Alternativos, el programa estatal PLATEA, el Instituto Cervantes y el Goethe Institute. Cometa, de Roser López Espinosa En Cometa, unos inesperados visitantes se introducen en el aula y proponen a la clase volver la mirada a su entorno familiar y a mantener la curiosidad. Cometa es una aventura galáctica sobre la gravedad, la geometría, la música y mucho más. Pero, sobre todo, es una fiesta en la que, por fin, puedes volver a moverte con libertad. Esta pieza para el aula se desarrolla como parte de un programa que fue desarrollado por «Vorpom- mern tanzt an» y que ahora llega a Bremen por primera vez. La coreógrafa española Roser López Espinosa ha sido galardonada con los premios de danza y teatro más importantes de España por sus dos últimas producciones para el público infantil, y la nueva producción ya ha entusiasmado a los niños de primaria de distintas ciudades de Alemania. El trabajo coreográfico de Roser López Espinosa se basa en una fuerte fisicalidad, con una gran pa- sión por la precisión, el detalle, la delicadeza y los elementos acrobáticos. La complicidad y el trabajo en equipo se dan la mano en un imaginario vital y lleno de juego, de poética refinada y con un toque de humor.
Su trabajo como creadora le ha valido diversos reconocimientos, como el Premio a Mejor Coreografía
2019 en los XXII Premios de la Crítica o la nominación a Mejor Coreografía en 2019 en los XXV Premios
Butaca. Sus creaciones están regularmente presentes en escenarios internacionales. Es coreógrafa
invitada por compañías como Skånes Dansteater (Suecia), Conny Jansen Danst (Holanda), Zagreb
Dance Company (Croacia) y MiR Company (Alemania), entre otras, y fue artista residente en el Mercat
de les Flors entre 2018 y 2020.
+BAILA ESPAÑA
SECUENCIAS
Jornadas en línea para profesionales de la danza.
Del 3 al 5 de noviembre de 2021.
En esta sección, que tendrá un formato online y podrá seguirse de manera telemática, contaremos con
profesionales del panorama nacional de danza que han formado parte de Baila España a lo largo de sus
diez años de existencia. Ellos y ellas nos contarán de primera mano cómo comenzaron a formar parte
del festival, y cómo su trabajo ha ido evolucionando hasta el día de hoy. Así, tendremos conversaciones
y mesas redondas con artistas y creadores de diferentes disciplinas que conforman el panorama artístico
actual. Inauguraremos estas Secuencias con tres ganadores del Premio Nacional de Danza, que han
ayudado en gran medida a la internacionalización de la danza española, y contaremos además con la
visión y experiencia de compositores de gran relevancia, así como de diseñadores de iluminación que
aportarán sus respectivas visiones acerca de la creación de una pieza de danza.
Además de ello, tendremos la presencia de instituciones, organismos y festivales que conforman toda
una infraestructura que ha permitido el empoderamiento de la danza en los últimos años. Todos ellos nos
contarán su visión y sus expectativas, ideando en conjunto un futuro cada vez más prometedor para la
danza en este país, y enarbolando colaboraciones con otros –Alemania, en esta edición–, para compartir
nuestra riqueza cultural y artística más allá de nuestras fronteras.
Por último, tendremos también la presencia de coreógrafos españoles que han desarrollado su labor
en Alemania. En estas ponencias, que hemos llamado «Danza en tránsito. Diálogos con coreógrafos
españoles en Alemania», Marco Blázquez, Marina Mascarell, Iván Pérez y Antonio Ruz compartirán sus
propias experiencias sobre cómo han desarrollado su labor en ambos países: España y Alemania.
JORNADAS, 3 DE NOVIEMBRE.
En escena: la danza. «Internacionalización desde la mirada de los creadores».
10:20-11:20 horas.
Conversaremos con Dácil González, Jon Maya y Daniel Abreu sobre la necesidad de des-
centralizar la danza en España, y descubriremos cómo de distintas maneras estos tres pre-
mios nacionales de danza, coreógrafos e intérpretes, han conseguido que su trabajo se
reconozca fuera de nuestras fronteras. Jon Maya nos contará cómo consiguió volverse un
referente internacional conjugando el folklore vasco con la danza contemporánea, mientras
que Daniel Abreu y Dácil González nos explicarán en qué consiste el proyecto LAVA (Tenerife)
y cómo Canarias ha conseguido posicionarse en el panorama dancístico español e interna-
cional.Jon Maya Bailarín y coreógrafo nacido en Errenteria (Guipúzcoa), es director de la compañía Kukai Dantza, agrupación que, desde 2001, crea espectáculos de factura contemporánea a partir de la danza tradicional vasca, y donde se apuesta por la interacción con otras disciplinas artísticas y estilos de danza. También es profesor de danza tradicional vasca en la Escuela de Música y Danza Errenteria Musikal y ha sido galardonado con varios premios, entre otros el Premio Nacional de Danza en 2017. Daniel Abreu Bailarín y coreógrafo, es director de la compañía Daniel Abreu. Nacido en la isla de Tenerife, donde comenzó su curiosidad e interés por el movimiento físico y la expresión escénica, ha desarrollado su trabajo como intérprete en distintas compañías y colectivos de danza y teatro nacionales, como Provisional Danza y Matarile Teatro. Su dilatada trayectoria como creador la conforman más de sesenta producciones, que han podido verse en más de cuarenta paí- ses, donde ha recibido el aplauso de la crítica y del público, así como diversos galardones. Dácil González Bailarina y coreógrafa, es codirectora de LA. Otra Compañía Danza. Nacida en Las Palmas de Gran Canaria, ha desarrollado gran parte de su trayectoria como bailarina en Madrid, pero también ha tenido una importante proyección internacional trabajando para el Staatstheater Darmstadt, entre otros. Fue galardonada con el Premio Nacional de Danza 2019 en la mo- dalidad de Interpretación. Como coreógrafa, ha desarrollado también diversos espectáculos, entre los que destacan las colaboraciones asiduas que mantiene junto a Daniel Abreu, con quien trabaja desde 2010. «Retos y oportunidades del apoyo institucional a la danza española fuera de nuestras fronteras» 11:30-12:15 horas El tejido de la danza siempre ha sido uno de los sectores más frágiles del sector cultural, pero al mismo tiempo es uno de los que tienen un mayor potencial de desarrollo para la exporta- ción de la industria cultural española. En los últimos años, gracias a varias iniciativas institucionales y asociativas, la danza con- temporánea española cobra cada vez más protagonismo en los foros y eventos ligados a la creación coreográfica por el mundo. Junto con AC/E, la Consejería Cultural de la Embajada de España en Alemania y la platafor- ma Dance from Spain, impulsada por FECED, exploraremos cuáles son los proyectos exis- tentes que han dado un nuevo impulso a la creación coreográfica española fuera de nuestras fronteras, y descubriremos qué nuevos horizontes se abren para su difusión en el extranjero. Juan Manuel Vilaplana, consejero de Cultura de la Embajada de España en Alemania Para la Oficina Cultural de la Embajada de España en Berlín la danza es, ante todo, una disciplina artística con gran poder de comunicación, en particular en lo que respecta a va- lores muy importantes para nuestro país, como la participación ciudadana, la igualdad, la diversidad o la inclusión. Por ello la Embajada ha colaborado tradicionalmente tanto con Baila España como con otros festivales de danza, como es el caso de Plataforma, el Festival de Danza Contemporánea Iberoamericana de Berlín. Este año, la Embajada colabora con
el Staatsballet Nürnberg en la nueva producción de Goyo Montero, que se presentará en el mes de diciembre; para el próximo, trabajarán en varios proyectos cuyo objetivo es promover la presencia española en diversas citas de danza contemporánea, incluyendo entre ellas el interesante mundo de las compañías de danza integrada, formadas por personas con mo- vilidad reducida. Elena Díaz, Acción Cultural Española Acción Cultural Española (AC/E) es una entidad pública dedicada a impulsar y promocionar la cultura y el patrimonio de España, dentro y fuera de sus fronteras, a través de un amplio programa de actividades que incluye exposiciones, congresos, ciclos de conferencias, cine, teatro, música, producciones audiovisuales e iniciativas que fomentan la movilidad de profe- sionales y creadores. Del patrimonio histórico a la creación emergente, AC/E trabaja para destacar la cultura como pieza esencial de la realidad e imagen de un país, proyectándola dentro y fuera de España. Los proyectos de AC/E subrayan la diversa contribución española a la cultura global, así como las recientes aportaciones de sus creadores más actuales en los principales ámbitos creativos, desde la ciencia a la historia, de las artes plásticas, escénicas y audiovisuales a la literatura, la música, la arquitectura y el diseño, entre muchos otros. Claudia Morgana, Dance from Spain Dance from Spain es una iniciativa de la Federación Estatal de Compañías y Empresas de Danza (FECED) para la promoción de las compañías españolas de danza y sus espectácu- los. Consiste en un catálogo digital que reúne a las compañías españolas de danza. Con Dance from Spain, nuestra Federación participa desde el año 2012 en ferias nacionales e internacionales de danza y/o artes escénicas, difundiendo información sobre nuestras com- pañías y recabando datos de interés para ellas. Entre las acciones que FECED está preparando para el año que viene en Alemania destaca la organización del Pabellón Nacional de Dance from Spain para la Tanzmesse en Düsseldorf, el mayor encuentro de profesionales de la danza contemporánea en el mundo, que tiene lugar en agosto de 2022. El stand de Dance from Spain da cobertura a todas las compañías españolas que deseen participar en la feria y enviar sus propuestas de showcases para el programa oficial. Conferencia inaugural: «Diversidad en la danza española actual» 12:15- 13:00 horas Omar Khan, director de la revista SusyQ. Periodista y crítico de danza español nacido en Venezuela, lleva más de veinte años espe- cializado en danza. Colaborador habitual en publicaciones como el diario El País, ha sido también docente en la Universidad Europea de Madrid y el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila. Es miembro fundador y director de SusyQ, la única revista de danza que circula en papel en todo el país desde hace doce años, y que también mantiene activa su edición digital (www.susyq.es). Cubre a diario informaciones y noticias nacionales e interna- cionales de danza, con un equipo de especialistas. Helge Letonja será el encargado de presentar esta conferencia inaugural. Helge ha sido el director de Steptext desde su fundación en 1996. Ha trabajado como bailarín en la Ópera
de Graz y en la Montréal Danse de Canadá, junto a artistas como Jan Fabre, Susanne Linke o Urs Dietrich, entre otros. Creó sus primeras coreografías con la compañía Tanztheater Bremen y sus producciones de danza, a menudo desarrolladas en colaboración con socios internacionales multidisciplinares, han viajado por todo el mundo. Danza en Tránsito. Diálogos con coreógrafos españoles en Alemania. En las últimas décadas muchos coreógrafos y bailarines españoles han sido invitados a cola- borar con compañías y centros coreográficos alemanes. En el ciclo Danza en Tránsito vamos a conversar con varios de ellos para explorar las razones que les llevaron a dejar España y lo que supuso para su carrera desarrollarse en Alemania. ¿Fuga de talento u oportunidad de difusión de la danza española en Alemania? Conversando con Marco Blázquez. «Bailar más allá» 3 nov. 13:10-13:40 horas Marco Blázquez es fundador de Cultoria Artes e Industrias Creativas. Es experto en el dise- ño y gestión de proyectos culturales. Su recorrido artístico pasa por numerosas compañías internacionales, entre las que destacan el Staatstheater Mainz o el Nederlands Dans Theater II. Como gestor y productor, ha trabajado con diferentes organizaciones, como danceFORM (Alemania) o Elephant in the Black Box (España), así como colaborado con diferentes pro- yectos, entre los que se incluyen el Festival Internacional Madrid en Danza o el Festival Ibe- roamericano del Siglo de Oro. Clásicos en Alcalá. JORNADAS, 4 DE NOVIEMBRE. En escena: la música. «La tecnología, la música electrónica y la interacción en vivo para dar cuerpo al sonido». 4 nov. 10:20-11:20 horas La música electrónica y su hibridación con otros ritmos es un componente cada vez más presente en los espacios sonoros de las creaciones coreográficas. De la mano de Mercedes Peón, José Pablo Polo y Ed is dead, investigaremos las nuevas tendencias y las oportunida- des y posibilidades que pueden brindar las nuevas tecnologías al servicio de la composición musical; además, descubriremos cómo el sonido puede adquirir una nueva corporalidad sobre el escenario y sumarse a los demás intérpretes de las piezas coreográficas interaccio- nando en vivo con ellos. Mercedes Peón A los 13 años, escuchó cantar a varias mujeres de la Costa da Morte, lo que le llevó a profun- dizar en esta tradición durante más de veinticinco años y a grabar sus primeros álbumes. Sin abandonar sus raíces, su trabajo incorpora una faceta contemporánea inspirada en espacios acústicos de nueva naturaleza obtenidos a base de sonidos reales y grabaciones de ma- quinaria pesada recogidas en los astilleros y los espacios industriales del entorno de Ferrol. Reconocida como una de las artistas gallegas más destacadas del inicio del siglo XXI, su tra- bajo ha sido premiado en múltiples ocasiones tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.
José Pablo Polo Compositor, artista sonoro y productor musical. Su trabajo ha sido reconocido con dife- rentes premios y becas, y su música interpretada en una gran cantidad de festivales tanto nacionales como por diferentes países de Europa o América Latina. Como compositor, co- labora habitualmente en diferentes espectáculos fusionando su música con las diferentes artes escénicas. Desde 2016, desarrolla junto a Sara Martín el proyecto OVERture en el que investigan las relaciones existentes e inexistentes entre lenguaje, sonido, espacio y público. Ed is Dead Tras el nombre Ed is Dead, se encuentra el de Edu Ostos, músico, DJ y productor que cuen- ta con una larga trayectoria como artista, compositor y co-propietario de los estudios Fas- hion Beat Team (Madrid). En solitario, atesora ya cuatro álbumes de estudio, y ha obtenido reconocimientos como el Premio VMA a mejor productor de música electrónica o dos Discos de Oro, entre otros. Ha actuado y colaborado con diversos artistas, entre los que destaca el coreógrafo Elías Aguirre, con quien realiza sesiones de improvisación electrónica y danza contemporánea. «Alemania: tierra de danza. Tres miradas distintas de difundir la creación coreográfica» 4 nov. 11:30-12:15 horas Isa Köhler y Katharina Kucher (TanzMesse Düsseldorf) La Internationale Tanzmesse fue fundada en 1994. Es una feria organizada bianualmente por la NRW Landesbüro Tanz. En sus orígenes estuvo enfocada en la exhibición y distribución de piezas de danza. Sin embargo, poco a poco ha ido creciendo hasta transformarse en el mayor encuentro de profesionales del mundo de la danza a nivel internacional. Se ha con- vertido, por tanto, en una plaza de referencia para creadores y profesionales de la danza, definiéndose como punto de encuentro e intercambio de ideas, conocimiento y contactos. Isa Köhler es su co-directora, junto con Katharina Kucher, y serán las responsables de las ediciones de 2022 y 2024. Ambas tienen un conocimiento profundo y extenso de la danza. Isa Köhler es una productora de danza asentada en Berlín. Ha trabajado como directora de proyectos en el Pact Zollverein, en el Tanztheater Wuppertal Pina Bausch y en la Pina Bausch Foundation. Además, forma parte del comité de asesoramiento del programa de financiación del Estado de North-Rhine Westphalia. Ambas ya han formado equipo con anterioridad, di- rigiendo reconocidos festivales internacionales como el Tanz im August in Berlin, entre otros. Katharina Kucher ha trabajado recientemente en el HAU Hebbel am Ufer, Berlín como di- rectora del proyecto y gerente. Antes de eso, trabajó como investigadora autónoma para el Kulturpolitische Gesellschaft. Ha escrito numerosos ensayos sobre desarrollo cultural y financiación. También ha trabajado en diversas compañías, entre las que se encuentran la Deutsches Theater de Berlín y la Schaubühne. Jana Grünwald (Dachverband Tanz Deutschland) La Dachverband Tanz Deutschland (Asociación Federal de Danza de Alemania) fue fundada en 2004 y lleva trabajando como una plataforma a nivel nacional desde 2006. Se fundó con el objetivo de reunir a todos los profesionales de la danza y reunirlos bajo una única voz den- tro del ámbito político alemán. Desde esta plataforma, se desarrollan proyectos, campañas e iniciativas para la promoción de la danza en Alemania. Además de ello, participa e imple- menta programas de financiación como TanzPakt Stadt-Land-Bund o Kreativ-Transfer, entre
otros. Desde 2018, organizan el prestigioso Deutscher Tanzpreis. Licenciada en danza (Codarts) y en ciencias sociales (Universidad Humboldt de Berlín), Jana Grünewald trabaja en la Dachverband Tanz Deutschland desde 2013. Es responsable del programa de financiación Kreativ-Transfer y de la red informal de productores InfoPlus. Des- de 2015 forma parte del equipo de redacción de artistas en gira, un servicio de información y asesoramiento para artistas y profesionales de la cultura que trabajan a nivel internacional (www.touring-artists.de). Entre 2013 y 2016 trabajó en las áreas de apoyo a los artistas y de contabilidad del club nocturno Sisyphos en Berlín. Anke Euler (Steptext) Steptext dance project es una plataforma para la producción y exhibición de danza con- temporánea establecida en Schwankhalle, un espacio multidisciplinar ubicado en Bremen. Poniendo el foco en lo que llaman la aventura artística de las producciones, los coreógrafos de Steptext trabajan junto a bailarines y artistas de otras disciplinas, generando un proceso continuo de intercambio de conocimientos, visiones y sinergias. Durante más de quince años han tejido una extensa red de conexiones vivas con socios colaboradores, produciendo una gran diversidad de procesos creativos, presentaciones y discursos estéticos. Cada año se producen varios estrenos que suelen presentarse a nivel internacional. Anke Euler es miembro de Steptext desde 2012. Como dramaturga, supervisa las produc- ciones tanto de Helge Letonja, director del proyecto, como de los coreógrafos que son invitados a participar en él. Su foco de trabajo se centra en el desarrollo de formatos interdis- ciplinares con artistas, científicos, expertos y activistas de diferentes campos, con quienes hace llegar la danza contemporánea a nuevos públicos. Previamente, ha trabajado como dramaturga para coreógrafos y teatros como Micha Purucker, TravelLight Munich, co>labs tanz/theater/produktionen Nürnberg, Francisco Sánchez-Martínez en el Theater Lüneburg y para festivales como RODEO Munich o Performing Arts Festival Berlín. «La danza se mueve. Circuitos de danza en España e iniciativas europeas» 4 nov. 12:15-13:00 horas ¿Cómo sacar la danza de los grandes centros coreográficos? En España, gracias a iniciativas como Danza a Escena y la Red Acieloabierto lo mejor de nuestra creación coreográfica se ha hecho más accesible a todos los públicos, territorios y espacios escénicos. Conversando con sus impulsores y con Laura Kumin –socia fundadora del proyecto europeo Aerowaves–, descubriremos a qué desafíos se enfrentan estos circuitos y cuáles son sus previsiones de futuro. Xosé Paulo Rodríguez, Danza a Escena El proyecto Danza a Escena nació en 2010 a raíz de la convocatoria, por parte del INAEM, de una ayuda destinada a potenciar la creación de programas de apoyo a circuitos de danza organizados por redes de espacios escénicos. Danza a Escena tiene como objetivos incre- mentar la presencia y visibilidad de la danza en las programaciones de los espacios escéni- cos de titularidad pública y ofrecer al espectador un programa heterogéneo en el que tengan cabida diferentes tendencias y estilos. La selección de las obras programadas la realizan los espacios escénicos que participan en el proyecto a partir de un Catálogo elaborado por la Comisión de Ballet, Danza y Artes del Movimiento de La Red. La Red cofinancia con los es- pacios escénicos participantes los cachés de los espectáculos seleccionados en el circuito, aportando hasta un 50% del mismo.
Natividad Buil, Red Acieloabierto La Red Acieloabierto es un canal de información, un mecanismo de encuentro y un cataliza- dor de proyectos y promoción de festivales de danza. Esta tiene sus orígenes en las líneas de colaboración que, durante años, han mantenido con muchos de los festivales que ahora la componen. La apertura y generosidad de todos desembocó en una serie de espacios de trabajo común que se mantuvieron constantes, de modo que crearon una estructura que los integrara, que facilitara su aparición y que permitiera participar en ellos a nuevos agentes del sector. Una infraestructura abierta e inclusiva que permitiera la circulación de información, ideas y proyectos artísticos, y que promoviera el desarrollo de la danza contemporánea. Integrados en la Red Acieloabierto, los festivales trabajan de forma más profunda en su compromiso de servicio público. Compromiso con la danza contemporánea, con la consoli- dación de compañías y festivales y, sobre todo, con la idea de que las obras de bailarines y coreógrafos conecten con la ciudadanía. Laura Kumin, Aerowaves Aerowaves comenzó su andadura en 1996 en The Place, Londres, como un pequeño grupo de compañeros europeos reunidos por John Ashford, director del teatro en ese momento. Con los años, ha ido creciendo y actualmente está formado por 44 socios que comparten su conocimiento profesional, personal y su amor por la danza a través de 33 países. Así, se ha consolidado como un centro para el descubrimiento de la danza emergente en Europa. Su labor consiste en identificar el trabajo de los jóvenes creadores y artistas de la danza más prometedores y promocionarlo a través de actuaciones transfronterizas. En 2011 fundaron el Spring Forward Festival, proporcionando así una plataforma en la que programadores clave de todo el mundo pueden descubrir las últimas creaciones de danza en Europa. Aerowaves sigue desarrollándose en esta línea apoyando a sus socios para crear proyectos innovadores de desarrollo de audiencia para artistas de danza emergentes. Danza en tránsito. Diálogos con coreógrafos españoles en Alemania. Conversando con Marina Mascarell. «Corporeizar el pensamiento» 4 nov. 13:10-13:40 horas Marina Mascarell es una coreógrafa asentada en Holanda. Residente 2020-2021 en el Korzo Theatre de La Haya, desde 2018 es artista asociada en el Mercat de les Flors de Barcelona. En sus creaciones, las reflexiones, preguntas y conceptos que plantea se traducen en una lucha poética donde el pensamiento se transforma en corporalidad y movimiento. Marina está interesada en un cuerpo rebelde caracterizado por cuestionar la normatividad, en el cuerpo que baila como una forma de resistencia, profundamente enraizado en una acción política y social. Además de su trabajo individual, ha creado piezas para instituciones como GöteborgsOperans Danskompani, Biennale de la Danse of Lyon –con el Ballet de l’Opéra de Lyon–, Skanes Dansteater o Dance Forum Taipei or Nederlands Dans Theater. Su trabajo ha sido visto en numerosos países y reconocido con premios como el BNG Excellent Dans Award 2015, entre otros.
JORNADAS, 5 NOVIEMBRE. En escena: la luz. «La iluminación como huella, arquitectura y nuevo impulso creativo de una pieza coreográfica». 5 nov. 10:20-11:20 horas Tres grandes nombres de la iluminación vinculada a la danza en España –Olga García, Pablo R. Seoane y Sergio García– nos hablarán del concepto de huella y arquitectura de un diseño de luz; además nos revelarán algunos secretos de cómo un diseño de iluminación afecta a los cuerpos en movimiento. Les plantearemos también la posibilidad de imaginar la luz como primer impulso de una escritura coreográfica. Olga García Sánchez Diseñadora de iluminación escénica, especializada en danza. Más de veinte años de expe- riencia con giras y estrenos en los principales teatros del mundo, avalan su trabajo. Dise- ñadora actual de creadores como Antonio Ruz, desde el inicio de su Compañía en 2008, Estévez & Paños, Daniel Doña, Enclave Español, Manuel Liñán, Conservatorios de Danza Mariemma y Superior, Concha Jareño, El Choro, Compañía Rajatabla, Compañía de Sharon Fridman o Compañía Nacional de Danza. Pablo Rodríguez Seoane Técnico Superior de Luminotecnia para el Espectáculo en Vivo (CTE-INAEM) y Técnico Su- perior en Iluminación, Captación y Tratamiento de la Imagen. Además, acumula tres años de estudios en la especialidad de Dirección Escénica de la RESAD, y cinco en interpretación en espacios como el laboratorio William Layton y Escénic@. Desarrolla su actividad profesional desde hace más de diez años como técnico de iluminación, sonido y vídeo para numerosas compañías de teatro y danza –Kulunka, Teatro en Tránsito, Títeres Etcétera o LaPedroche– y productoras como Kamikaze, Candileja, Criacuervos, Titirimundi, Artibus o Tecilesa. Sergio García Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y especializado poste- riormente en iluminación escénica, ha llevado a cabo la dirección técnica de varios teatros y festivales, como el Teatro Pavón Kamikaze o el Festival Cuerpo Romo, labor que desempeña desde 2015. Además, ha desarrollado la dirección técnica y diseñado la iluminación de diver- sas compañías tanto de teatro como de danza, caso la de las compañías de Daniel Abreu, Sharon Fridman o Antonio Ruz, entre otras. «Perspectiva de tres directoras artísticas de centros de referencia en España». 5 nov. 11:30-12:15 horas Angels Margarit, Mercat de les Flors El Mercat de les Flors es, hoy en día, un gran activo cultural de Barcelona, un centro de la danza y de las artes del movimiento que ha conseguido tener un sello propio dentro del territorio. Con una visibilidad y un reconocimiento internacional indudables gracias a sus pro- ducciones internacionales, a su implicación en proyectos europeos y a su presencia activa en redes internacionales del sector, es también un referente en políticas de sensibilización y creación de nuevos públicos y en el desarrollo de un programa pedagógico de gran valor.
Àngels Margarit es bailarina, coreógrafa, pedagoga y gestora. Pertenece a la primera gene- ración de bailarines contemporáneos surgida a finales de los años 70 del Institut del Teatre de Barcelona, y desde 1985 dirige una de las compañías de danza más consolidadas del panorama nacional: Mudances. Ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que destacan el Premi Nacional de Dansa de Catalunya en tres ocasiones, el Premio Ciudad de Barcelona de las Artes Escénicas 1993, el Gran Prix del concurso coreográfico de Bagnolet 1998, el Premio Nacional de Danza 2010 en la modalidad de Creación y el de Danza y Coreo- grafía de Suiza. Desde 2017 es directora artística de La casa de dansa del Mercat de les Flors. Natalia Álvarez Simó, Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque De adscripción municipal, el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque quiere ser un espacio en el que la ciudadanía tenga acceso a la cultura contemporánea a través de una programación diversa e innovadora compuesta por diversas disciplinas, entre las que la dan- za y las artes del movimiento cobran especial relevancia. A través de ellas, se busca estimular el diálogo sobre la sociedad actual e invitar a una reflexión en la que el cuerpo juega un papel fundamental. El apoyo a los creadores a través de residencias, coproducción y exhibición, es otro de sus elementos diferenciadores. Natalia Álvarez Simó es Licenciada en Historia del Arte, Experto en Gestión y Planificación Cultural y MBA en Empresas e Instituciones Culturales. Fue directora de los Teatros del Canal y del Centro de Danza Canal de la Comunidad de Madrid entre 2016 y 2019. Realizó la programación artística de la Feria de Artes Escénicas de Madrid en 2010, y entre 2007 y 2016 trabajó en la Unidad Técnica del Programa de Apoyo a las Artes Escénicas Iberoame- ricanas Iberescena. Entre 2010 y 2016 fue programadora en el Departamento de Artes en Vivo del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y formó parte del proyecto Leim sobre liderazgo en la gestión de la danza en Europa. Actualmente es directora del Centro Cultural Condeduque. Blanca Li, Teatros del Canal Los Teatros del Canal son un modelo de institución teatral peculiar, puesto que tienen aso- ciado un centro coreográfico de creación. En la matriz original del proyecto se reconocen claramente tres vías de acción: un apoyo a la creación y a la investigación en danza, para que proyectos de compañías y bailarines que comienzan puedan desarrollarlos sin trabas y cuen- ten con un espacio de ideación, ejecución y estreno; un apoyo a las compañías nacionales de medio recorrido, para que amplíen capacidades y horizontes en forma de coproducciones que les permitan desarrollar espectáculos con más medios y dar un salto cualitativo en sus trayectorias y, por último, un apoyo a las grandes compañías y artistas locales que se hace extensible a los internacionales en forma de coproducciones con teatros de otros países, lo cual crea un vínculo de ida y vuelta que ayuda a dar visibilidad a la creación española en el exterior. Blanca Li es coreógrafa, bailarina, directora de escena para ballets, musicales y óperas, reali- zadora de cine y audiovisual, actriz y artista multimedia. En abril de 2019 fue la primera mujer en ser nombrada coreógrafa de la Academia de Bellas Artes francesa, en reconocimiento a su contribución a la danza. Ha trabajado como coreógrafa para la Opéra national de Paris y la Metropolitan Opera House de Nueva York, y dirigió el grupo de ballet de la Komische Oper Berlín. Entre 2006 y 2010 fue directora del Centro Andaluz de Danza en Sevilla y desde noviembre de 2019 dirige los Teatros del Canal en Madrid.
Danza en tránsito. Diálogos con coreógrafos españoles en Alemania.
Conversando con Iván Pérez. «La danza y la ciencia - almas gemelas»
4 nov. 12:15-13:00 horas
Iván Pérez es director artístico y coreógrafo de la compañía DTH, además de comisario de
la Tanzbiennale Heidelberg y del Choreographic Center Heidelberg. Antiguo miembro de la
reconocida compañía Netherlands Dance Theater, ha creado piezas para compañías como
la Ópera Ballet de París, el Balletboyz, el Ballet de Moscú, la Compañía Nacional de Danza y
la compañía Dance Forum Taipei, entre otras.
Danza en tránsito. Diálogos con coreógrafos españoles en Alemania.
Conversando con Antonio Ruz. «Berlín-Madrid».
4 nov. 13:10-13:40 horas
Coreógrafo y bailarín independiente, Antonio Ruz es. en la actualidad y desde hace años,
uno de los creadores más destacados de la danza en nuestro país. Su discurso, desarrollado
al frente de su propia compañía fundada en 2010, o con interesantes colaboraciones para
reputadas agrupaciones nacionales e internacionales, se sustenta en un acentuado interés
por el carácter más abierto de la danza. Inició su carrera profesional en el Ballet Víctor Ullate
y en 2001 ingresó en el Ballet del Gran Teatro de Ginebra. Un año más tarde, lo hizo en el
Ballet de l’Opéra de Lyon y en 2006 regresó a España para formar parte de la Compañía
Nacional de Danza dirigida por Nacho Duato. Entre las menciones y galardones que dibujan
su trayectoria, figuran el Premio Nacional de Danza 2018 en la categoría de Creación y el
Premio Ojo Crítico de Danza 2013 de RTVE. Ruz es miembro de la Academia de las Artes
Escénicas de España.
FIVER CERVANTES 2021. «La mirada de ellas. 10 años de videodanza en España»
En el marco de las actividades de celebración del décimo aniversario de Baila España, el festival de dan-
za contemporánea que el Instituto Cervantes celebra en la ciudad de Bremen, presentamos, en nuestro
tercer año de colaboración con FIVER (Festival de Cine, Danza y Nuevos Medios), un nuevo ciclo de
cortometrajes: «La mirada de ellas. 10 años de cinedanza en España», comisariado por Samuel Retorti-
llo, director de la plataforma internacional de apoyo, exhibición y producción de cine y danza Fiver, que
fomenta la creación coreográfico-audiovisual impulsando la profesionalización del género del cinedanza
con la organización, desde 2012, del festival anual de renombre internacional.
Con «La mirada de ellas. 10 años de cinedanza en España», cuyos títulos podrán verse en el canal de
Vimeo del Instituto Cervantes, se ha querido hacer una retrospectiva en clave femenina a través de la
selección de diez cortometrajes dirigidos por mujeres premiados y finalistas en FIVER entre los años
2012 y 2021 –uno por edición–, con el objetivo de poner en valor las miradas pioneras, transgresoras,
creativas y valientes de tantas directoras que han creado e impulsado este género que une cuerpo y
pantalla.
Kinxi, de Sara Fontán y Clara Tena, en codirección con Anna Rubirola (2012)
Una localización fallida termina ubicada en un frontón. Sara viene con ideas preconcebidas
de casa. «Y por qué John Cage?». Moaré. Resina. Muévete rápido sin bailar durante dos mi-
nutos. Piña con jamón, paella, flan de queso y ducha se convierte en Piña burgués. AcabarTambién puede leer
