Paloma Demasi Casal La puesta en escena virtual - El usuario en una nueva realidad - Universidad de Palermo
←
→
Transcripción del contenido de la página
Si su navegador no muestra la página correctamente, lea el contenido de la página a continuación
La puesta en escena virtual
El usuario en una nueva realidad
Paloma Demasi Casal
0101005
Lic. En diseño de espectáculos
Categoría: Investigación
Línea temática: Nuevas tecnologías
Fecha de entrega: 07/06/2021
0La puesta en escena virtual
El usuario en una nueva realidad
Paloma Demasi Casal
0101005
Lic. En diseño de espectáculos
Categoría: Investigación
Línea temática: Nuevas tecnologías
Fecha de entrega: 07/06/2021
1Índice
Introducción 3
Capítulo 1: Puesta en escena y virtualidad 9
1.1 La puesta en escena 10
1.2 La teatralidad en relación con la tecnología 16
1.3 Escenografía y realidad virtual 21
Capítulo 2: Características de la Realidad Virtual 25
2.1 Origen de la tecnología 26
2.2 Realidad Virtual como herramienta creativa 28
2.3 Realidad Virtual en el arte 32
Capítulo 3: Nueva realidad 36
3.1 Virtualidad como una nueva realidad 37
3.2 Uso de aparatos tecnológicos en el cuerpo humano 41
3.3 Unión de lo físico con lo virtual 48
Capítulo 4: El usuario de la Realidad Virtual 53
4.1 Creación de personaje-avatar 53
4.2 Cuerpo virtual 60
4.3 Inmersión del usuario en la realidad virtual 63
Capítulo 5: El espacio escénico virtual 68
5.1 Superar el espacio físico 68
5.2 La espacialidad en la Realidad Virtual 72
5.3 El usuario dentro de la puesta en escena de la Realidad Virtual 75
Conclusiones 80
Referencias Bibliográficas 87
Bibliografía 90
2Introducción
El presente Proyecto de Graduación se titula Puesta en escena virtual: el usuario en una
nueva realidad. El objeto de estudio es investigar el uso de la espacialidad desde el diseño
y el usuario de la realidad virtual para lograr un análisis fundamentado.
A partir de la concepción fundante de la espacialidad según el escenario como dispositivo
teatral, surge la problemática de cómo es la concepción de presencia física en una realidad
virtual. A partir de la interrogante el Proyecto de Graduación propone hacer un recorrido
analítico a través de la historia, teorías del teatro y la Realidad Virtual para indagar y
responder a esta pregunta en conjunto con entrevistas a informantes claves.
Dentro de la tecnología mencionada anteriormente existe un gran desarrollo en el campo
de los videojuegos, pero no es así en el teatro. A la hora de adentrarse en la realidad virtual,
se utiliza el cuerpo como mediador y gestor de movimientos pero esas intenciones se
gestan y toman forma dentro de otra realidad no tangible en el espacio físico. Analizar como
funciona la espacialidad en relación con el cuerpo físico dentro de la puesta en escena es
pertinente en un momento en el que se utiliza la tecnología como herramienta principal
para estar presentes en lugares en los que no se puede estar presencialmente. Este es el
rol fundamental que cumple la RV, proporcionar al usuario la herramienta de sumergirse
en una realidad que le permita presentarse en cualquier parte del mundo, poder superar
los límites del espacio físico y así satisfacer sus fantasías que parecían ser imposibles.
Siendo el objetivo generar una unión entre un arte ancestral y una tecnología que se
encuentra en constante desarrollo y en su auge, surge la pregunta problema: ¿Cómo
comprende el usuario su propio cuerpo dentro de la puesta en escena de la realidad virtual?
El objetivo principal es analizar el uso de la espacialidad en la Realidad Virtual en relación
con el usuario como elemento principal en la puesta en escena. Los objetivos específicos
son describir los recursos para el diseño o desarrollo de una RV, analizar la relación entre
puesta en escena y RV, indagar sobre la realidad y la virtualidad y analizar el concepto de
espacialidad en relación con el usuario.
3El PG pertenece a la categoría de Investigación ya que busa indagar en profundidad sobre
la tecnología mencionada a través de recopilación bibliográfica que hable tanto técnica
como filosóficamente sobre la RV. Además se hará lo mismo con la puesta en escena
teatral, enfoncandose en su unión con la tecnología desde el inicio del mismo. La finalidad
es lograr investigar en conjunto con entrevistas a informantes claves cómo funciona el uso
de la espacialidad en la RV tomando como elemendo al espectador que ahora pasa a ser
un usuario.
Este proyecto se enmarca en la línea temática nuevas tecnologías debido a que busa
indagar en en profundidad sobre la RV, explicando todos sus usos y su desarrollo a lo largo
de la historia. La RV expone tal cual lo dice su nombre una nueva realidad, esto implica
una complejidad en el ámbito filosófico. La tecnología en cuestión está en desarrollo,
constantemente aparecen nuevos avances y su uso se acerca cada vez más al común de
la gente.
En cuanto al estado de conocimiento de la temática elegida y como antecedentes de la
Universidad de Palermo, se consultaron distintos Proyectos de Graduación de las carreras
de diseño de imagen y sonido, diseño de espectáculos y comunicación audiovisual, que
permitieron dar cuenta de los estudios previos alrededor de la materia en cuestion,
bibliografía y conceptos para abordar el PG.
Así en la investigación de Perillo, Brian Emiliano (2018) El potencial de la realidad virtual
en los videojuegos, realiza un análisis sobre el potencial de la realidad virtual dentro de los
videojuegos. Se vincula con este PG principalmente debido que su problemática gira en
torno a la realidad virtual. Si bien su temática estudia la tecnología en cuestión en los
videojuevos, se relaciona con mi invertigación en cuanto a que de igual manera estudia la
realidad virtual y la interacción de la gente con la misma.
El proyecto de grado de Gómez, Rodrigo Matías (2014), E.R.G.O. en el cual se plantea el
diseño de un juego basado en una polataforma de realidad virtual que ofrezca al jugador
el mayor nivel de realismo posile, por lo que este trabajo se encuentra también
4profundamente vinculado a la tecnología de realidad virtual. Dado que la realidad virtual es
un tema relevante para este proyecto y que el proyecto de Gómez haga cuestión en la
experiencia de inmersión completa del usuario, se tomará como referencia.
Haciendo un acento dentro de las posibilidades creativas que ofece la realidad virtual como
herramienta, el proyecto de Vilaplana, María Julieta (2017), Nuevas posibilidades creativas
aborda la cuestión de las herramienta creativas que existen dentro en la realidad virtual
aplicada al videoclip. Este proyecto corresponde a la carrera de diseño de imagen y sonido
pero de todas formas el formato de videoclip es trabajado también por diseñadores de
espectáculos lo cual es pertinente para mi proyecto de grado ya que relaciona la tecnología
abordada con un formato de contenido audiovisual de interés por la carrera.
Dentro de la categoría creación y expresión el trabajo de Sandorin, Leandro Franco (2015),
Experimentando virtualidades investiga y desarrolla una interfaz de usuario para un juego
llamado Tripper utilizando la realidad virtual como herramienta. Este proyecto se relaciona
ya que el objetivo del juego es generar viajes verosímiles pero irreales con el sentido de
liberar la imaginación a universos no realizables en nuestra realidad física. El proyecto de
Alonso, Rodrigo (2015) Sonus Virtualis analiza otro aspecto de Tripper: el sonido, lo cual
es absolutamente oportuno ya que se plantea que para que el usuario pueda experimentar
ambientes nuevos y desconocidos al mismo tiempo pueda disfrutar su música en solitario
o creando ambientes accesibles para otros usuarios.
Dentro de la categoría ensayo el PG de La Torre , Inés María (2014) Un universo en
continua expansión analiza cómo se podría llevar a cabo una nueva experiencia
audiovisual para generar una sensación de mayor inmersion en el espectador. Dentro de
este análisis se establecen las razones por las cuales el entorno influye en la percepción
del audiovisual.
En la carrera de Licenciatura en diseño de espectáculos el proyecto de Forero López,
Elizabeth Milena (2013) Nuevas Tecnologías en el espectáculo en vivo plantea una
actualización curricular para la universidad. Para llevar a cabo esto realizó un análisis para
5contextualizar la imporancia que presenta hoy en un día las nuevas tecnologías dentro del
campo escenográfico.
En el ámbito de lo audiovisual, Franco García, Laura (2012) El actor como pensante
animado resulta un proyecto referente para mi proyecto ya que el mismo analiza la técnica
de performance capture (captura de desepempeño) lo cual ha permitido que los actores
interpreten personajes animados en tercera dimensión desde la voz, hasta el cuerpo y las
expresiones faciales. Esta técnica permite un alto grado de verosimilitud en las películas,
no solo por la apariencia creíble de los personajes, sino por la mayor profundidad de detalle
en todos los aspectos de la narrativa del relato. En relación con el proyecto existe un
análisis sobre la corporalidad del actor mutando hacia otra dimensión o soporte.
Con una mirada de análisis profesional sobre el funcionamiento de herramientas
comunicacionales para empresas, el proyecto de Indaco, Ignacio Agustín (2017) Videos
360 genera una mirada alejada de la creación artística pero se relaciona con el PG porque
ofrece al consumidor poder ver lo que quiere cuando quiere y desde el punto de vista
deseado a partir de un video con la opcion de tener una visión 360 del espacio. Esto no es
realidad virtual pero el concepto de punto de vista inmerso en el espacio se encuentra en
esta tecnología también.
En relación con el cuerpo humano y su representación virtual, el trabajo de Mazza, Juan
Manuel (2017) La historia detrás del cuerpo da cuenta del desarrollo de un personaje 3D
a través de un guión. El presente proyecto se relaciona intricadamente con la búsqueda
del PG ya que analiza la representación en un medio virtual de la espacialidad física del
cuerpo humano para que el usuario elija el personaje sintiéndose representado de alguna
forma.
El primer capítulo se enfoca en la definición de la puesta en escena teatral para brindarle
al lector los conceptos necesarios para la generación de un desarrollo fundamentado. Al
ser este un arte de antaño pero de todas formas actualizado, se genera en este capítulo
una relación con la tecnología. Desde sus inicios en los que se comenzaron a utilizar
6escenografías con tecnología de cada época hasta la Realidad virtual. Entendiendo que la
tecnología servía y sirve hoy en día para generar un desarrollo mas complejo y más diverso
espacialmente.
El segundo capítulo busca contextualizar al lector respecto de la Realidad Virtual,
proporcionando información acerca de la historia de la misma, desde su aparición hasta
el uso que se le da hoy en día. Además busca abordar las posibilidades que brinda la
Realidad Virtual en la actualidad tanto así como el uso que se le da como herramienta en
el ámbito creativo y artístico. También su intención es vincular distintos aspectos que
proporcionan autores que analizan la virtualidad filosóficamente para intentar comprender
de qué se trata la búsqueda de una nueva realidad.
El tercer capítulo analiza la relación que existe entre la realidad física y la virtualidad. Este
capítulo se enfoca en el análisis de una nueva realidad en otra dimensión. Además se
profundiza en el concepto de unión de lo físico y lo virtual haciendo énfasis en los aparatos
externos al cuerpo humano que nos insertan en esta otra dimensión. En este capítulo se
incluirá una comunicación personal con un artista visual que trabaja en realidad virtual,
mixta y aumentada. Esta comunicación se irá vinculando con los distintos conceptos,
visiones y definiciones desarrolladas en los capítulos anteriores.
El cuarto capítulo describe la creación de un personaje-avatar para adentrar al lector aún
más en el uso de la Realidad Virtual como herramienta creativa. Esto se llavará a cabo
teniendo en cuenta la experiencia de un artista visual que trabaja en proyectos de realidad
virtual entre otras tecnologías. Además analiza la experiencia de la utilización de otro
cuerpo en una dimensión tecnológica. Por último hace énfasis en la inmersión del usuario
como resultado de lo analizado previamente.
Finalmente el capítulo cinco analiza la necesidad del ser humano de generar una realidad
en otra dimensión en la cual sumergirse por completo. De esta forma profundiza el
desarrollo del concepto de espacialidad a partir del cuerpo dentro de la realidad virtual. Por
último une los conceptos analizados en los capítulos anteriores generando una vinculación
7de la espacialidad entendiendola a partir del cuerpo físico, en relación con la puesta en
escena de la Realidad Virtual.
8Capítulo 1. La puesta en escena teatral
Lo teatral se encuentra atravezado por una larga historia, dotado de un camino sinuoso de
teorías y realizaciones de lo más diverso. A lo largo de las épocas que fueron marcando la
historia del teatro, su desarrollo fue variando, modificándose, redefiniendo, agregando y
anulando sus conceptos. Es un arte que al día de hoy se encuentra teorizado, analizado y
criticado desde lo más profundo de sus raices hasta lo más innovador de la actualidad.
El teatro genera ilusión, y para referir a este término también hay que mencionar la
denegación. Existe un pacto entre la escena y el espectador, es característico de la
comunicación teatral que el receptor (espectador) considere el mensaje como no
verdadero. A pesar de que el espectador se encuentre viendo en escena objetos y
personas (actores) reales, estos se encuentran negados. Es decir, se encuentran sin
existencia para él, ya que todo lo que sucede o existe en escena esta dotado de irrealidad.
Por consiguiente el espectador se encuentra obligado a la pasividad ante una realidad
escénica, que por más que esta intente generar la mayor verosimilitud posible al mundo
extra escénico, el espectador sabe internamente que no puede reaccionar o intervenir en
él. Este pacto de consideración ilusoria de lo real inmoviliza al espectador de su butaca.
De Marinis (1997) expresa que existe en el teatro un principio de artificialización, el cual
refiere a los procedimientos mediante los cuales la escena artificializa, al adjudicarles una
función significativa, todo tipo de elementos, incluso reales (objeto de verdad) o no
producidos intencionalemente. Expone que en escena todo es un signo, el funcionamiento
del teatro es un fenómeno de significación y comunicación.
En términos del actor y director ruso Meyerhold (1986) la teatralidad es la cualidad propia
de un teatro en el que el público no olvida que está ante un actor que representa, ni el actor
olvida que está sobre un escenario. No se busca la ilusión de realidad, por contrario se
evidencian el juego y el artificio.
En continuación con la relación teatral, esta consiste y depende de la participación activa
del espectador. Esto no refiere a contradecir la pasividad del espectador antes
9mencionada, sino que el espectador es el constructor parcialmente autónomo de los
significados de la obra. A este le corresponde lo más importante, el carácter activo de su
recepción.
1.1 La puesta en escena
La puesta en escena como idea surge a partir de la segunda mitad del siglo XIX, aunque
el uso de la palabra se remonte al año mil ochoscientos veinte. Pavis (1998) genera un
diccionario del teatro y dentro de él conviven distintos autores que presentan diversas
miradas sobre conceptos útiles en el teatro. Con la aparición de la misma el director de la
escena se convirtió en el responsable del ordenamiento general. Veinstein (1962) lo define
como un conjunto organizado de medios de interpretación escénica que comprenden
iluminación, música, actuación, entre otros, dentro de un espacio y un tiempo
determinados. Todos estos elementos deben integrarse organicamente, todo posee una
función en su conjunto.
Según Appia (2014) la espacialización de la puesta en escena consiste en transformar en
el espacio lo que el dramaturgo pudo proyectar en el tiempo. Es la puesta en visión
sincrónica de todos los sistemas significantes cuya interacción es productora de sentido
para el espectador. Continúa definiendola como la puesta en relación, en un espacio y
tiempo dados, de diversos materiales es decir, sistemas significantes, en función del
público.
Así también el autor expone que para Stanislavski, componer una puesta en escena
consiste en hacer materialmente evidente el sentido profundo del texto dramático. Para
esto la escena dispone de todos los medios escénicos y lúdicos necesarios. Toda puesta
en escena es una explicación del texto en acción; es la lectura del director sobre la obra.
La puesta en escena consta de relaciones que se establecen en un tiempo y lugar
determinado. La producción de la misma, es decir la escena en general, y la recepción
llevada a cabo por los espectadores establecen entre los materiales escénicos sistemas
10significantes. Es decir, es un sistema que existe a partir de la recepción y reconstitución
del espectador de los distintos signos que constituyen la escena. El teatro es un fenómeno
de significación y comunicación. La comunicación teatral es un proceso en el que se
implican una serie de complejos emisores, una serie de mensajes y un receptor múltiple
presente en un mismo lugar. Por lo general el espectador de teatro no puede responder al
mensaje en el mismo código que el emisor, pero esto no significa que no exista la
comunicación.
El proceso de comunicación del teatro está constituida por un conjunto de signos
articulados, siguiendo las leyes de la comunicación, el emisor es el autor, el director,
técnicos y comediantes. El mensaje consta de el texto y su representación, por otro lado el
código consta de códigos línguisticos, perceptivos, socioculturales y espaciales. Por último
el receptor es el espectador o el público. La función de este último resulta ser la más
compleja, selecciona las informaciones que se le brindan, las escoge, rechaza, y reacciona,
ya sea riéndose a carcajadas, llorando, con gestos o reflexionando internamente. Los
signos que expresa el receptor son débiles pero perceptibles por el emisor. Además, no
existe un solo espectador sino que son muchas personas que también se encuentran
influenciadas por los signos que emiten los demás espectadores. Por ejemplo, en una
comedia el público responde a un momento de la escena riéndose en voz alta, el actor por
su lado ve y escucha que el público se rie y responde ante ello modificando su energía o
improvisando según lo percibido ante la respuesta del público. Así también la risa se
contagia entre el público, se genera un ambiente más cálido y una sensación de que hay
algo que están compartiendo entre todos. Ubersfeld (1989) expresa que en este
intercambio complejo es el espectador quien fabrica la obra, recomponiendo la totalidad de
la representación. El espectador teatral está obligado a seguir la historia que se le está
contando y también a recomponer en cada instante los signos presentes.
La Poética de Aritóteles según Brecht (2004) en grandes rasgos expone como objetivo de
la tragedia, la catarsis, es decir la purificación del espectador gracias a acciones de la
11representación que provocan el espanto y la compasión. Esta purifiación se produce por la
identificación del espectador con los personajes imitados por los actores.
El concepto de distanciamiento según Brecht (2004) es una técnica que consiste en
procurar al espectador una actitud analítica y crítica frente a lo representado. Expone así
que el efecto distanciador evita crear una atmósfera de un espacio determinado, no se
pretende poner en trance al público y dar la impresión de un evento natural e improvisado,
no se debe generar ese tipo de ilusiones en el público. Esta técnica consiste en limpiar la
escena y al público de elementos mágicos, como los llama Brecht, neutralizando así la
tendencia del público a introducirse en una ilusión. ¨El objeto del efecto distanciador es
distanciar el gesto social que subyace a todos los sucesos.¨(Brecht, 2004, p.136) Estos
gestos sociales determinan una época y contexto en la obra.
El contacto entre el público y lo que sucede en el escenario se basa en la identificación. La
técnica que produce el efecto distanciador es opuesta a la aplicada para la identificación.
Sin embargo según Brecht no es necesario prescindir por completo de este proceso. El
actor llevará a cabo la identificación en su trabajo previo sobre su personaje en los ensayos.
En el teatro existen los códigos verbales y los no verbales, los primeros se distinguen en
signos linguísticos, es decir componentes del mensaje lingüístico, y los signos acústicos
como la voz, expresión, ritmo, tono. En unión intríseca existen los signos no verbales como
los códigos visuales, musicales, proxémicos. La representación teatral en su totalidad exige
una decodificación de una multitud de signos, provocando que todos se relacionen entre sí
permitiendo que el teatro sea entendido incluso por los espectadores que no dominan todos
los códigos. Es decir, un espectador es capaz de ver una obra en la cual por ejemplo no
domina el idioma lingüístico pero puede captar los demás signos y así se encuentra apto
de comprender lo que está viendo.
Según Grotowski (1966) el signo existe cuando el espectador percibe algo, y no es
necesaria la compresión, con simplemente la percepción y sensación alcanza para que
haya un signo en escena. Comprender es una función de la inteligencia, pero muchas
12veces el espectador percibe y siente algo que no puede describir, pero sabe lo que significa
para él. Esto afecta otras partes del cuerpo que no son el cerebro, es un impulso.
Existen procedimientos mediante los cuales la escena artificializa los elementos, incluso
reales, que la constituyen. Todo lo que se encuentra en escena es un signo, absolutamente
todos los elementos se encuentran rodeados de metáforas que les otorga una serie de
significados. La capacidad teatral del espectador cumple un gran rol en la artificialización
de la escena. Este trae consigo un conjunto de conocimientos, habilidades y actitudes que
lo predisponen en condiciones de seguir las operaciones necesarias para captar la
comunicación del espectáculo. Varios aspectos del espectador afectan en la comunicación
teatral, como factores congnitivos, psicológicos, emotivos. Además existen algunos
determiantes como los conocimientos generales, teatrales, extrateatrales, expectativas,
intereses, condiciones físicas en la relación del espectador-escena, entre otros.
Además existe un proceso que Ubersfeld (1989) denomina la denegación-ilusión, es una
característica de la comunicación teatral en la que el público considera el mensaje
transmitido por la escena como no real. Esto es escencial para el teatro, el espectador es
consciente de estar viendo en escena seres reales cono existencia propia pero se
encuentran negados al mismo tiempo. Por ejemplo, una silla que se encuentra en escena,
no tiene existencia para el espectador, es prohibida, no se cuestiona si puede moverla de
lugar o sentarse en ella, es irreal. ¨La consideración ilusoria de lo real inmoviliza al
espectador en su butaca¨ (Ubersfeld, 1989, p. 37). Según Freud (1942) el teatro posee el
estatuto del sueño, generando un pararelismo de la relación teatral con un soñador, este
sabe que sueña aun cuando no lo cree o no quiera creerlo. Se trata de una construcción
imaginaria, el espectador sabe a la perfección que esto se separa de su vida cotidiana y
nada tiene que ver. El autor propone que el espectador se encuentra en un doble espacio,
el de la vida cotidiana que responde a su existencia y por otro lado el espacio de una
sociedad, y prácticas que responden a otra existencia que no es suya.
13De Marinis (1997) genera una distinción clara entre la capacidad teatral del espectador y
el sistema teatral de precondiciones receptivas. La primera se define como ¨un `saber´
unido a un `saber-hacer, es decir, como el conjunto de los presupuestos (…) que ponen al
espectador en condiciones de seguir (…) las operaciones necesarias (…)¨ (De marinis,
1997, p. 30) Por otro lado el segundo concepto entiende ¨el conjunto (…) de factores
cognitivos y otros, psicológicos y otros, que intervienen en el comprotamiento cognitivo,
emotivo y pragmático (…) dotandolo de cierta capacidad y poniendolo, así, en condiciones
(…)¨ (De marinis, 1997, p. 30).
Por sobre todo lo mencionado anteriormente se encuentra el presupuesto teatral básico en
el que se funda la separación que automáticamente realiza el espectador a la hora de ver
un espectáculo. En este momento es que el espectador es capaz de separar un adentro y
un afuera del teatro y distinguir la ficción de la realidad.
Esto permite que el espectador sea capaz de completar la obra, dotándola de sentido a la
hora de ser un receptor en la comunicación teatral. Esta forma de comunicación
corresponde un complejo desarrollo de la misma. El espectador a la hora de encontrarse
sentado en su butaca viendo en vivo y en directo la escena con los personajes en ella,
cumple un rol absolutamente fundamental ya que sin él no existiria obra teatral. Sin que
este dote los signos con un sentido, sin su comprensión, sensaciones que esta le produce,
entre otras cosas, la obra teatral no tendría un sentido. Cada espectador es distinto, cada
uno de estos comprende y da sentido a lo que ve según su presupuesto teatral básico
mencionado recientemente. La cultura general y específica, las vivencias, las personas que
lo rodean, su edad, su situación sentimental del momento, entre muchas otras cosas
afectan al espectador y a lo que este se lleva de la obra al finalizar.
Desde un punto de vista derivado del campo cinematográfico, también resulta útil entender
la recepción del espectador teatral en términos de montaje. Dentro de esta concepción se
distingue el montaje productivo, llevado a cabo por los autores del espectáculo, y por otro
lado el montaje receptivo a cargo del espectador. Este tiene la tarea de convertir el mensaje
14de una imagen percibida a un visión construida. Entonces el encargado de la recepción en
el teatro construye sobre la base de datos aportados por el montaje productivo en relación
constante con su propio sistema de precondiciones mencionado recientemente.
Además el público teatral debe producir automaticamente la función de separarse a él
mismo de lo que sucede en escena, este puede sentirse identificado, enojado con lo que
ve o triste pero sabe perfectamente que estas sensaciones son momentaneas y que no le
pertenecen. La obra es algo aparte de el, es una representación que ocurre frente a él pero
no puede hacer nada para cambiarla, no puede debatir, opinar ni tampoco sufre lo que los
actores se encuentran representando. Su rol es fundamental pero no participa activamente
sino que todos los procesos ocurren internamente.
Freud (1942) propone una mirada sobre el espectador en la que expone que este vivencia
demasiado poco en el teatro, sintiéndose afuera de todo lo que ve en escena sin que pueda
pasarle nada. Se ve obligado a desplazar su orgullo que situaba a su yo en el centro del
universo. Al hacer esto el actor-autor le permite la identificación con un héroe. Esto le
genera la posibilidad al espectador de ahorrar en dolores y penas pudiendo identificarse
en la obra de teatro sin sufrir las adversidades que padece el héroe en carne propia. Por
eso, sugiere Freud que la premisa de su goce es la ilusión, es decir que la pena no es tal
teniendo la certeza de que es otro el que actua que siente, y además es consciente de que
se trata solamente de un juego teatral en el que nadie peligra. Si el espectador estuviese
en el lugar del personaje que sufre y padece, no existiria tal goce ni productivividad psíquica
en general.
La puesta en escena teatral como ya se mencionó, lleva una larga historia, lo cual la expuso
a diferentes teorías, opiniones, formas de entender y de representarla. Además el teatro
estuvo presente desde los inicios de la sociedad, pasando por distintas formas. Un arte
expuesto a todo tipo de culturas, civilizaciones, religiones y paises demuestra su
volubilidad. Esto la hace aún más rica, versatil e infinita en posibilidades que presenta. Es
básicamente una representación en la que se implique algún tipo de acción. Dentro de esto
15existe una amplia variedad de formas de representar dentro lo cual implica desde lo más
básico y sencillo hasta lo más complejo.
1.2 El teatro en relación con la tecnología
Resulta oportuno para un arte con una larga historia realizar un breve recorrido por la
incorporación de la tecnología en los inicios del teatro para poder acercarse a entender su
uso hoy en día. El primer escenario estaría situado en la cavernas o a cielo abierto donde
los hombres danzaban alrededor de una fogata, totem, altar, entre otras cosas. Cabe
destacar en este punto el uso de vestuario como tatuajes, pinturas corporales, máscaras y
utilería o decorado como por ejemplo esculturas totémicas o figuras de arcilla. En Egipto
tres mil años a.c. no son pocas las pinturas que dan fe de la existencia de la mal llamada
performance, en la que estaban involucrados músicos, danzantes y procesiones. A pesar
de esto no se puede hablar de teatro por la falta de público ya que estos generaban rituales,
pero si se puede ver una aproximación.
Por otro lado, los antiguos griegos utilizaban distintas maquinarias para lograr efectos en
sus espectáculos. La teckné remite al surgimiento del saber técnico, significaba la
capacidad del hombre para producir instrumentos y bienes de consumo, en relación con la
producción artesanal y artística. Los actos daban comienzo con una procesión, donde
sobre un carro naval viajaba la estatua del dios Dionisos. Este era un carro tirado por sátiros
acompañados por danzarines y músicos. El teatro griego fue evolucionando hasta que la
skene, similar al concepto de escena, se convirtió en una azotea donde se colocaban a los
dioses.
Este concepto fue mutando y evolucionando, en el tiempo el espacio escénico se integró
en el espectáculo para sugerir lugares, esto se conseguía mediante un telón de fondo y
bastidores. Estos últimos podían girar sobre sí mismos para presentar en sus caras
distintos decorados. Luego se dispuso, con Eurípides, de una plataforma movil, de una
polea en el techo de la skene para alzar por los aires a los dioses, de plataformas elevadas
16para designar los lugares olímpicos, de terrazas, escotillas y escaleras. También hubo un
desarrollo en lo sonoro, utensilios que producian efectos sonoros y visuales, disponían de
placas que golpeaban a fin de simular el ruido de un trueno, y antorchas agitadas que
producian la simulación de relámpagos.
La técnica reciéntemente mencionada era la forma de saber, luego apareció el experimento
y así la técnica comenzó a investigar junto con la ciencia y a ser objeto de estudio de
técnicos y no de artesanos. Es así que se pueden analizar la creación de los principios de
mundos tecnológicos. Un claro ejemplo del proceso de la teckne a la interfaz digital, lo
presenta Laurent Jullier, cuando se refiere al momento en que el artesano describía la
figura a ser bordada, y para ello utilizaba una grilla de miles de cuadrados, los cuales más
tarde comienzan a llamarse píxeles. (D´agostino, 2014)
Realizando un gran salto en la historia, la aparición de la luz eléctrica fue probablemente
de los descubrimientos más revolucionarios para el teatro. La historia de la iluminación en
el teatro resulta oportuna para la temática pero escasa ya que la figura del diseñador de
iluminación profesional surge recientemente en el historia del espectáculo, lo que genera
que no hayan registros específicos, reflexiones o teorías con una larga historia. Permitió la
autonomía de la escena, provocó el abandono de decorados ilustrativos rompiendo los
límites entre la figuración y abstracción.
En continuación con el teatro griego en un principio simplemente contaban con la
orientación de la escena enfrentada al sol para que los espectadores no tuvieran la luz de
frente a ellos. Luego los periactes, elementos similares a un trasto o bastidor que servía
para tener distintos dibujos en cada cara y cambiar la escena, eran pintados de negro y
aplicaban figuras con materiales brillantes o reflectivos. Esto servía para que al girar el
periactes rápidamente, el reflejo del sol en el material produjera un efecto de relámpago.
Además utilizaban espejos curvos para concentrar la luz del sol y producir efectos, además
de iluminar la escena al atardecer.
17En la edad media se comenzó a utilizar el fuego como recurso, por ejemplo mezclado con
azufre, lo cual despedía humo y un olor característico que se relacionaba con el infierno o
cuando esto sucedía en las iglesias se recurría a la luz de los cirios y la luz del sol que
iluminaba a través de los vitrales.
Durante el renacimiento a principios de los años mil quinientos las obras teatrales se
llevaban a cabo en la iglesia. Los primeros teatroa pertenecían a las academias o a las
cortes, en este se observaban desarrollos formales de la luminotecnia. El objetivo principal
del teatro de corte era dar lustre y relieve al príncipe, por lo cual se colocaba una gran
cantidad de luces y/o candelabros como símbolo de poder. El esquema y propósito de la
iluminación esénica era brindar una alta intensidad de luz en la escena y el palco de
príncipes y autoridades importantes, dejando una baja intensidad para el resto de la sala.
El gran desarrollo del teatro y su maquinaria en esta época llevó a las cortes a brindarle
especial importancia y apoyo al mantenimiento de sus espectáculos. Bastiano da Sangallo,
reconocido arquitecto, escenógrafo y pintor italiano, creó un sol de un brazo de altura con
cristal lleno de agua destilada detrás del cual había dos fuegos. Da Vinci creó un sistema
para producir luz de color artificial, con una ampolla de vidrio llena de agua coloreada con
un cilindro en su interior, dentro del cual ubicaba una candela. De esta forma con muchos
otros inventos más de la época, se empieza a dar una evolución de la escena generando
efectos especiales, mayor visibilidad y profundidad de la escena, entre otros logros.
Durante el barroco se dio una riqueza escenógrafica dada mediante numerosos y
sorprendentes cambios en escena con la necesidad de sorprender al público, esto condujo
a un desarrollo importante en la luminotecnia. Las fuentes de luz eran las mismas a las
mencionadas recientemente pero se avanzó en sus modos de utilización. Con la
combinación de distintos materiales se logró generar nuevos efectos especiales. Al
comenzar a descubrir mediante la experimentación con la luz, alrededor del mil setecientos
se hablaba de la antinaturalidad que era capaz de generarse en escena con la utilización
18de, por ejemplo luz nadir. Esto fue un avance en relación con la expresividad que ofrece la
iluminación en escena, dotandola de gran importancia desde este entonces.
Con el romanticismo se produce la primera gran transformación de la iluminación, con la
luz a gas. Esto permitió por ejemplo regular la intensidad de la luz, para generar distintos
colores utilizaban tres mecheros con reguladores individuales, cada uno tenía un vidrio de
color por delante, y al regular cada mechero podían generar mezclas de colores. A
principios del mil ochoscientos la gran novedad técnica de la iluminación a gas fue el cuadro
de control, es decir, constaba de un tablero metálico desde el cual se controlaban los
reguladores que alimentaban cada unidad de iluminación. Este tablero era como un punto
de distribución de gas que controlaba independientemente cada una.
Volviendo a donde se comenzó a indagar sobre la iluminación, la verdadera revolución fue
gracias a la luz eléctrica. Gracias a las lámparas electricas se hizo posible la incorporación
de elementos ópticos como espejos y lentes en la construcción de luminarias especiales.
Con el paso del tiempo esto comienza a unirse con la informática lo cual permitió y permite
infinidad de avances y experimentaciones en su combinación.
Por otro lado la tecnología aplicada al sonido y la música fue revolucionada también por
conferir el acceso a que la palabra se ocupe de sí misma, dejando a la ambientación sonora
la tarea de aportar poética, emoción, la percepción espacial no concreta, y a generar todo
lo que la voz y el cuerpo de los actores no podían hacerse cargo.
Brook (2015) genera un concepto llamado teatro mortal, el cual significa mal teatro o muerte
del teatro. Claramente refiere al teatro que se vé con frecuencia, que es continuamente
despreciado. El autor expone que el público teatral disminuye en todo el mundo, ya que
apenas divierte, es vacío y carece de sentido. De esta forma sugiere que la vida es
movimiento y así todos, actores, autores, directores y público se ven sometidos a
influencias externas al teatro como el cine, televición y otras manifestaciones artísticas que
se encuentran en una constante evolución y desarrollo. Manifiesta así que toda forma
teatral es mortal y ha de comprenderse de nuevo su concepción, que carga con todas las
19nuevas influencias que la rodean. No habla de un teatro de moda sino que manteniendo
los elementos fundantes e irrenunciables del teatro que sustentan la actividad dramática,
debe variar a la par de su entorno para no ser fatal.
La teatralidad no solo se encuentra presente en el teatro como dispositivo si no que existen
experiencias del arte conceptual que están cargadas de teatralidad, las acciones, los
happenings, performances, entre otras. Estos expanden los límites de la escena y permiten
hablar de teatralidad en un sentido más amplio, actual y experimental. El ingreso de la
tecnología en el concepto mencionado en su más amplia definición y usos, habilita nuevos
estudios sobre el espacio teatral y sus tiempos. Este tipo de teatralidad tecnológica se abre
ante la posibilidad de hibridación, por ejemplo los actores pueden ser orgánicos e
inorganicos, estando presente el actor real e imágenes proyectadas o avatar del mismo en
escena. Esto cuestiona la necesidad de la materialidad, ya sea de un cuerpo humano tanto
como de decorados ya que lo virtual cambia las reglas del juego teatral y reformula sus
conceptos. Abre las puertas a otras formas de representar y transmitir sensaciones al
espectador. Además es generador de abstracción, permitiendo generar efectos como por
ejemplo con iluminación y un solo actor en escena, o humo iluminado con un baño de luz
de color. Es decir, extiende los límites del teatro para expresarse a la hora de generar una
escena.
Es complejo hablar de teatralidad como se la conoce cuando en una obra se decide
reemplazar la figura corporal real del actor por avatars, robots, proyecciones, etc. El cuerpo
del actor y sus movimientos en escena siempre fueron sumamente importantes en el
teatro. La actividad del actor como signo se pone en cuestionamiento en estos casos, ya
que es complejo determinar si el teatro se ve afectado perdiendo especificidad en su
escencia. Sin embargo es posible que exista actualmente una hibridación, como se
mencionó recientemente, donde el teatro puede modificarse e implementar nuevas
relaciones con otras disciplinas y nuevos lenguajes sin dejar de ser teatro y redefiniendo
un nuevo tipo de teatralidad.
20Al igual que todo lo que persiste en el tiempo, el teatro fue mutando y evolucionando a la
par de las sociedades, esto es justamente lo que lo hace perdurar en el tiempo. La
capacidad de actualización genera quizá que el teatro probablemente abandone o resigne
algunos puntos que supieron ser fundamentales en su definición. Pero esto no genera que
este desaparezca, sino que positivamente se habitue al momento permitiendo que cada
época lo modifique con sus propias actualizaciones y novedades. Esto ocurre porque la
humanidad va cambiando con el tiempo, en este caso hablando de la tecnología
particularmente cada vez avanza a pasos más grandes y es imposible que algo quede
apartado de esta, sino dejaría de existir quedando obsoleto y desactualizado perdiendo así
su sentido de reflexión.
1.3 Escenografía y realidad virtual
La escenografía en aspectos generales es el conjunto de decorados que conforma la
representación escénica, su objetivo principal es generar un ambiente con los recursos que
sean necesarios para crear la escena diseñada. Hoy en día se utiliza cualquier elemento,
sistema, técnica o ingenio que pueda ser útil a la puesta en escena. La labor del
escenógrafo debe ser la coordinación de los elementos activos y pasivos de la escena, con
el fin de generar signos que en conjunto con los signos linguísticos, verbales y el sonido
de la escena, todo trabaje y funcione en conjunto como una sola pieza. ¨(…) la escenografía
es un elemento de sugestión y, a la hora de hoy, todos los métodos para conseguirlo son
válidos. (…) La labor del escenógrafo es la de sugestionar con pocos elementos, pero
contundentes: resumir, sintetizar…¨(Nieva, 2011, p.152-153)
La escenografía consta principalmente de lograr introducir a la escena lo escencial, esto
depende de el tiempo y la forma de reflexión del escenógrafo sobre la obra. Este debe
preguntarse qué elementos son los que más aportan a la obra para el entendimiento del
espectador, siempre teniendo en cuenta la imprescindibilidad de los recursos u objetos, y
al mismo tiempo el hecho de que estas elecciones capten la atención del espectador. Se
21debe preguntar qué puede omitir y qué cosas no. El teatro exige síntesis en todas sus áreas
que lo conforman, esta cualidad aporta a la imaginación interpretativa de cada espectador
en particular. La creación de una escena tetral no consta de amueblar o llenar el espacio,
sino que se trata de tener intenciones semático-teatrales a la hora de hacerlo, comunicando
ideas y signos. (Nieva, 2011)
Como se mencionó anteriormente, el espectador de teatro es activo pero de una manera
pasiva. Este recibe, percibe y capta signos que con su imaginación completa para entender
de manera silenciosa la obra. Destina su experiencia a ser ajeno a la obra para generar un
análisis, reflexión, identificación, distanciamiento entre otros propósitos.
El usuario de la realidad virtual posee la capacidad de ser un observador y al mismo tiempo
participante de la escena. Posee la cualidad de inmersión, esta es la característica que la
define principalmente. La inmesión es la acción de interoducirse plenamente en un
ambiente. En este punto el teatro también podria definirse parcialmente como inmersivo ya
que el espectador se introduce en una sala donde se utilizan mecanismos y criterios
visuales y acústicos para envolver al espectador en la escena. Parcialmente porque el
espectador de teatro logra definir límites entre lo que ocurre en escena y la realidad fuera
del tetro. El espectador es conciente durante toda la obra de que se encuentra en un teatro
y que lo que ducede en escena le produce sentimientos ya sean negativos o positivos pero
al finalizar la obra estas sensaciones finalizan y todo pasa a ser una anécdota sobre una
obra de teatro que fue a ver. La obra puede hacerlo sentirse identificado con un personaje,
puede hacerlo reflexionar acerca de un tema en particular o hasta enojarse con alguna
situación poniendose a él mismo en el lugar de un personaje, pero la comunicación teatral
recae siempre en su silencio y quietud. Como ya se mencionó, según Brecht (2004) la
técnica aplicada al teatro de efecto distanciador provee al espectador de una especie de
barrera que lo separa constantemente de la representación en escena. Consta en que el
objeto que ha de ser el centro de atención, pase de ser una objeto corriente sin mucho
significado a ser un objeto especial y sorprendente.
22La idea general tanto del teatro como de la realidad virtual es vivenciar una escena que
excede de nuestras vidas, algo que nunca vivenciamos ni nos pertenece. Esto permite a
los espectadores ser críticos de una escena, por ejemplo, sin sufrir las consecuencias que
sufre el personaje, pudiendo sin embargo sentirnos identificados. La realidad virtual por su
lado, permite al usuario salir de ese rol de espectante para introducirse en la escena,
relacionarse espacialmente y tomar decisiones; pero a la hora de finalizar la experiencia el
usuario al igual que el espectador de teatro vuelve a su vida cotidiana sin haberle producido
cambios en ella.
La realidad virtual no deja atrás los conceptos fundantes del teatro, sino que evolucionó
con ellos, no anula la realidad si no que supone una nueva comprensión de la misma. Esta
es mas compleja, llena de interrogantes. En continuación con el rol del espectador/usuario,
el cuerpo cambia de contexto a la virtualidad es una unión de cuerpos, funciones,
conexiones, es una red virtual en continuo desarrollo.
Se introduce una nueva realidad donde la relación del ser humano con su propio cuerpo
cambia, hay un cambio en la distinción entre sujeto y objeto. Esta relación dispone la forma
en la que vemos y entendemos el todo. La realidad virtual genera una nueva forma de
relaciones, en las que el sujeto y los objetos poseen el control o el mando de situaciones,
los objetos a diferencia de la relación tradicional ahora tienen cada vez más control,
autonomía, vida propia. Dadas estas nuevas concepciones, podría entenderse al sujeto
como objeto integrado con los demás, siguiendo códigos que integran a los objetos. En
esta red todo se relaciona, las fronteras entre sujeto y objeto se desdibujan para crear
nuevas formas de relacionarse y entender colectivamente, entendiendo el todo como un
gran objeto. El hipercuerpo como concepción en una realidad virtual redefine la condición
del cuerpo, su realidad, dimensiones y su presencia. (Dueñas, Benjumea, Valero Cárdenas
y Restrepo, 2009)
Lo que busca la RV es una especie de teatro aumentado, en el que lo que sucede en el
teatro tradicional se experimente como un vértigo real, el realismo virtual mejora la
23exploración del espectador con respecto a la obra de treatro, lo provee de una experiencia
más vívida en la que pasa a ser un activo. Esto presupone un privilegio a un espectador
que antes se encontraba inmóvil y callado. El cuerpo virtual provee al espectador la
posibilidad de convertirse en el actor de teatro acercandose cada vez más a las
sensaciones.
Debido a esto es que el escenógrafo se encuentra en un mundo infinito de posibilidades,
en el que deja de pensar en el espectador ideal que ve una escena enmarcada por la boca
del escenario y en actores que entran y desaparecen en las bambalinas. Pasa a ser el
diseñador de un mundo nuevo, con todas las posibilidades que esto representa.
24Capítulo 2. Características de la Realidad Virtual
Para analizar las características de la Realidad Virtual (RV), es necesario comenzar por la
definición de las palabras que la componen. En sus usos corrientes la palabra virtual se
utiliza para expresar la ausencia de exsitencia, de esta forma la realidad es la realización
material, una presencia tangible; lo virtual está en el orden de la ilusión. Lo virtual tiende a
actualizarse pero no se concretiza efectiva o formalmente. No se opone a lo real sino a lo
actual. A diferencia de lo posible, estático y ya constituido, lo virtual es el cunjunto
problemático, el nudo o fuerzas que acompañan a una situación, objeto, o cualquier cosa
que exija un proceso de resolución, es decir, actualización. Por ejemplo el árbol es la
virtualidad de la semilla, el árbol sería la actualización, el problema de la semilla es hacer
crecer un árbol. La actualización es la solución al problema, la creación e invención. Lo real
se asemeja a lo posible, por el contrario lo actual no se parece a lo virtual, sino que le
responde. (Lévy, 1999)
La Realidad Virtual tiene numerosas definiciones, sin embargo la mayoría parecen hablar
de lo mismo, esta es una tecnología en constante evolución y sus usos se diversifican al
mismo ritmo. Levis (2006) en el texto ¿Qué es la realidad virtual? tras un análisis de
distintas definiciones, afirma que la RV consta de una base de datos interactivos capaces
de crear una simulación que implique a todos los sentidos. Es generada por un ordenador,
explorable, visualizable y manipulable por el usuario en tiempo real bajo la forma de
imágenes y sonidos digitales, dando la sensación de presencia en el entorno informático.
Esta tecnología se utiliza en múltiples sectores, siendo quizá, el campo de los videojuegos
el más conocido. Dentro de estos ha sufrido una gran evolución, permitiendo expandirla a
otras áreas que anteriormente eran impensables, como puede ser el mundo deportivo. En
la actualidad la Realidad Virtual permite desarrollar entrenamientos específicos enfocados
a la alta competición, siendo uno de ellos el ciclismo, al ofrecer cambiar con suma facilidad
los entornos y las dificultades con las que se entrena en la realidad física.
25Existen otros campos en donde la RV lleva un largo recorrido y ha permitido desarrollar
técnicas de alta precisión, como puede ser la medicina, la educación, el ámbito militar, la
industria, el arte o el sector de la aeronáutica. Esto demuesta su polifuncionalidad
permitiendo que se aproveche su uso en distintas areas y disciplinas.
Sin duda la Realidad Virtual y la Realidad Aumentada (RA) son tecnologías que se suelen
confundir. Si como se comentó anteriormente con la RV se obtiene una experiencia
inmersiva, es decir, el usuario se sumerge plenamente en un entorno virtual por medio de
unas gafas, con la RA se insertan objetos o partes de una escena creada virtualmente, a
nuestra realidad vistos a través de un dispositivo (celular, ipad, etc).
2.1 Aparición de la tecnología
La RV tiene ya su propio camino recorrido en la historia, pasó por distintos usos, formas y
aplicaciones. El origen de la realidad virtual se remonta a la Segunda Guerra Mundial. La
Marina de Guerra de Estados Unidos contactó con el MIT (Massachusetts Institute of
Technology) para la posible creación de un simulador de vuelo apto para el entrenamiento
de pilotos de bombardeos. El proyecto fue denominado Whirlwind y su construcción finalizó
algunos años más tarde en 1951. Ocho años después cuando USAF (United States Air
Force) retomó el proyecto bajo el nombre de Claude Project y apareció un uso civil de la
tecnología 3D.
A lo largo del siglo XX se han realizado diversos sistemas de realidad virtual. En 1956,
Morton Heilig mostró el Sensorama, una máquina que mostraba escenarios no-
interactivos, con efectos de sonido, viento, aromas y vibraciones. Este dispositivo proveía
al usuarix de los correctos desencadenantes o estímulos en el momento correcto. El autor
llamaba a la experiencia como un hecho teatral multisensorial. Para la creación de este
dispositivo, Heilig construyó una cámara especial para sacar provecho de la tercera
dimensión. Constaba de una cámara frontal y otras dos laterales para las imágenes
periféricas. Con esta creó cortometrajes que luego eran reproducidos en el Sensorama.
26También puede leer
