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AllegroHDdestacados de programaciónseptiembre 2021
Destacados de programaciónseptiembre 2021
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CONCIERTO | A. Ramm, Orquesta Estatal «E. Svetlanov» & V. Petrenko
interpretan Tchaikovsky | Estreno viernes 3 – pág. 3
CONCIERTO | Yury Revich interpreta obras de Schubert, Sarasate & Elgar |
Estreno sábado 4 – pág. 5
CONCIERTO | Sofia Falkovitch: Seis momentos de la liturgia judía | Estreno
domingo 5 – pág. 7
CONCIERTO | Cello Duello – Obras de Haydn, Paganini & Weber [Escuela
Reina Sofía] | Estreno domingo 5 – pág. 9
CONCIERTO | ECOS Festival: El Manuscrito de Totana | Estreno viernes 10 –
pág. 11
CONCIERTO | Filarmónica de la Rep. Checa & Jakub Hrůša interpretan Suk,
Haas & Janáček | Estreno sábado 11 – pág. 13
CONCIERTO | Una noche de música española [Escuela Reina Sofía] | Estreno
domingo 12 – pág. 15
DOCUMENTAL | Rachmaninoff revisitado – Un documental de Peter Rosen |
Estreno viernes 17 – pág. 17
CONCIERTO | Philippe Herreweghe dirige al Collegium Vocale Gent –
Monteverdi, Pärt, Bruckner & Messiaen | Estreno sábado 18 – pág. 19
CONCIERTO | El crítico musical – Con John Malkovich, Alexey Igudesman &
Hyung-ki Joo | Estreno domingo 19 – pág. 21
DOCUMENTAL | ¿Quién fue Jacqueline du Pré? – Un documental de
Christopher Nupen | Estreno viernes 24 – pág. 23
CONCIERTO | Waldbühne 2021: Ritmos americanos – Filarmónica de Berlín,
M. Grubinger & W. Marshall | Estreno sábado 25 – pág. 25
CONCIERTO | Divas & diamantes – Conjunto Vocal Nacional, Sinfónica
Nacional & Big Bang de Radio de Dinamarca | Estreno domingo 26 – pág. 27
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Concierto| Alexander Ramm, Orquesta Estatal
«E. Svetlanov» & Vasily Petrenko
Interpretan Tchaikovsky
Estreno viernes 3 | 21:00 Arg/Uru | 20:00 Bol/Chi/Par | 19:00 Col/Ecu
Un programa centrado en el Romanticismo ruso, de la mano una conjunción de intérpretes
rusos de primer nivel mundial.
• Género: concierto, música clásica, música romántica, violonchelo, orquestal.
• Intérpretes: Alexander Ramm [violonchelo].
• Director: Vasily Petrenko.
• Orquesta: Sinfónica Académica Estatal «Evgeny Svetlanov».
• Año: 2020.
• Lugar: Auditorio Tchaikovsky, Moscú.
• Duración: 20 minutos.
Una imponente conjunción de artistas rusos se presenta sobre el escenario en este
concierto desde la legendaria Sala Tchaikovsky de la capital rusa. El violonchelista
Alexander Ramm es acompañado por la Sinfónica Académica Estatal «Evgeny Svetlanov»,
bajo la dirección de Vasily Petrenko, para interpretar las brillantes Variaciones sobre un
tema rococó, Op. 33, obra para violonchelo y orquesta de Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-
1893). Un programa que se enmarca dentro de la fructífera relación entre Allegro HD, La
Sociedad Filarmónica de Moscú y Primavera Consulting, agradeciendo su colaboración a
Carlos Grynfeld CGManagement.
Alexander Ramm es uno de los chelistas más solicitados de su generación. Tras
emerger en la escena internacional como medalla de plata del Concurso Tchaikovsky de
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2015, recientemente ha atraído mucha atención y elogios de la crítica con su grabación
de las Suites para violonchelo de Benjamin Britten, realizada con clavos de titanio en su
codo izquierdo tras un extraño accidente. Las entusiastas comparaciones con
Rostropovich y el premio Listeners' Choice de The Violoncello Foundation han situado
este álbum entre las grabaciones más aclamadas del repertorio para violonchelo. Las
colaboraciones regulares de Alexander con Vladimir Jurowski, Valery Gergiev, Vladimir
Spivakov, Mikhail Jurowski, Antoni Wit, Alexander Sladkovsky y otros destacados
colaboradores artísticos le han llevado a muchos de los escenarios más prestigiosos del
mundo. Casi inmediatamente después del concurso de violonchelo Tchaikovsky, Alexander
fue invitado por el legendario sello ruso Melodia a grabar el concierto de Shostakovich con
la Orquesta Sinfónica de Tatarstán bajo la dirección del maestro Alexander Sladkovsky.
Antes del éxito de Alexander en el Concurso Internacional Tchaikovski, ganó el Tercer
Concurso Internacional de Música de Pekín (2010) y el Primer Concurso Nacional de
Música (Moscú, 2010). En 2013 se convirtió en el primer ruso laureado en el prestigioso
Concurso Paulo de Violonchelo en Helsinki. Alexander Ramm nació en Vladivostok, luego
se trasladó a Kaliningrado y estudió en la Escuela de Música Infantil Glière (clase de
Svetlana Ivanova). Continuó su formación en el Colegio Chopin de Artes Escénicas de
Moscú (clase de Maria Zhuravlyova). En 2012 Alexander se graduó en el Conservatorio de
Moscú (clase de la Artista del Pueblo de la URSS Prof. Natalia Shakhovskaya). Alexander
también estudió en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín con Frans Helmerson.
El generoso apoyo de la familia Schreve de Amsterdam y de Elena Lukyanova de Moscú le
ha permitido poseer un violonchelo del luthier cremonés Gabriel Jebran Yakoub.
La Orquesta Académica Estatal de Rusia «Evgeny Svetlanov» es uno de los conjuntos
sinfónicos más antiguos del país: en 2021 celebra el 85.º aniversario. La primera
actuación de la orquesta, dirigida por A. Gauck y E. Kleiber, tuvo lugar el 5 de octubre de
1936 en la Gran Sala del Conservatorio de Moscú. A lo largo de los años, la orquesta ha
sido dirigida por destacados músicos: Alexander Gauk, Natan Rakhlin, Konstantin Ivanov
y Evgeny Svetlanov. En 2005 recibió el nombre de este último. Entre 2000 y 2002, la
orquesta fue dirigida por Vasily Sinaisky, y en 2002-2011 por Mark Gorenstein. En 2011,
Vladimir Jurowski fue nombrado director artístico de la orquesta. Desde la temporada
2016/2017 Vasily Petrenko es el principal director invitado de la orquesta. Por su parte,
Petrenko ha ostentado la dirección en diversas orquestas de primer nivel, como la
Filarmónica de Oslo o la Royal Philharmonic. Durante sus siete años como director titular
en Oslo, Petrenko dirigió la orquesta en varias giras y realizó varias grabaciones
aclamadas por la crítica, entre ellas series con música de Alexander Scriabin y Richard
Strauss. Durante los últimos años, Petrenko ha consolidado su posición como uno de los
principales directores de su generación.
Concierto | Alexander Ramm, Orquesta Estatal «E. Svetlanov» & Vasily
Petrenko interpretan Tchaikovsky
Estreno viernes 3 | 21:00 Arg/Uru | 20:00 Bol/Chi/Par | 19:00 Col/Ecu
Sinopsis:
Piotr Ilich Tchaikovsky: Variaciones sobre un tema rococó, Op. 33. Alexander Ramm & Orquesta
Sinfónica Académica Estatal «Evgeny Svetlanov» | Vasily Petrenko. Auditorio Tchaikovsky, Moscú.
2020.
Enlaces de imágenes:
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Concierto | Yury Revich interpreta obras de
Schubert, Sarasate & Elgar
Estreno sábado 4 | 21:00 Arg/Chi/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu
La joven figura del violín ofrece, con especial atención a la música de Schubert, un
hermoso recorrido por el arte musical en el siglo XIX.
• Género: concierto, música clásica, música romántica, violín, piano.
• Intérpretes: Yury Revich [violín], Danae Dörken [piano], Donka Angatscheva [piano,
Elgar].
• Año: 2019.
• Lugar: Viena.
• Duración: 23 minutos.
Es una de las sensaciones en el mundo del violín desde hace años, cuando era poco
más que un adolescente muy dotado para su instrumento que emergió en la escena
musical internacional con enorme fuerza. En este programa, grabado en la capital mundial
de la música, Viena, el talentoso violinista ruso Yury Revich se une a la pianista Danae
Dörken y a Donka Angtascheva [Elgar] para interpretar un breve, pero hermoso recorrido
por algunos de los grandes nombres de la música en el siglo XIX, comenzando por el
magnífico compositor español Pablo Sarasate (1844-1908), uno de los mayores virtuosos
que ha dado el violín en la historia, de quien se interpreta una selección de su Fantasía
sobre Carmen. Del británico Edward Elgar (1857-1934) se célebre Salut d’Amour. Para
concluir, el protagonismo de la velada lo acoge el austríaco Franz Schubert (1797-1828),
del que interpretan algunos de sus lieder en versiones para violín y piano: Gretchen am
Spinnrade, Trockne Blumen, Der Mueller und Der Bach, Auf dem Wasser Zu Singen y Die
Forelle.
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A sus veinte años, el violinista Yury Revich es ya un artista polifacético de increíble
profundidad, madurez y creatividad. Ganador de un premio ECHO Klassik 2016 como
Revelación del año, Joven artista del año 2015 en los Premios Internacionales de Música
Clásica y Joven músico del año por el Centro Beethoven de Viena, es uno de los músicos
más expresivos y versátiles de su generación. Con dieciocho años debutó en el Carnegie
Hall con Daniil Trifonov, más tarde en La Scala de Milán con el Concierto para violín de
Tchaikovsky y sus conciertos desde entonces han incluido actuaciones en la Philharmonie
de Berlín, Konzerthaus de Berlín, Musikverein de Viena, Tonhalle de Zúrich,
Konzerthaus de Viena, Gewandhaus de Leipzig, BOZAR de Bruselas y Tchaikovsky
Concert Hall de Moscú, entre muchos otros, mientras que sus grabaciones hasta la fecha
figuran en sellos como Sony Classical, así como una grabación con ARS records por la que
ganó su premio ECHO Klassik. Artista de inmensa diversidad, disfruta de una amplia gama
de intereses musicales. Ávido intérprete del barroco, colabora frecuentemente con la
clavecinista Olga Fillipova, y es un dedicado músico de cámara que colabora con artistas
de renombre. Yury interpreta varias obras dedicadas a él por compositores como
Johanna Doderer y Benjamin Rota. También vive su creatividad en el medio
cinematográfico y ha estudiado dirección, actuación y ya ha producido dos
cortometrajes propios.
En 2015 se lanzó el nuevo ciclo internacional de conciertos en Viena, titulado Friday
Nights with Yury Revich, con artistas como Paul Badura-Skoda, Sumi Jo, Ute Lemper,
Alexey Igudesman, Angelika Kirchschlager, Sunnyi Melles, Christiane Hörbiger, Ferhan y
Ferzan Önder y muchas otras apariciones de famosos. Yury también ha creado su propia
serie de conciertos y arte Kunst & Klassik kuratiert von Yury Revich en el Belvedere de
Viena. Además de actuar, Yury es un apasionado defensor de muchas causas benéficas y
filantrópicas. Coorganizó un concierto en Viena en 2011 para las víctimas del tsunami
japonés, también organizó la Primera Gala Benéfica Austriaca Todo por el Autismo en
2015. Es socio oficial de UNICEF Austria, y organiza anualmente la Gala Dreamland para
UNICEF en Viena. Las colaboraciones recientes incluyen muchas orquestas diferentes en
todo el mundo, dirigidas por algunos de los mayores talentos de la dirección orquestal actual.
Nacido en una familia de músicos, Revich empezó a tocar el violín a los cinco años. A los
siete ingresó en la Academia Central de Música del Conservatorio de Moscú como alumno
de Galina Turchaninova. Entre 2005 y 2009 estudió con Viktor Pikaizen antes de
trasladarse al Conservatorio de Viena en 2009, donde estudió con Pavel Vernikov.
Durante sus estudios en Viena fundó el Quatuor du Soleil, cuyas actuaciones abarcan desde
la música barroca hasta obras contemporáneas. Es embajador de la Escuela Internacional
Amadeus de Viena y profesor de la academia WOM de Santander. Revich toca un
Stradivarius de 1709 prestado generosamente por la Fundación de la Familia Goh.
Concierto | Yury Revich interpreta obras de Schubert, Sarasate & Elgar
Estreno sábado 4 | 21:00 Arg/Chi/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu
Sinopsis:
P. Sarasate: Fantasía sobre Carmen (sel.); E. Elgar: Salut d’Amour; F. Schubert: Gretchen am
Spinnrade, Trockne Blumen, Der Mueller und Der Bach, Auf dem Wasser Zu Singen y Die Forelle.
Y. Revich, D. Dörken & D. Angatscheva. Viena. 2019.
Enlaces de imágenes:
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Concierto | Sofia Falkovitch
Seis momentos de la liturgia judía
Estreno domingo 5 | 18:30 Arg/Chi/Uru | 17:30 Bol/Par | 16:30 Col/Ecu
Una muestra exquisita del arte cantorial de la religión judía, llevada a cabo por la mayor
especialista francesa en el ámbito desde dos evocadores lugares parisinos.
• Género: concierto, música clásica, música popular, voz, órgano.
• Intérpretes: Sofía Falkovitch [cantor], Raphael Tambyeff [órgano], coro mixto dirigido
por Hervé Oleon, Nils Wekstein [percusión].
• Año: 2021.
• Lugar: Synagogue Copernic & Museo de Arte e Historia del Judaismo, París.
• Duración: 25 minutos.
En este programa, titulado como Seis momentos de la liturgia judía, la mezzosoprano
y cantora de sinagoga Sofia Falkovitch despliega todo su conocimiento en el canto litúrgico
de la religión judía, interpretando seis breves piezas, que son explicadas así por la propia
intérprete: «Vivo en París y soy cantora de sinagoga. Hoy interpretaré seis canciones que
son significativas en el increíble repertorio de las grandes celebraciones judías. ‘Kol
Nidrei’, en arameo y con una melodía tradicional muy antigua, es una canción
emblemática del Kippur. ‘Kol Nidrei’ inicia el día de Yom Kippur, la Expiación, y libera a
los fieles de los deseos que hayan hecho durante el año, justo a tiempo para presentarse
frente a su Creador. ‘Kiddush’, de la Noche de Rosh Hashaná, está en el modo cantorial
más famoso que se llama ‘Ahava Rabbah’, el modo de llanto judío, que, como lo indica su
nombre, aumenta el aspecto festivo, expresivo y solemne. ‘Avinu Malkeinu’ es la obra
principal de la liturgia de las grandes celebraciones. Dios está representado como un
padre y un rey, y debe finalizar el año y comenzar de nuevo con un sentimiento de
arrepentimiento. Continuamos este descubrimiento con tres icónicos cantos litúrgicos del
Pésaj en arameo, hebreo y yidis, tomados del principio, mitad y final de la Hagadá del
Séder de Pésaj. ‘Vehi Sheamda’ nos hace comprender que estamos acostumbrados a los
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desafíos, y que frente a las circunstancias hemos podido levantarnos y unirnos. El Séder
de Pésaj es el tiempo de la reunión en familia y ‘Halach Ma Anya’ (el pan de aflicción que
nuestros antepasados comieron) está en arameo, que fue el idioma hablado por todos en
la época. Al final de la Hagadá, cantamos ‘Echad Mi Yodea’. Inicialmente, esta canción no
era parte del Séder. Es una canción juguetona que se cantaba durante muchas ocasiones
festivas como bodas. Más tarde, en el siglo XIV o XV, se la incluyó en el Séder. Se las canto
en yidis: ‘Mu Adabru Mu Asapru’».
«La mezzosoprano, cantante y exalumna de Concordia University, Sofia Falkovitch,
disfruta de su potente éxito internacional. Los notables talentos de Falkovitch para el
canto se extienden más allá de su voz y su presencia en el escenario, como en su dominio
del ruso, francés, alemán, hebreo, yiddish, español e inglés. Su rango de canto es amplio,
bellamente coloreado, mientras que su técnica es a la vez texturizada y compleja. Su
perspectiva optimista y pragmática prevé una forma de unirse, de tender un puente sobre
la división del mosaico derribando muros y prejuicios, todo ello a través del don de la
música». Así ha descrito la Concordia University de Montreal, el alma mater de Falkovitch,
la manera de entender la música y el canto de artistas de enormes proporciones
artísticas.
Nacida en Moscú y residente en París, es la primera mujer cantor formada y ordenada
en Europa y la única en Francia. Estudió en Israel, Alemania y Canadá, formándose con
codiciados profesores de canto y maestros de música judía, entre los que se encuentran
Reine Décarie (Escuela de Música Vincent d'Indy), Madeleine Thériault (Escuela de Música
McGill Schulich), Marina Levitt y Penina Schwartz (Academia de Música y Danza de
Jerusalén), Eliyahu Schleifer (Colegio de la Unión Hebrea de Jerusalén), Nino Sandow
(Academia de Música Hanns Eisler, Berlín), Verena Rein (Universidad de las Artes de Berlín)
y Theresa Brancaccio (Escuela de Música de la Bienal del Noroeste). Aprendió artes
cantoriales en la Escuela de Música Sacra del Hebrew Union College y en el Instituto
Steinsaltz de Jerusalén. También estudió en el Colegio Abraham Geiger de Berlín y en la
Universidad de Potsdam, completando su tesis sobre el compositor Samuel Naumbourg y
su influencia en la música de las sinagogas en Europa. Si bien la principal especialidad de
Sofía es la música sagrada judía y la canción artística yiddish, también cuenta con un
amplio repertorio no judío en varios géneros y estilos y colabora con artistas
internacionales. El diálogo intercultural e interreligioso es el núcleo de su trabajo
creativo. Sofía es una embajadora de su fe y una de las principales voces de su generación
para su público. Por ello, canta en lugares de culto, catedrales y sinagogas que
representan a todas las grandes ramas del judaísmo contemporáneo.
Concierto | Sofia Falkovitch
Seis momentos de la liturgia judía
Estreno domingo 5 | 18:30 Arg/Chi/Uru | 17:30 Bol/Par | 16:30 Col/Ecu
Seis momentos de la liturgia judía. Sofía Falkovitch [cantor], Raphael Tambyeff [órgano], Hervé
Oleon [dir. coro], Nils Wekstein [percusión]. Synagogue Copernic & Museo de Arte e Historia del
Judaismo, París. 2021.
Enlaces de imágenes:
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Concierto | Cello Duello [Escuela Reina Sofía]
Obras de Haydn, Paganini & Weber
Estreno domingo 5 | 19:00 Arg/Chi/Uru | 18:00 Bol/Par | 17:00 Col/Ecu
Jens Peter Maintz y Wolfgang Schmidt se unen en este concierto para demostrar las
múltiples posibilidades de un dúo de violonchelos, desde este gran centro musical.
• Género: concierto, música clásica, música romántica, violonchelo.
• Intérpretes: Cello Duello: Jens Peter Maintz y Wolfgang Schmidt [violonchelo].
• Año: 2020.
• Lugar: Auditorio Sony, Madrid.
• Duración: 27 minutos.
Bajo el nombre de Cello Duello se esconde este dúo de violonchelistas conformado por
Jens Peter Maintz y Wolfgang Schmidt, un concierto dentro del Ciclo Maestros
programado por la Escuela Superior de Música Reina Sofía. En programa una serie de obras,
bien originales o bien en arreglos para su formación realizadas por algunos autores o por
ellos mismos. Aquí se ofrece una selección de obras y compositores de este concierto: Dúo
en sol mayor, Hob. XII:1, de Franz Joseph Haydn (1732-1809); Cantabile para violín y piano
en re mayor, Op. 17, de Niccolò Paganini (1782-1840) [arr. Cello Duello]; Adagio y Rondo
para armonicordio y orquesta en fa mayor, J. 115, de Carl Maria von Weber (1786-1826)
[trans. para dos violonchelos de G. Piatigorsky].
Jens Peter Maintz, originario de Hamburgo, estudió con David Geringas y otros
importantes violonchelistas. En 1994 ganó el primer premio del Concurso Internacional
ARD que hacía diecisiete años que no se otorgaba a un violonchelista. Fue principal chelista
de la Orquesta Sinfónica Alemana de Berlín y, actualmente, lo es de la del Festival de
Lucerna, elegido por Claudio Abbado. Como solista ha sido dirigido por Vladimir
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Ashkenazy y Herbert Blomstedt, entre otros. Como músico de cámara es miembro del
ciclo Spectrum Concerts Berlin. En 1994 fundó el dúo Cello Duello con Wolfgang Emanuel
Schmidt. Es miembro del Trío Fontenay. Obtuvo un premio ECHO Klassik por su disco con
Sony Classical de obras de Bach, Dutilleux y Kodály. Con Berlin Classics ha grabado los
conciertos de violonchelo de Haydn con la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen.
Desde 2004 es profesor de la Universidad de las Artes de Berlín y, desde 2018 de la
Cátedra de Violonchelo Aline Foriel-Destezet de la Escuela Superior de Música Reina
Sofía. Toca un «Ex-Servais» de Giovanni Grancino fabricado en 1697. Por su parte,
Wolfgang Schmidt nació en Friburgo y estudió con Aldo Parisot en la Escuela Juilliard de
Nueva York y con David Geringas en la Escuela Superior de Música de Lübeck, ganando
el primer premio en el Concurso Nacional de Música de Bonn, así como otros galardones
en el Concurso Internacional Rostropovich y en el Concurso Internacional Tchaikovski de
Moscú. Schmidt ha actuado como solista junto con orquestas tan prestigiosas como la
Gewandhaus de Leipzig o la Sinfónica de Berlín. Ha tocado en numerosas salas principales
de todo el mundo, como el Wigmore Hall en Londres, Carnegie Hall y el Alice Tully Hall
en Nueva York, Kennedy Center en Washington o el Suntory Hall de Tokyo. Se dedica
especialmente a la música de cámara y ya ha actuado junto con artistas de la talla de
Lang Lang, Christoph Eschenbach, Emanuel Ax, Gil Shaham, Nicolaj Znaider, Leonidas
Kavakos, Kyoto Takezawa, Miriam Fried, Edgar Meyer y David Shifrin.
La Escuela Superior de Música Reina Sofía está considerada como una de las mejores
escuelas de Europa para jóvenes talentos que desean dedicarse profesionalmente a la
música. Fundada en 1991 por Paloma O’Shea como centro de alta formación profesional
con un doble objetivo: apoyar el desarrollo de jóvenes músicos y acercar la música a la
sociedad. Fue creada con la ayuda de grandes maestros como Y. Menuhin, M.
Rostropovich, A. de Larrocha y Z. Mehta. Cuenta con el apoyo de instituciones públicas
y entidades privadas. El acceso a la ESMRS se realiza mediante un proceso de audiciones
en el que el único criterio de selección es el talento. Todos los alumnos disfrutan de
matrícula gratuita gracias a las becas aportadas por los mecenas. Cada año, ciento
cincuenta estudiantes procedentes de más de treinta países se dan cita con los mejores
profesores del mundo en un edificio excepcional en el centro de Madrid. Desde su
fundación ha formado a más de ochocientos músicos que hoy ocupan puestos destacados
en orquestas, desarrollan exitosas carreras como solistas o enseñan a jóvenes músicos
en las mejores escuelas. Organiza más de trescientos conciertos al año, que acogen a
más de sesenta mil espectadores.
Concierto | Cello Duello [Escuela Reina Sofía]
Obras de Haydn, Paganini & Weber
Estreno domingo 5 | 18:30 Arg/Chi/Uru | 17:30 Bol/Par | 16:30 Col/Ecu
Sinopsis:
F.J. Haydn: Dúo en sol mayor, Hob. XII:1; N. Paganini: Cantabile para violín y piano, Op. 17; C.M.
von Weber: Adagio y Rondo para armonicordio y orquesta, J. 115. Cello Duello: J.P. Maintz & W.
Schmidt. Auditorio Sony, Madrid. 2020.
Enlaces de imágenes:
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Concierto | ECOS Festival
El Manuscrito de Totana
Estreno viernes 10 | 21:00 Arg/Chi/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu
La esplendorosa polifonía vocal española del siglo XVI cobra vida, con interpretaciones de
algunas obras inéditas, en las voces del joven conjunto Cantoría.
• Género: concierto, música clásica, música renacentista, vocal, órgano.
• Intérpretes: Cantoría: Inés Alonso, Victoria Cassano [sopranos], Oriol Guimerá, Daniel
Folqué [altos], Jorge Losana, Martí Doñate [tenores], Valentín Miralles, Juan Laborería
[bajos]; Joan Seguí [órgano portativo].
• Año: 2021.
• Lugar: Iglesia de Santiago «El Mayor», Totana [Región de Murcia, España].
• Duración: 52 minutos.
Uno de los aspectos más interesantes y fundamentales en la música del pasado es la
recuperación de patrimonio musical que permanecía olvidado. El fruto de las
investigaciones llevadas a cabo por investigadores y musicólogos para ponerlas al servicio
de los intérpretes dan como resultados programas como este que aquí se presenta, en el
que el conjunto vocal español Cantoría, con dirección artística del tenor Jorge Losana,
interpreta el llamado Manuscrito de Totana, que recoge obras, algunas de ellas inéditas,
que se interpretan por primeras tras siglos en el olvido. Música de enorme calidad que
muestra el apogeo de la polifonía vocal sacra en la España del siglo XVI. Concierto grabado
en colaboración con el ECOS Festival de Sierra Espuña, uno de los festivales emergentes
de música antigua más consolidados en España.
Descubierto en el verano de 2017 por Jorge Losana y los cantantes del grupo Cantoría
en la iglesia de Santiago «El Mayor» de Totana (Región de Murcia), se trata de un
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manuscrito que se remonta al siglo XVI y que contiene una treintena de obras de
polifonía sacra de diferentes autores españoles relacionados con las catedrales
andaluzas, especialmente la de Granada, algunas de las cuales eran desconocidas hasta
su hallazgo. Entre las obras se encuentran motetes, salmos para vísperas y dos misas, y
además de su importancia a nivel musical, suponen un testimonio fiel de la época y su
contexto histórico-cultural. Aunque la mayoría de la música del documento proviene del
siglo XVI, la firma es de 1805, lo cual lo convierte en un manuscrito tardío. Ello nos habla
de cómo la polifonía del período renacentista pervivió en las catedrales y espacios
religiosos durante varios siglos, contribuyendo así a la convivencia de la música de
diferentes periodos históricos. Además, el intercambio cultural de estos momentos se
hace patente en el Manuscrito de Totana, pues en sus páginas se encuentran obras de
autores de procedencia murciana, valenciana, sevillana, cordobesa y granadina. Así, se
recogen aquí obras de Francisco Guerrero, Rodrigo de Ceballos, Santos de Aliseda, Tadeo
Tornel y Magister Pontac, entre otros, así como otras pequeñas piezas anónimas, además
de siete salmos y nueve versiones de Magnificats de Juan Navarro. Tras su
descubrimiento, el siguiente paso fue constatar la relevancia del hallazgo y su posible
repercusión musical y musicológica. La iniciativa forma parte del proyecto del Centro
Superior de Investigaciones Científicas de España Polifonía hispana y música de tradición
oral en la era de las Humanidades digitales, adscrito a la Institución Milà y Fontanals,
dirigido por los investigadores Emilio Ros-Fábregas y María Gembero-Ustárroz. Así, la
restauración del Manuscrito de Totana corrió a cargo del Archivo General de la Región de
Murcia; de la parte de transcripción se encargó Antonio Pardo, de la facultad de educación
de la Universidad de Murcia; Emilio Ros-Fábregas, investigador del CSIC, fue el encargado
de la parte de estudio e investigación. Este hallazgo se presentó el 3 de julio de 2019
en el Congreso Internacional de Música Medieval y Renacentista de Basilea [MedRen] por
el propio Ros-Fábregas.
Conjunto vocal especializado en la interpretación de polifonía vocal del Renacimiento
ibérico, el cuarteto vocal Cantoría fue seleccionado en EEEmerging (2018), programa
europeo de cooperación para el fomento de ensembles emergentes, donde obtuvieron el
Premio del público y donde fue elegido para seguir formando parte del programa durante
tres años. También ha enriquecido su experiencia con la participación en residencias
artísticas de La Cité de la Voix de Vézelay (2018), Ghislierimusica de Pavía (2019) o en
proyectos como MusaE (2018 y 2019) del Ministerio de Cultura y Deporte de España o el
circuito FestClásica (2019) de la Asociación Española de Festivales de Música Clásica.
Nacido en el seno de la Escuela Superior de Música de Catalunya (Barcelona), Cantoría
tomó forma en el ECOS Festival durante el verano de 2016.
Concierto | ECOS Festival
El Manuscrito de Totana
Estreno viernes 10 | 21:00 Arg/Chi/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu
Sinopsis:
Obras de Rodrigo de Ceballos, Santos de Aliseda, Magister Pontac, Francisco Guerrero y Juan
Navarro. Cantoría | Jorge Losana. Iglesia de Santiago «El Mayor», Totana [Región de Murcia,
España]. 2021.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00942_ECOS_Festival_El_Manuscrito_de_Totana_1.jpg
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00942_ECOS_Festival_El_Manuscrito_de_Totana_2.jpg
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Concierto | Filarmónica de la Rep. Checa &
Jakub Hrůša
Interpretan Suk, Haas & Janáček
Estreno sábado 11 | 21:00 ArgChi//Uru | 20:00 Bol/Par| 19:00 Col/Ecu
Magnífica velada de música checa a cargo de la orquesta más importante del país, bajo la
dirección de uno de los grandes especialistas del repertorio.
Fotografías: © Petra Hajska.
• Género: concierto, música clásica, música romántica, música postromántica, orquestal.
• Director: Jabub Hrůša.
• Orquesta: Filarmónica de la República Checa.
• Año: 2020.
• Lugar: Rudolfinum, Praga.
• Duración: 54 minutos.
Una de las orquestas más importantes del panorama mundial, y símbolo excepcional
de la música checa, bohemia, morava y de otras regiones del país desde hace décadas, la
Filarmónica de la República Checa, se presenta de nuevo, aquí bajo la dirección de su
principal director invitado Jakub Hrůša, para ofrecer un programa que lleva por título
Una noche de música checa. Interpretan las siguientes obras, de importantes
compositores del país: Scherzo Fantastique, Op. 25, de Josef Suk (1874-1935); Scherzo
Fantastique, Op. 25, de Pavel Hass (1899-1944) y Taras Bulba, una rapsodia para orquesta,
de Leoš Janáček (1854–1928).
Sábado, 4 de enero de 1896; 19:30. Estas fueron la fecha y hora exactas del primer
concierto de la Filarmónica de la República Checa. Los iniciadores de la Sociedad para
13 www.allegrohd.comAllegroHDdestacados de programaciónseptiembre 2021
el Mantenimiento de una Gran Orquesta en la ciudad de Praga, fundada en 1882, vieron
cumplidos sus pensamientos gracias a la Filarmónica Checa y a Dvořák, quien aquel sábado
le ofreció a la Filarmónica checa lo mejor de sí con «honestidad, coraje y una poderosa
y evidente muestra de su excelencia». El 7 de junio de 1894, la Oficina del Gobernador
de Praga aprobó los estatutos que fundaron oficialmente la Filarmónica Checa, una
organización para la mejora del arte musical en Praga y una creación de pensiones para
los miembros de la Orquesta del Teatro Nacional en Praga, sus viudas y sus huérfanos.
Hasta 1901, la Filarmónica checa seguía siendo una salida noble como actividades de
tiempo libre para los músicos del Teatro Nacional, que se comprometieron a dar al menos
cuatro grandes conciertos sinfónicos con obras nacionales e internacionales anualmente.
El dinero que ganaran con estos conciertos se destinaría a un fondo creado para ayudar a
los miembros de la organización que ya no podían tocar, así como a los familiares de
músicos fallecidos. La orquesta fue desarrollándose y avanzando a lo largo del siglo XX,
de la mano de sus principales maestros en estos más de ciento veinte años de vida: Vilém
Zemánek, Karel Ančerl, Václav Neumann y, sobre todo, Rafael Kubelík. En palabras del
propio Jakub Hrůša: «La Filarmónica Checa está muy cerca de mi corazón artística y
personalmente. Con la principal orquesta de nuestro país he vivido repetidamente
momentos de belleza y profundo sentimiento en el podio. Considero un honor poder
seguir formando parte de la familia musical más íntima de la Filarmónica Checa, junto al
director titular Semyon Bychkov y junto a mi maravilloso colega Tomáš Netopil».
El checo Jakub Hrůša es actualmente director principal de la Sinfónica de Bamberg,
principal director invitado de la Orquesta Philharmonia, además del principal director
invitado de la Filarmónica Checa. Estudió dirección de orquesta en la Academia de Artes
Escénicas de Praga, donde tuvo como profesor a Jiří Bělohlávek. Actualmente es
presidente del Círculo Internacional Martinů y de la Sociedad Dvořák, y fue el destinatario
inaugural del Premio Sir Charles Mackerras. En 2020 recibió sendas nominaciones al ICMA
y al Grammy, y fue galardonado con el Premio Antonín Dvořák de la Academia de Música
Clásica de la República Checa. Es uno de los máximos especialistas en el ámbito del
repertorio de los compositores checos de los siglos XIX y XX, a los que dedica gran parte
de su tiempo. Es invitado de forma habitual para dirigir a muchas de las mejores
orquestas del mundo. Como director de ópera es un habitual del Festival de
Glyndebourne, pero también ha sido invitado a escenarios de la importancia de la Royal
Opera House, la Ópera Estatal de Viena, la Ópera de Zúrich y la Ópera Nacional de París.
Entre sus grabaciones más destacadas se encuentran sus últimos lanzamientos que
incluyen Sinfonías de Dvořák y Brahms con la Sinfónica de Bamberg (Tudor), la Sinfonía
Asrael de Suk con la Sinfónica de la Radio de Baviera (BR Klassik), y el Requiem y el Te
Deum de Dvořák con la Filarmónica Checa (Decca).
Concierto | Filarmónica de la Rep. Checa & Jakub Hrůša
Interpretan Suk, Haas & Janáček
Estreno sábado 11 | 21:00 ArgChi//Uru | 20:00 Bol/Par| 19:00 Col/Ecu
Sinopsis
Josef Suk: Scherzo Fantastique, Op. 25; Pavel Haas: Scherzo Triste, Op. 5; Leoš Janáček: Taras
Bulba, una rapsodia para orquesta. Filarmónica de la República Checa | Jakub Hrůša. Rudolfinum,
Praga. 2020.
Enlaces de imágenes:
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Concierto | Una noche de música española
[Escuela Reina Sofía]
Estreno domingo 12 | 19:00 Arg/Chi/Uru | 18:00 Bol/Par | 17:00 Col/Ecu
Una velada centrada en la música española de los siglos XIX y XX, con Luis Fernando Pérez
acompañado por algunos destacados alumnos de la Escuela Reina Sofía.
• Género: concierto, música clásica, música romántica, violín, piano.
• Intérpretes: Luis Fernado Pérez, Tomás Alegre, Manuel Alonso–Bartol, Cristina Sanz,
Balász Itsván, Izem Gürer [piano], Grupo Scarlatti de Casa de la Moneda: Zabdiel
Hernández, María Ramos [violín], Álvaro Castelló [viola], Guillem Gràcia [violonchelo],
Cristina Sanz [piano].
• Año: 2020.
• Lugar: Auditorio Sony, Madrid.
• Duración: 77 minutos.
Bajo el elocuente título de Una noche de música española, la velada musical que aquí
se propone, una vez más en colaboración con la Escuela Superior de Música Reina Sofía
de Madrid, realiza un interesante recorrido por la producción pianística de dos de los
grandes nombres de la música española de la segunda mitad del siglo XIX: Isaac Albéniz
(1860-1909) y Enrique Granados (1867-1916). De ellos se interpretan las siguientes piezas,
comenzando por el primero de ambos: una selección de su primer libro de Iberia, que
contiene Evocación, El Puerto, Málaga, Rondeña y El Albaicín. Del segundo se interpretan
dos obras pianísticas, como son Quejas, o La maja y el ruiseñor, de su colección Goyescas,
así como El pelele; la otra obra pertenece al ámbito de la música de cámara, su Quinteto
con piano en sol menor, Op. 49. Completa programa el célebre Claro de luna, de la Suite
Bergamasque de Claude Debussy (1862-1918).
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Las obras llegan interpretadas por el extraordinario pianista español Luis Fernando
Pérez, a quien acompañan una imponente selección con algunos de los alumnos
destacados de la Escuela Reina Sofía en el piano, como son Tomás Alegre, Manuel Alonso–
Bartol, Cristina Sanz, Balász Itsván e Izem Gürer. La obra de cámara llega en versión del
Grupo Scarlatti de Casa de la Moneda, que conforman Zabdiel Hernández, María Ramos
[violín], Álvaro Castelló [viola], Guillem Gràcia [violonchelo] y Cristina Sanz [piano].
Alabado por su virtuosismo, su colorido juego y su extraordinaria y rara capacidad de
comunicarse directamente con su público, Luis Fernando Pérez es considerado uno de los
artistas más excepcionales de su generación y «El renacimiento del piano español» (Le
Monde). Aplaudido por unanimidad por los críticos mundiales y propietario de numerosos
premios como el Premio Franz Liszt (Italia) y el Premio Granados-Alicia de Larrocha
(Barcelona), es dueño también de la Albéniz Medall, que le fue entregada por su destacada
interpretación de Iberia. Ha sido considerado por la revista Gramophone como «uno de los
cuatro míticos» (junto con Esteban Sánchez, Alicia de Larrocha y Rafael Orozco). Luis
Fernando pertenece a este raro grupo de músicos destacados que han sido enseñados por
artistas legendarios: con Dimitri Bashkirov y Galina Egyazarova, alumnos del gran
Alexander Goldenweiser; más adelante con Pierre-Laurent Aimard y con la gran pianista
española Alicia de Larrocha y su asistente Carlota Garriga, en la Academia Marshall en
Barcelona. Es precisamente en la Academia Marshall al lado de Larrocha donde se
especializa en la interpretación de la música española, obteniendo su Maestría en
Interpretación de la Música Española y donde también trabaja todo el piano de Federico
Mompou con su viuda Carmen Bravo. También recibió lecciones continuas y clases
magistrales de grandes artistas como Leon Fleisher, Andras Schiff, Bruno-Leonardo
Gelber, Menahen Pressler, Fou Tsong y Gyorgy Sandor. Ha colaborado con numerosas
orquestas y junto a grandes directores como Ros Marbá, Georges Tchitchinadze, Kazuki
Yamada, Jesús López Cobos, Jean-Jacques Kantorow, Dimitri Liss, Paul Daniel, Rumon
Gamba y Carlo Rizzi. Luis Fernando realiza numerosas giras mundiales y ha actuado en
muchos de los mejores festivales y escenarios del mundo. También mantiene una intensa
actividad como músico de cámara colaborando con colegas como Marta Gulyas, Gerard
Caussé, Leticia Moreno, Momo Kodama, Cuarteto Casals, Cuarteto Bartok, Cuarteto
Ardeo, Cuarteto Enesco, Cuarteto Modigliani y Adolfo Gutiérrez Arenas. A pesar de su
juventud, Luis Fernando tiene un extenso catálogo de grabaciones que han recibido
numerosos premios. Junto con su frenética actividad, Luis Fernando mantiene una intensa
dedicación a la enseñanza en el Centro Superior Katarina Gurska (Madrid), la Academia
Marshall en Barcelona y el Conservatorio Superior de Música de Aragón.
Concierto | Una noche de música española [Escuela Reina Sofía]
Estreno domingo 12 | 19:00 Arg/Chi/Uru | 18:00 Bol/Par | 17:00 Col/Ecu
Sinopsis:
Obras de Isaac Albéniz, Enrique Granados & Claude Debussy. Luis Fernando Pérez, Tomás Alegre,
Manuel Alonso–Bartol, Cristina Sanz, Balász Itsván, Izem Gürer & Grupo Scarlatti de Casa de la
Moneda. Auditorio Sony, Madrid. 2020.
Enlaces de imágenes:
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www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00905_Una_noche_de_musica_española_Escuela_Reina_Sofia_2.jpg
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Documental | Rachmaninoff revisitado
Un documental de Peter Rosen
Estreno viernes 17 | 21:00 Arg/Chi/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu
El primer gran documental que recorre aspectos inéditos de uno de los compositores rusos
más importantes, con interpretaciones y entrevistas para esclarecer su figura.
• Género: documental, música clásica, música romántica, piano, orquestal.
• Intérpretes: The 5 Browns, Denis Matsuev, Yefim Bronfman, Barry Douglas, Mikhail
Pletnev, Valentina Lisitsa, Anna Fedorova, Nobuyuki Tsujii, Olga Kern, Alexander Kobrin.
• Director: Peter Rosen [documental]; Kristjan Jarvi, James Conlon, Yuri Temirkanov,
Marco Panteleev, Gerard Oskamp, Michael Tilson Thomas, Simon Rattle.
• Orquesta: Baltic Youth Philharmonic, Fort Worth Symphony, Filarmónica de San
Petersburgo, Verbier Festival Orchestra, Nordwestdeutsche Philharmonie, Philharmonie
Sudwestfalen, Sinfónica de Londres, Filarmónica de Berlín.
• Año: 2020.
• Duración: 52 minutos.
Rachmaninoff revisitado es la primera biografía completa en versión documental del
gran compositor ruso Sergei Rachmaninov (1873-1943). Dirigida por Peter Rosen, en ella
se incluyen comentarios e interpretaciones de los pianistas más respetados de la
actualidad, en una historia de superación de graves dificultades y de redención final a
través del poder de la música. Celebrado en su época no solo como un gran compositor,
también fue admirado como un pianista excepcional que fue un intérprete sin igual de
sus propias obras, incluyendo los conciertos para piano y la Rapsodia sobre un tema de
Paganini. Es bien sabido que fue el único pianista capaz de interpretar su más exigente
Tercer concierto para piano y sus interpretaciones y grabaciones del concierto llegaron a
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considerarse como las definitivas. La relación entre la ejecución, la interpretación y la
propia vida de Rachmaninov es abordada en este filme por los pianistas entrevistados.
Se explorará en él la evolución de la interpretación en las últimas décadas y se
escucharán breves extractos de grabaciones de Rachmaninov en contraste con las
interpretaciones contemporáneas de pianistas muy conocidos en la actualidad, mientras
se comentan las diferencias (o similitudes) de su enfoque. Esta película documental es la
primera que explora los estilos de interpretación del repertorio pianístico de
Rachmaninov. Visto desde una perspectiva amplia, el documental se centrará en el
peligro de que un músico se vea atado y obstaculizado por la tradición, en lugar de ser
capaz de utilizar el conocimiento del pasado para liberar su enfoque e infundir a las
interpretaciones el mismo sentido de libertad improvisatoria con el que Rachmaninov
abordó su propia obra en su época. Asimismo, los aspectos relevantes de su vida en
relación con estos pensamientos sobre la interpretación, la composición y la ejecución
serán articulados por la generación actual de pianistas, en el contexto de su propia vida
y experiencias personales. La historia biográfica de Rachmaninov, ilustrada con imágenes
de archivo, arte y fotografías, con sus alegres y deprimentes altibajos, estructurará la
evolución de las entrevistas y los extractos de actuaciones de la película. Otro factor
organizador son los extractos musicales de la interpretación de cada pianista de la
literatura pianística de Rachmaninov. Se irán emitiendo partes de los conciertos y de la
Rapsodia hasta que se haga evidente el efecto acumulativo de las obras completas. Es,
sin duda, un documental de una gran importancia, tanto histórica como musical, porque
sitúa al compositor ruso en el nivel audiovisual que una figura de su transcendental
importancia merece.
Las entrevistas incluyen a los siguientes intérpretes: The 5 Browns, Denis Matsuev,
Yefim Bronfman, Barry Douglas, Mikhail Pletnev, Valentina Lisitsa, Anna Fedorova,
Nobuyuki Tsujii, Olga Kern y Alexander Kobrin. Por su parte, se interpretan las siguientes
obras de su magnífico catálogo compositivo: Rapsodia sobre un tema de Paganini en la
minor, Op. 43; Études-Tableaux, Op. 33; Sinfonía n.º 1 en re menor, Op. 13; Concierto para
piano en do menor, Op. 18, Concierto para piano n.º 3 en re menor, Op.30 y Elegia en mi
bemol menor, Op. 3. Estas obras aparecen interpretadas por las siguientes orquestas y
directores, de primer nivel mundial: Baltic Youth Philharmonic y Kristjan Jarvi, Fort
Worth Symphony y James Conlon, Filarmónica de San Petersburgo y Verbier Festival
Orchestra con Yuri Temirkanov, Nordwestdeutsche Philharmonie y Marco Panteleev,
Philharmonie Sudwestfalen y Gerard Oskamp, Sinfónica de Londres y Michael Tilson
Thomas, Filarmónica de Berlín y Simon Rattle.
Documental | Rachmaninoff revisitado
Un documental de Peter Rosen
Estreno viernes 17 | 21:00 Arg/Chi/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu
Sinopsis:
Rachmaninoff revisitado – Un documental de Peter Rosen. Entrevistas a grandes pianistas, que
interpretan sus obras junto a algunas de las mejores orquestas y directores del mundo. 2020.
Enlaces de imágenes:
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Concierto | Philippe Herreweghe dirige al
Collegium Vocale Gent
Monteverdi, Pärt, Bruckner & Messiaen
Estreno sábado 18 | 21:00 Arg/Chi/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu
Estreno mundial de la obra de Arvo Pärt dedicada a Jan van Eyck en su efeméride y la
restauración de su monumental Políptico del Cordero místico en la ciudad de Gante.
• Género: concierto, música clásica, música renacentista, música romántica, música
contemporánea, coral, órgano.
• Intérpretes: Collegium Vocale Gent; Maude Gratton [órgano].
• Director: Philippe Herreweghe.
• Año: 2020.
• Lugar: Catedral de San Bavón, Gante.
• Duración: 41 minutos.
Für Jan van Eyck es el nombre de una obra del estonio Arvo Pärt (1935), compuesta
para coro mixto y órgano. La iniciativa de crear esta pieza partió del magnífico y
archiconocido conjunto vocal belga Collegium Vocale Gent, y fue encargada por la ciudad
flamenca de Gante dentro de las celebraciones en el año 2020 de la figura del genial
pintor del siglo XV Jan van Eyck. Se pidió a Pärt, uno de los compositores vivos más
apreciados e interpretados, especialmente en el ámbito de la música coral, que
compusiera una nueva obra para la inauguración del retablo recién restaurado en 2020,
situado en la Catedral de San Bavón de Gante. La pieza central del Políptico del Cordero
místico, pintada por los hermanos Hubert y Jan van Eyck, representa precisamente dicha
escena, considerada una de las mayores obras maestras del arte renacentista. El propio
cuadro inspiró a Arvo Pärt a volver a sus obras anteriores, en las que ya había tratado este
19 www.allegrohd.comAllegroHDdestacados de programaciónseptiembre 2021
tema. Annum per annum, Für Jan van Eyck [Año por año, Para Jan van Eyck] se basa en la
música del Agnus Dei [Cordero de Dios], la última sección de su Berliner Messe (1990).
El estreno mundial tuvo lugar el 22 de septiembre de 2020, en interpretación del propio
Collegium Vocale, bajo la dirección de su fundador, el genial Philippe Herreweghe.
El concierto formaba parte del Festival de Flandes de Gante OMG! Van Eyck estuvo
aquí. El coro, fundado por el legendario director de orquesta Philippe Herreweghe, también
celebró su 50.º aniversario con este concierto. Este evento, celebrado en la propia
catedral de la ciudad, se completó con obras vocales de algunos de los más exquisitos
compositores desde el siglo XVI hasta el XX: el italiano Claudio Monteverdi (1567-1643),
con Kyrie, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei de la Missa a quattro voci da capella; el austríaco
Anton Bruckner (1824-1896), con sus motetes «Locus iste» y «Os justi»; además del francés
Olivier Messiaen (1908–1992), con su obra «Dieu parmi nous», último movimiento de su obra
para coro y órgano La Nativité du Seigneur.
El Collegium Vocale Gent fue fundado en 1970 bajo la iniciativa de Philippe
Herreweghe, por un grupo de amigos estudiantes de la Universidad de Gante. Fue uno de
los primeros ensembles que aplicó el novedoso enfoque historicista en música vocal
barroca. Su visión auténtica, con respeto a los textos y retórica, dio al ensemble el sonido
transparente con el que se ha ganado fama internacional. Desde 2007 el ensemble dirige
su propio festival de verano, el Collegium Vocale Crete Senesi, en la Toscana. En los
últimos años, Collegium Vocale Gent ha crecido orgánicamente, convirtiéndose en un
ensemble extremamente flexible, cuyo amplio repertorio engloba una gran gama de
distintos periodos estilísticos. La fortaleza principal del conjunto es su habilidad de
formar la combinación ideal según qué proyecto. La música renacentista, por ejemplo,
se interpreta con un pequeño grupo de solistas. El Barroco alemán, particularmente la
obra vocal de J.S. Bach, llegó a ser en poco tiempo la especialidad del grupo y sigue
todavía siendo la «joya de la corona». Collegium Vocale se está especializando también
cada vez más en el repertorio romántico, oratorio contemporáneo y moderno,
interpretado con el coro sinfónico de hasta ochenta cantantes. Aparte de usar su propia
orquesta barroca, Collegium Vocale Gent trabaja con varios ensembles de instrumentos
originales para presentar estos proyectos. Bajo la dirección de Philippe Herreweghe ha
construido una impresionante discografía, contando con más de cien grabaciones, la
mayoría de ellas con los sellos discográficos Harmonia Mundi France y Virgin Classics. En
2010 Herreweghe creó su propio sello φ (phi), con el fin de tener una completa libertad
artística para construir un amplio y variado catálogo. Desde entonces, han grabado más
de veinte grabaciones de música vocal de Bach hasta Dvořák.
Concierto | Philippe Herreweghe dirige al Collegium Vocale Gent
Monteverdi, Pärt, Bruckner & Messiaen
Estreno sábado 18 | 21:00 Arg/Chi/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu
Sinopsis:
A. Pärt: Annum per annum, Für Jan van Eyck; C. Monteverdi: Missa a quattro voci da cappella; A.
Bruckner: «Locus iste», «Os justi»; O. Messiaen: «Dieu parmi mous», de La Nativité du Seigneur.
Catedral de San Bavón, Gante. 2020.
Enlaces de imágenes:
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