PRESS REVIEW Mittwoch, Juli 8, 2020 - Daniel Barenboim Stiftung Barenboim-Said Akademie & Pierre Boulez Saal
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PRESS REVIEW
Daniel Barenboim Stiftung
Barenboim-Said Akademie & Pierre Boulez Saal
Mittwoch, Juli 8, 2020
PRESS REVIEW Mittwoch, Juli 8, 2020
La Nación (Online), 08.07.2020, DB, PBS
Streaming: el festival de Barenboim para que la pandemia no mate a la nueva música 3
Süddeutsche Zeitung (Print), 07.07.2020
Die Bombe. Wissenschaftsrat empfiehlt die Auflösung der Stiftung Preußischer
Kulturbesitz 7
Berliner Morgenpost (Print), 08.07.2020
Corona-Pause bedroht Chöre existenziell 9
Die Welt (Print), 08.07.2020
Mahler mit Maske. Bericht vom Dirigierwettbewerb in Bamberg 13
Frankfurter Allgemeine Zeitung (Print), 08.07.2020
Ein Chor, ein richtiger Chor! Nicolas Altstaedt und Gidon Kremer beim
Kammermusikfest Lockenhaus 14
Frankfurter Allgemeine Zeitung (Print), 08.07.2020
Erwacht nach langem Herzstillstand. Die Scala öffnet wieder 16
Süddeutsche Zeitung (Print), 08.07.2020
Gelegentlich miaut etwas. Elke Erb erhält Georg-Büchner Preis 2020 18
Süddeutsche Zeitung (Print), 08.07.2020
Karin Beier bleibt Intendantin des Deutschen Schauspielhauses 19
Berliner Zeitung (Print), 08.07.2020
Der Komponist Henry Krtschil ist gestorben 20
Frankfurter Allgemeine Zeitung (Print), 08.07.2020
Eine Diva für die Oper. Frankreichs neue Kulturministerin 21
Frankfurter Allgemeine Zeitung (Print), 08.07.2020
Hoch und unerreichbar ist Gott. Mein Weg zu Beethoven von René Jacobs 23
The New York Times (Online), 08.07.2020
The sumptuous, sour music of Cory Smythe 26
Streaming: el festival de Barenboim para que la pandemia no mate a la... https://www.lanacion.com.ar/espectaculos/musica/streaming-festival-b...
LA NACION | ESPECTÁCULOS | MÚSICA | MÚSICA CLÁSICA
El maestro argentino y el flautista Emmanuel Pahud encargaron obras a diez compositores, que se estrenan
por streaming entre el jueves y el domingo
Crédito: Monika Ritters
Pablo Gianera
8 de julio de 2020 • 00:30
istance/Intimacy , "distancia/intimidad", el nombre que Daniel Barenboim y
Emmanuel Pahud le pusieron al Festival de Nueva Música que organizan en la
Pierre Boulez Saal de Berlín tiene una primera alusión al confinamiento por efecto de
coronavirus, claro, pero podría ser también una divisa de eso que se llamaba hasta hace
un tiempo "música contemporánea". La nueva música , realmente, es, por su propia
novedad, distante; y es probable que, a la vez, no haya nada más íntimo que ella, puesto
que se compone delante de nuestros ojos.
Barenboim desconfía un poco de la palabra "contemporáneo". "Hay que tomar la
palabra por lo que es. "Contemporáneo" quiere decir de hoy en día. Nada más. No hay
que darle una significación artística o filosófica. La música contemporánea es lo que se
escribe hoy, ya sea que se escriba en estilo moderno, o futurista o clásico, no tiene la
menor importancia. La palabra que es mucho más interesante e importante es
'moderno'." El maestro habla con LA NACION desde Berlín: "Hemos podido hacer un
buen trabajo. Tenemos una semanita más acá y después nos vamos de vacaciones"; la
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semanita en cuestión es precisamente la del Festival of New Music, que implicó ensayos
y que podrá verse online desde mañana y hasta el domingo.
Como casi todo lo pasó este año, jugó también en este caso un papel crucial la
pandemia; la pandemia o el ingenio para hacer frente a sus consecuencias. "Nadie sabe
nada y se toman decisiones sin la más mínima lógica. Eso hace que la gente esté muy
nerviosa y que peque por exceso de optimismo o por exceso de pesimismo. Y ambas
posiciones son muy negativas en una situación tan difícil como la que estamos viviendo
ahora -dice Barenboim-. Cuando me di cuenta de lo dramática que era la situación con
este virus, y lo primero en lo que hay que pensar es en la salud, en la crisis económica
también, pero después uno piensa además qué va a suceder con la música. Y en el
campo de la música, la que más iba a sufrir es la música aún no escrita. Entonces, hacia
fines de abril, cuando se veía que esto iba a durar más de lo que uno pensaba, se me
ocurrió que la música nueva, moderna es la que más iba a sufrir. En la Boulez Saal
sufrimos, como todos, una inmensa pérdida de dinero. Llamé a los compositores que
conocía menos a tres, que llamó Pahud, y les dije 'no tenemos dinero, pero si están
dispuestos a escribir a algo entre 5 y 15 minutos, quiero hacer un festival de música de
hoy por streaming en el que los músicos también, desde luego, tocarán gratuitamente'.
Sin ninguna excepción, todos se entusiasmaron y dijeron que sí. Y la música empezó a
llegar. Alguna más rápida que otra. La partitura de Jörg Widmann , por ejemplo, ¡me
llegó a las siete de la tarde del día anterior al primer ensayo, que era el día siguiente a las
10 de la mañana! Escribió una pieza bellísima para piano, violín, clarinete, flauta y
percusión. Una magnífica pieza."
Los ensayos en la Pierre Boulez Saal.
Crédito: Peter Adamik
Además de Widmann, fueron elegidos Irini Amargianaki , Benjamin Attahir ("el
último alumno de Boulez y escribió la obra para mí y para mi hijo, Michael"),
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Johannes Boris Borowski ("un compositor que Boulez estimaba muchísimo"), Luca
Francesconi (conocido por el público argentino porque en 2015 el Teatro Colón
presentó su ópera Quartett ), Michael Jarrell , Philippe Manoury, Olga
Neuwirth, Matthias Pintscher, Christian Rivet . Las combinaciones tímbricas
son muy variadas; Pintscher, por ejemplo, optó por el "trío Debussy" de flauta, viola y
arpa, mientras que Eumenide , de Amargianaki, fue escrita para soprano y percusión.
Barenboim recuerda uno de sus principios: "Mi regla es que nunca vuelvo que ejecutar
una obra si en el momento de tocarla o dirigirla no puedo tener el sentimiento de que es
mi obra favorita. Necesito tener ese sentimiento cuando toco o dirijo. Por eso hay
compositores y obras que no dirijo."
Distance/Intimacy permitirá que los asistentes digitales tengan la posibilidad de
intervenir una vez escuchada la obra. "Va a ser interesante oír la obra, inmediatamente
hacer una pregunta o pedir que se toque de nuevo", explica Barenboim. "Lo que falta
con la música nueva, como con todo lo nuevo, es la familiaridad. Las primeras
ejecuciones son rara vez tan buenas como las que siguen, porque las orquestas necesitan
una cierta familiaridad para tener la libertad de tocarlo. Por ejemplo, las Notations de
Boulez, que yo encargué, es una pieza que dirigí tantas veces con distintas orquestas (la
orquesta de París, con la de Chicago, con la Filarmónica de Berlín) y con la Staatskapelle
ahora la hicimos tan regularmente que un solo ensayo ya alcanza, en lugar de tener
cuatro o cinco. Hay una familiaridad que no tiene nada que ver con la rutina." En esto
Barenboim es también un respetuoso seguidor de Boulez, para quien, ante una obra
nueva, los músicos debían descubrir simultáneamente las dificultades técnicas y las
cuestiones estilísticas.
"Distance/Intimacy" es el nombre del festival
Crédito: Monika Ritters
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En cierto modo, este festival puede ser entendido también como un homenaje a Boulez
en una sala que no por nada lleva su nombre. Barenboim no duda: "Yo creo que las
ideas de Boulez, que yo siempre he respetado y amado, hay que continuarlas. No hay
que olvidarse de que, aparte de su altísima calidad como compositor, él revolucionó la
programación de todas las orquestas en el mundo. Cada concierto, va a empezar con
una obra de Boulez. Cuando nosotros hablamos entre colegas de alguien que tiene un
repertorio muy amplio, vasto, decimos que toca 'de Bach a Boulez'. Y por eso yo quiero
empezar cada vez este festival con una obra de Boulez. La obra más vieja es su Sonatina,
para flauta y piano que fue escrita en 1946, cuando Boulez tenía 21 años." ¿Extraña el
maestro a Boulez? Sobre esto, tampoco duda: "Muchísimo. Por varias razones:
musicalmente, claro, pero humanamente era una persona que tenía enorme autoridad y
enorme sencillez. Y un calor humano que no era demostrativo pero sí muy profundo.
Aprendí además tanto de él. Eso no se olvida."
Por: Pablo Gianera
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F.A.Z. - Feuilleton Mittwoch, 08.07.2020
Ein Chor, ein richtiger Chor!
Die Stunde der wahren Empfindung im Burgen- land: Nicolas
Altstaedt und Gidon Kremer beim Kammermusikfest. Von Florian
Amort, Lockenhaus
Zusammengeraffter, energischer, inniger habe ich noch keinen Künstler gese-
hen. Ich begreife recht gut, wie der gegen die Welt wunderlich stehen muss“,
schreibt Goethe über seine Begegnung mit Beethoven im Sommer des Jahres
1812 im nordböhmischen Teplitz. Von diesem Zitat angeregt, hat der künstleri-
sche Leiter des Kammermusikfests Lockenhaus, Nicolas Altstaedt, der 39.
Ausgabe das Motto „... inniger ...“ vorangestellt, um dem alles bestimmenden
Jubilar die Reverenz zu erweisen, aber auch der Frage nachzugehen, wie viel
Innigkeit und Wachsamkeit heute in jedem von uns stecken. Bei der Programm-
vorstellung im Dezember konnte der deutsch-französische Cellist noch nicht
ahnen, wie aktuell das Motto angesichts eines weltweiten kulturellen Stillstan-
des werden sollte.
Umso erfreulicher ist es, dass das Kammermusikfest in der burgenländischen
Marktgemeinde kurz vor der ungarischen Grenze als erstes größeres Festival in
Österreich wieder stattfinden kann, wenngleich unter veränderten Bedingun-
gen: Von den rund 450 Sitzplätzen der barocken Pfarrkirche dürfen nur 174
besetzt werden. Eine etwas hallige Akustik ist die Folge. Für die angereisten
Musikerinnen und Musiker, die keine Gage erhalten und mit Kost und Logis
entlohnt werden, ist dies unerheblich. Sie freuen sich einfach, nach vielen
Wochen der Isolation zum ersten Mal wieder gemeinsam zu musizieren.
Die Sehnsucht danach war offenbar so groß, dass Altstaedt das angekündigte
Programm des Eröffnungskonzerts kurzfristig umstieß: Statt Bachs sechs Suiten
für Violoncello solo gab es Beethovens Cellosonate D-Dur op. 102 Nr. 2, Debus-
sys Cellosonate d-Moll und Brahms’ Klavierquartett A-Dur op. 26. Während
Vilde Frang, Barnabás Kelemen, Katalin Kokas (alle Violine) und Alexander
Lonquich (Klavier) schon seit längerem zur Lockenhauser Musikerfamilie gehö-
ren, ist der junge britische Bratschist Timothy Ridout zum ersten Mal dabei. „Es
ist eine große Ehre für mich, hier sein zu dürfen. Umgeben zu sein von so vielen
phantastischen Kollegen und Freunden bedeutet mir in der aktuellen Situation
besonders viel.“ Diese Freude hört man in Luciano Berios „Naturale“.
Der Komponist persönlich hat im sizilianischen Palermo sogenannte „Abbagna-
te“ – typische musikalische Ausrufe von Fisch- und Obsthändlern – aufgenom-
men und mit avantgardistischen Percussionsklängen sowie adaptierten sizilia-
nischen Volksliedern kombiniert, die Ridout mit großer Leidenschaft und Spiel-
freude mal wie Gitarrenakkorde zupft oder zu leeren Bordunsaiten fiedelt.
1 von 2 08.07.2020, 10:49Firefox https://zeitung.faz.net/webreader-v3/index.html#/465083/14
Begleitet wird er dabei von Johannes Fischer, der nicht nur in seiner „Studie für
elektrifizierten Tisch“, sondern auch in der improvisierten Livemusik zum
Stummfilm „Dr. Mabuse, der Spieler“ (1922) seine Entdeckerlust an Klängen
und Geräuschen demonstriert.
Berios sizilianisches Idyll, das mit Marschklängen, Gewehrschüssen und
Kirchenglocken am Ende den Zuhörer mit einer gewissen Verstörung zurück-
lässt, ist eines der wenigen Stücke, das von der ursprünglichen Planung übrig
blieb. Denn in Lockenhaus ist es Konzept, kein vorab starr fixiertes Programm
zu haben, sondern in lockerer Stimmung und unterschiedlichen Ad-hoc-
Konstellationen je nach Laune ungewöhnliche und einzigartige Programme zu
präsentieren. Was letztlich gespielt wird, erfährt man erst kurz vor dem
Konzert.
Lockenhaus, das ist eben auch eine Mischung aus Entdeckungen, Experimen-
ten, Nachwuchsförderung, Aufbau von künstlerischen Partnerschaften und
lebenslangen Freundschaften. Das Festivalprogramm spannt einen großen
Bogen von Leclair bis Bartók, von Copland bis Weinberg, von Schumann bis
Zimmermann. Repertoireklassiker und selten gespielte Werke stehen in einem
vorbildlichen Verhältnis. Nicht immer kann das hohe künstlerische Niveau
durchgehalten werden. So wäre es ein Leichtes, beim frisch durchgetesteten
Wiener Kammerchor unter Leitung von Michael Grohotolsky den intonatorisch
fragilen Chorklang zu kritisieren. Doch zeigt das ambitionierte Programm mit
Werken von Mahler, Reger, Poulenc und Schubert durchaus die künstlerische
Kraft des Chores, die coronabedingt viel zu lange brach liegen musste.
Einer der Höhepunkte war sicherlich Alfred Schnittkes Klavierquintett, das er
1972 unmittelbar nach dem Tod seiner Mutter begann und vier Jahre später
vollendete. Gidon Kremer, der 1981 das Festival gründete und 2012 an Altstaedt
weitergab, nahm es in sein Konzertprogramm auf. Kerngedanke des Werks ist
die Umkreisung des Tones cis in Halb- und Vierteltönen. Je mehr die Streicher
versuchen, sich anzunähern und in einem Gleichklang zu enden, desto intensi-
ver werden die Dissonanz und der tiefgreifende Schmerz. Das unbarmherzige
Pochen der Zeit im Klavier verwandelt sich im letzten Satz in eine Spieluhrme-
lodie, deren Des-Dur-Tonart die Streicher schließlich versöhnlich in einem
sanften Akkord erreichen. So zeigen Kremer und seine Musikerfreunde en
miniature, was das Kammermusikfest Lockenhaus zu bieten hat: Augenblicke
wahrer, inniger Empfindung.
2 von 2 08.07.2020, 10:49Firefox https://zeitung.faz.net/webreader-v3/index.html#/465083/14
F.A.Z. - Feuilleton Mittwoch, 08.07.2020
Erwacht nach langem Herzstillstand
Die Scala öffnetwieder /Von Karen Krüger, Mailand
In Mailand ist man auf nichts stolzer als auf die Scala. Das Opernhaus hat die
Stadt weltberühmt gemacht, verkörpert deren Lebenskraft und Eleganz, ist ihr
kulturelles Herz. Für viele Mailänder tat sich deshalb der Boden auf, als dieses
Herz im Februar gezwungenermaßen zum Stillstand gebracht wurde: Am 23.
Februar spielte man gerade Verdis „Trovatore“, als der Regierungsbeschluss für
die lombardischen Bühnen kam. Die Vorstellung wurde mittendrin abgebro-
chen, Publikum und Mitwirkende wurden nach Hause geschickt.
Nach 133 Tagen haben die Mailänder ihre Scala nun endlich wieder. Am
Montagabend wurde der Spielbetrieb wieder vorsichtig aufgenommen, bevor im
September die große Wiedereröffnung folgen soll. Den Auftakt bildete ein
Konzert für Klavier, Cello und Gesang mit Stücken von Brahms, Liszt, Giorda-
no, Verdi. Zu Ehren des großen Ennio Morricone, dessen Tod ganz Italien in
Trauer gestürzt hat, wurde am Ende – mit keinem Geringeren als Mischa
Maisky am Cello – noch „Love Theme“ aus dem Film „Nuovo Cinema Paradiso“
gespielt.
So dramatisch das vorläufige Ende des Spielbetriebs gewesen war, so span-
nungsreich, so emotional war auch dessen Wiederaufnahme. Eigentlich sollte
der Bariton Luca Salsi auftreten, aber der habe nach der letzten Probe plötzlich
seine Stimme verloren, erklärte Dominique Meyer, der Intendant der Scala, der
sein Amt am 1. März angetreten hat und für den das Konzert der erste offizielle
Auftritt war. Simone Piazzola werde kurzfristig für Salsi einspringen, er sitze
aber noch im Auto, zwischen Verona und Mailand sei leider viel Verkehr.
Nun löst die Aussage, jemand fühle sich unwohl, in Mailand derzeit noch größe-
re Bestürzung aus als die Nachricht, der Ersatz-Star des Abends stecke im Stau.
Die Anzahl der Infizierten verzeichnet in Italien seit einigen Tagen nämlich
wieder einen leichten Anstieg, was zu allgemeiner Besorgnis führt. Umso gewill-
ter schien das Publikum zu sein, sich vollkommen dem so lange Entbehrten
hinzugeben. Wahrscheinlich wusste man es noch nie so sehr zu schätzen wie
jetzt.
Einigen Gästen liefen die Tränen über die Wangen, als die Pianistin Beatrice
Rana sich an den Flügel setzte und dieses großartige Theater endlich wieder mit
Musik erfüllte. Es gab nach jedem Stück Begeisterungsrufe. Geklatscht wurde
lange, enthusiastisch, und immer wieder stehend, als sollte dieser gemeinsame
Augenblick des Musikgenusses, den keine CD, keine Platte und kein gestream-
tes Konzert dieser Welt jemals ersetzen können wird, bis in die Ewigkeit verlän-
1 von 2 08.07.2020, 10:58Firefox https://zeitung.faz.net/webreader-v3/index.html#/465083/14
gert werden. Die Arien wurden wegen des aus Verona anreisenden Baritons ans
Ende des Programms verschoben, aber das war den sechshundert Zuschauern,
die während des gesamten Abends ihre Atemschutzmasken aufbehalten muss-
ten, egal.
Platz bietet die Scala eigentlich für zweitausend Besucher, eine Vollauslastung
ist aber derzeit nicht erlaubt. Genauso lassen die strengen Sicherheitsvorschrif-
ten keinen Glamour im Protokoll zu, was aber niemanden zu stören schien. Die
Scala hat schließlich schon immer die Entwicklungen der Stadt reflektiert. Nach
dem Krieg, als nach Luftangriffen vieles in Trümmern lag, war sie eines der
ersten öffentlichen Gebäude, die wiederhergestellt wurden. Die Mailänder woll-
ten ihr Opernhaus so rasch wie möglich zurück. Dieser Geist war auch jetzt
wieder zu spüren.
Nach dem Krieg führte das Verlangen, die finsteren Tage zu vergessen und den
Entbehrungen etwas entgegenzusetzen, zu glanzvollen Abenden. Es scheint, als
ginge die Scala wieder in diese Richtung. Dass sie noch immer ein Ort der
großen Gefühle ist, konnte man am Montag schon erleben.
2 von 2 08.07.2020, 10:58Firefox https://epaper.sueddeutsche.de/webreader-v3/index.html#/791509/9 1 von 1 08.07.2020, 11:04
Firefox https://epaper.sueddeutsche.de/webreader-v3/index.html#/791509/10 1 von 1 08.07.2020, 11:06
Artikel auf Seite 13 der Zeitung Berliner Zeitung vom Do, 09.07.2020 https://epaper.berliner-zeitung.de/
Der Komponist Henry Krtschil ist gestorben
In der Nacht von Montag auf Dienstag ist der Komponist Henry Krtschil im Alter von 87 Jahren gestorben. Das erfuhr die Berliner Zeitung von seiner
Tochter. Krtschil war 1957 von Hanns Eisler an das Berliner Ensemble geholt worden, wo er stellvertretender musikalischer Leiter war. Ab 1970 war er für
die Volksbühne Berlin tätig. Zu den wichtigsten Arbeiten in dieser Zeit gehören die Komposition für die Trilogie Der Bauch von Kurt Bartsch, die mit dem
Kritikerpreis ausgezeichnet wurde, sowie die Vertonung von Heiner Müllers Die Schlacht. Ab 1977 war Krtschil freischaffend tätig und ging 1991 an das
Theater im Palais in Berlin. Parallel zu seiner Bühnenarbeit komponierte er als Freischaffender auch Filmmusiken für das Fernsehen der DDR, unter
anderem für Der Hase und der Igel oder Polizeiruf 110. (BLZ)
1 von 1 08.07.2020, 11:33Firefox https://zeitung.faz.net/webreader-v3/index.html#/465083/13
F.A.Z. - Feuilleton Mittwoch, 08.07.2020
Eine Diva für die Oper
Frankreichs neue Kulturministerin Von Jürg Altwegg, Genf
Vorhang auf – im französischen Kabinett halten zwei ausgesprochene Selbst-
und Charakterdarsteller Einzug. Der Staranwalt Éric Dupond-Moretti, der die
besten Plädoyers im ganzen Land hält und auch schon im „Théâtre de la Made-
leine“ solo auf die Bühne trat, wird Justizminister. Genauso bühnenreif ist die
Geschichte der neuen Kulturministerin. Sie handelt von der märchenhaften
Auferstehung einer Politikerin, die in Ungnade gefallen war. Noch unter
Jacques Chirac war die heute dreiundsiebzig Jahre alte Roselyne Bachelot, die
sich als „Rechtsfeministin“ bezeichnet, Ministerin für Umwelt und Sport.
Nicolas Sarkozy holte sie für die Gesundheit in die Regierung. Als 2009 die
H1N1-Pandemie ausbrach, kaufte Bachelot zweihundert Millionen Masken –
die letzten wurden im vergangenen März entsorgt – und vierundneunzig Millio-
nen Dosen Impfstoff. Doch es gab nur 342 Tote. Wegen Verschleuderung von
Steuergeldern wurde Bachelot zur Buhfrau der Nation. Der Rechnungshof bezif-
ferte die unnützen Ausgaben auf 382,7 Millionen Euro. Mit Schimpf und Schan-
de wurde Bachelot aus der Politik vertrieben. Aber sie scheute sich nicht, in der
Rolle der altmodischen und abgetakelten Politikerin aufzutreten.
Sprichwörtlich démodé sind ihre bunten und blumigen Röcke. Bachelot kann
einstecken – und auch zur Selbstironie ist sie fähig. Selbst in der manchmal
sehr schlüpfrigen Runde der „Grosses Têtes“ im Nachmittagsprogramm von
RTL bewährte sie sich. Beim gediegensten Newssender LCI war sie Expertin für
Gesundheitsfragen. Acht Jahre lang dauerte die Ochsentour durch die Medien.
„Ich dachte, dass man mich erst nach meinem Tod rehabilitieren würde“, frot-
zelte Bachelot vor ein paar Wochen.
In der Corona-Krise erschien sie dem gebeutelten Land als verkannte Prophe-
tin. Reumütig bekannten sich die politische Klasse und die Medien zu den
vergangenen Verfehlungen ihr gegenüber. Roselyne Bachelot erreichte in allen
Beliebtheitsumfragen Spitzenplätze. Mit vornehmer Zurückhaltung und ohne
jegliche Rechthaberei kommentierte sie die Ereignisse. Als ehemalige Gesund-
heitsministerin wurde sie vergangene Woche von der parlamentarischen Unter-
suchungskommission befragt.
Jetzt wird die neue Kultfigur der französischen Politik Kulturministerin. Ihre
glücklosen Vorgänger kannten entweder die Kultur – die Verlegerin Françoise
Nyssen – oder die Mechanismen der Politik. Franck Riester, den Bachelot
ablöst, war Autohändler. Er wird als Staatssekretär den Außenhandel überneh-
men. Die neue Ministerin verfügt über Regierungserfahrung und eine enge
1 von 2 08.07.2020, 10:45Firefox https://zeitung.faz.net/webreader-v3/index.html#/465083/13
Beziehung zu ihrem Bereich. Schon in jugendlichem Alter entdeckte sie die
Oper. Sie ist mit dem Tenor Jonas Kaufmann befreundet und liebt Wagner.
Hörer von France Musique kennen sie als Expertin. Sie hat ein Buch über Verdi
geschrieben und eine Anthologie der französischen Oper zusammengestellt.
Als Ministerin hat sie es mit den Internetkonzernen, den Medien in der Krise
und dem Kulturbetrieb im Lockdown zu tun. Im Gegensatz zu Franck Riester
wird sie sich von Emmanuel Macron, dessen Mutter sie sein könnte, nicht in die
Rolle der Statistin drängen lassen. Ihre Berufung ist auch ein politisches Fanal
– ein Zeichen gegen die Kulturpolitik der Grünen, die in den von ihnen erober-
ten Städten der Oper den Garaus zu machen versprechen. Die Pariser Oper, für
die der Staat zuständig ist, hat wegen Rentenstreik und Corona 45 Millionen
Euro Schulden angehäuft. „Am Boden“ sei sie, sagte jüngst ihr Intendant
Stéphane Lissner, der vorzeitig das Handtuch wirft. Roselyne Bachelot weiß,
was sie erwartet: „Das Kulturministerium war mein politischer Traum.“
2 von 2 08.07.2020, 10:45Firefox https://zeitung.faz.net/webreader-v3/index.html#/465083/13
F.A.Z. - Feuilleton Mittwoch, 08.07.2020
Hoch und unerreichbar ist Gott
Aber Virtuosität ist Tapferkeit/Von René Jacobs
Als Dirigent bin ich erst spät zu Ludwig van Beethoven gekommen. Ich war
einfach zu beschäftigt mit einer musikalischen Entdeckungsreise in die riesige
„exotische“ Region der Barockoper. Monteverdi war mein Held, und ich sah die
ganze Operngeschichte nach ihm durch seine Brille. Doch in der ersten Periode
meines Lebens war ich ja nicht Dirigent, sondern Sänger. Und als Sänger hatte
ich immer wieder Lust, Lieder von Beethoven zu singen. Den Zyklus „An die
ferne Geliebte“ habe ich als Countertenor im Konzert aufgeführt. Das mag eine
Jugendsünde gewesen sein, aber es war eine schöne Sünde.
Mein Weg zu Beethoven verlief ungeplant, aber logisch. Ich bin, älter werdend,
der ewigen Da-capo-Arien der italienischen Barockoper etwas müde geworden.
Wie schön und sängerfreundlich ich auch die Musik der Arien fand, so proble-
matisch scheint mir jetzt immer mehr ihr „kulinarischer“ Charakter als genuss-
volle Einlage im Fluss eines menschlichen Dramas. Schon als Kind hatte mich
Mozart als Opernkomponist fasziniert. Und dann gehörten die Symphonien
Beethovens und die „Unvollendete“ von Schubert zu der Klangwelt, die mich zu
Hause umgab. Bei der Beschäftigung mit Mozart – ausgehend von „Così fan
tutte“, die schon als Kind meine Lieblingsoper war, dann über alle Da-Ponte-
Opern – kam ich schließlich zu den Singspielen: „Die Zauberflöte“ und „Die
Entführung aus dem Serail“. Da war das Interesse für Beethovens „Fidelio“,
auch ein Singspiel, nur folgerichtig. Ich wusste, es gibt drei Fassungen: von
1805, 1806 und 1814. Ich habe sie alle miteinander verglichen und fand die
erste am überzeugendsten, weil sie am nächsten an der Idee des Singspiels
bleibt.
Jahrelang hatte mich Beethoven eher abgeschreckt, weil ich über vieles gelesen
hatte, was auf Vorurteilen beruht und auf einer Musikforschung, die nicht –
fortführend – von Monteverdi ausgeht, sondern – rückführend – von Wagner:
Wagner ist groß, und Beethoven sein Prophet! Und Beethoven als Mensch – das
ist ein schwieriges Thema. Er trägt einige unsympathische Züge. Zwar vertont
er „Alle Menschen werden Brüder“, doch er meint damit nur bestimmte
Menschen. Beethoven war kein Demokrat. Und er konnte gegen manche
Menschen sehr böse sein. Die Frauen, die für ihn zu Hause kochten, sah er
überhaupt nicht als Menschen an. Doch in der Beschäftigung mit „Leonore“, der
Urfassung des „Fidelio“, habe ich gelernt, das Biographische völlig zu vergessen.
Das ist nur irreführend. Aus der Musik selbst lernt man viel mehr über ihn.
Musikalisch ist Beethoven wirklich revolutionär. Er steht zwar noch in einer
Tradition, aber er untersucht sie gründlich und bricht sie dann. Nehmen wir
1 von 3 08.07.2020, 10:39Firefox https://zeitung.faz.net/webreader-v3/index.html#/465083/13
nur einmal die sogenannte zweite „Leonoren-Ouvertüre“: Hier torpediert er die
klassische Form aus einer erzählerischen Notwendigkeit heraus. Es sieht so aus,
als würde er eine klassische Sonatensatzform zu Ende führen – aber er tut es
nicht. Stattdessen erzählt er die Geschichte der Oper mit instrumentalen
Mitteln. Beim Trompetensignal, das die Ankunft des Ministers und die Befrei-
ung der Häftlinge ankündigt, ist die Oper eigentlich erzählt. Eine formale Repri-
se wäre an dieser Stelle sinnlos. Also ersetzt Beethoven sie durch eine lange
Coda. Aber kennzeichnend für ihn war seine eigene Unsicherheit. Denn ein Jahr
später, bei der dritten „Leonoren-Ouvertüre“, versucht er doch, die Form
wiederherzustellen, und denkt neu über die Möglichkeit einer Reprise nach. Er
war im Streit mit sich selbst.
Die Gewaltsamkeit, die man Beethovens Musik nachsagt, hat mich hingegen nie
abgeschreckt. Diese unglaubliche Kraft, diese Männlichkeit zog mich schon früh
an. Als Kind war ich verliebt in Schubert, besonders in seine Lieder. Und ich
fand es immer traurig, dass ich als Dirigent später auf Schuberts Opern ange-
wiesen war, die aber niemand aufführen wollte. Deshalb bin ich so froh, jetzt
Schuberts Symphonien aufnehmen zu können. Doch gerade bei diesen Sympho-
nien spürt man, wie verschieden Schubert und Beethoven waren: Schubert war
der „feminine“ Komponist. Aber ich liebe beides. Ich liebe diese Kraft, diese
Virtuosität im Sinne von Tapferkeit bei Beethoven; und ich liebe das Weiche,
Feminine bei Schubert.
Nicht die Kraft und Virilität also haben mich an Beethoven abgeschreckt,
sondern die falschen Vorstellungen über seine Oper „Fidelio“, die falschen
Sängerbesetzungen, die falschen Orchesterinstrumente. Durch sie entsteht
nämlich auch eine falsche Form von Gewalt und Aggressivität. Naturhörner,
alte Posaunen und Naturtrompeten entfesseln eine andere Art von Aggressivi-
tät: Sie sind schärfer, aber nicht so laut.
Was ich wirklich lange Zeit geglaubt habe und was mich tatsächlich von Beetho-
ven abhielt, war die weitverbreitete Überzeugung, dass seine Musik für Sänger
äußerst unbequem sei. Ich kannte seine „Missa solemnis“ – die ich nun selbst
dirigiere und die ich, sollte ich gesund bleiben, auch in zehn Jahren noch
einmal aufnehmen möchte – aus mehreren Konzertaufführungen als Hörer.
Allerdings immer in riesigen Besetzungen bei Chor und Orchester mit extrem
hoch singenden Sopranistinnen. Schon bei der Uraufführung von einzelnen
Teilen der „Missa“ 1824 unter Beethovens Leitung hatte sich die junge Sopra-
nistin Anna Milder über die schwere Ausführbarkeit ihrer Partie beklagt,
desgleichen der Chorleiter. Beethoven aber machte keine Zugeständnisse. Er
sagte nur, jede Note sei notwendig – allerdings nicht, warum.
Das müssen wir selbst herausfinden. Wir müssen uns fragen, warum die Sopra-
nistinnen oft so hoch einsetzen müssen, besonders in der Schlussfuge des
Credos, wo sie viermal das hohe B haben. Beethoven war zwar kein praktizie-
render Katholik, aber er hat ziemlich oft über „die Gottheit“ – seltener über
„Gott“ – geschrieben: wie weit sie von uns Menschen entfernt und wie schwierig
es sei, wenn nicht gar unmöglich, auf ihre Höhe zu kommen. Das könnte eine
Erklärung für die hohe Tessitura der Soprane sein: Sie ist ein Symbol dafür,
2 von 3 08.07.2020, 10:39Firefox https://zeitung.faz.net/webreader-v3/index.html#/465083/13
dass der Mensch niemals an „die Gottheit“ heranreichen kann.
René Jacobs, Countertenor, Musikforscher und Dirigent, brachte seine Aufnah-
me von Beethovens „Leonore“ bei Harmonia Mundi
heraus.
3 von 3 08.07.2020, 10:39The Sumptuous, Sour Music of Cory Smythe - The New York Times https://www.nytimes.com/2020/07/07/arts/music/cory-smythe-piano.html 1 von 3 08.07.2020, 11:38
The Sumptuous, Sour Music of Cory Smythe - The New York Times https://www.nytimes.com/2020/07/07/arts/music/cory-smythe-piano.html 2 von 3 08.07.2020, 11:38
The Sumptuous, Sour Music of Cory Smythe - The New York Times https://www.nytimes.com/2020/07/07/arts/music/cory-smythe-piano.html 3 von 3 08.07.2020, 11:38
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